El GALATA MORENTE

Los ojos del faro

2012-02-03T11:30:00.000-08:00

El fantasma de Edna Lieberman

Te visitan en la hora más oscura
todos tus amores perdidos.
El camino de tierra que conducía al manicomio
se despliega otra vez como los ojos
de Edna Lieberman,
como sólo podían sus ojos
elevarse por encima de las ciudades
y brillar.
Y brillan nuevamente para ti
los ojos de Edna
detrás del aro de fuego
que antes era el camino de tierra,
la senda que recorriste de noche,
ida y vuelta,
una y otra vez,
buscándola o acaso
buscando tu sombra.
Y despiertas silenciosamente
y los ojos de Edna
están allí.
Entre la luna y el aro de fuego,
leyendo a sus poetas mexicanos
favoritos.
¿Y a Gilberto Owen,
lo has leído?,
dicen tus labios sin sonido,
dice tu respiración
y tu sangre que circula
como la luz de un faro.
Pero son sus ojos el faro
que atraviesa tu silencio.
Sus ojos que son como el libro
de geografía ideal:
los mapas de la pesadilla pura.
Y tu sangre ilumina
los estantes con libros, las sillas
con libros, el suelo
lleno de libros apilados.
Pero los ojos de Edna
sólo te buscan a ti.
Sus ojos son el libro
más buscado.
Demasiado tarde
lo has entendido, pero
no importa.
En el sueño vuelves
a estrechar sus manos,
y ya no pides nada.

Roberto Bolaño

La colina del Faro de Edward Hopper.

El faro vertical en medio de la línea del horizonte, fijo, inquebrantable ante los embates de la naturaleza asociado al concepto de "axis-mundo", el eje mundano que une dos planos, el superior con el inferior.
Asciende álgido en una conquista de la cima iluminada, de la visibilidad, tan estable y erguido, valiente ante la adversidad, un oferente al punto de referencia ante la pérdida del camino.
El faro de Alejandría de los tiempos del que un proverbio japonés cuenta que la oscuridad reina a sus pies.

Canción para navegar

2012-01-18T15:58:00.000-08:00

Me he decepcionado mucho de a quien le di mi lealtad, y sólo me vio como su esclavo o su vasallo.
Luis Gabriel Carrillo Navas.

¿Hasta dónde alcanza la lealtad? O ¿Hasta dónde la egolatría legendaria detenta la capacidad y la audacia de llevarla?
Las repuestas para ambas preguntas las da la historia en medio del tiempo y la geografía.
Conocemos las gestas grabadas en las piedras de Ramsés, Gengis Khan, Carlomagno o Napoleón.
Algunas de ellas aún permanecen sobre la tierra en que fueron erigidas como testimonio
de la gloria de unos personajes idolatrados como dioses, reyes o emperadores, autocracia entre valores absolutos el bien y el mal, dictaminados el valor ético de ambos sujeto al interés en la perpetuación de su vida y memoria.

Las piedras abandonaron las canteras para elevarse a cielo siendo catalogadas como maravillas del mundo y patrimonio de la humanidad.
De algunas de estas maravillas tan sólo ya podemos convocar el testimonio escrito de su esplendor.
China el país del dragón, capital Pekín en cuyo interior existió otra urbe, La Ciudad Prohibida, tiene el privilegio de contar con dos de estas maravillas.
Una de ellas, la archifamosa Muralla China que mide unos 6. 700 kilómetros y fue levantada para defenderse de las tribus nómadas (Xiognu) del norte por su primer emperador, Quin Shi Huangdi, fallecido en el año 210 a. J.C.
Quin consiguió unificar el territorio de la actual China, Shi Huangdi significa literalmente primer emperador, aunque el título de emperador (Imperator) es de origen latino en concreto de la antigua Roma.
Cayo Julio César ostentó por primera vez este título político y militar cuyo significado es del comandante o vencedor en una batalla. Etimológicamente en un sentido estricto emperador proviene del latín aunque otro países e imperios incluso en Oriente lo utilizan incluso hoy en día como en el caso de Japón.
China derrocó a su último emperador Puyi, el señor de los diez mil años en 1945.
Designado por la vieja buda, la última emperatriz Tzu Shi. Esta mujer cuyo nombre infantil era el del Orquídea fue escogida en su adolescencia como concubina del emperador con el nombre de dama Yenohala al igual que su prima Sakota elegida como primera consorte del emperador.
Tzu Shi poseedora de una gran belleza e inteligencia consiguió escalar puestos ganándose la confianza de su madre y el amor del propio emperador del que tuvo un hijo.
A la muerte del emperador en plena juventud debido a todo tipo de excesos es nombrada junto con su prima Sakota (Tzu An) regentes del Imperio ya que ella era ya la segunda consorte pero Tzu Shi hasta su muerte detentó el poder real

(interesantes y objetivas las biografías que sobre ella han escrito Anche Min y Pearl S. Buck) en sus últimos días nombró sucesor a un niño llamado Puyi.
El ciudadano Puyi fue acusado de traidor y reeducado por la revolución, su posterior actividad la desarrolló como jardinero y luego como archivista de la biblioteca nacional, en realidad el último emperador estuvo prisionero toda su vida primero de la ambición de su familia, de su casta, de la tutela de otro imperio el británico y más tarde del partido comunista para unos y para otros era un símbolo y así fue inmortalizado en la oscarizada película de Bernardo Bertolucci.

Quin Shing Huangdi dedicó mucho de su tiempo y erarios durante su regencia para encontrar la planta de la inmortalidad (bu si zhi cao) vagando por la costa del mar Oriental ofrecía sacrificios a las montañas, a los ríos y a los ocho espíritus fascinado por los aspectos sobrenaturales de algunas teorías del tao, ya que renegaba del confucionismo.
Enviando expediciones para hallar la flor mágica sin ningún resultado a pesar de eso no descuidaba los asuntos de estado contando con la ayuda del gran consejero Li Si.

La segunda maravilla construida por el primer emperador Quin fue la de un complejo funerario instalado en el monte Li, el lugar escogido para el monumento proseguía la tradición geomántica taoísta precisa y antigua, lo que los chinos llaman fengshui (viento y agua) ya que aseguraba el descanso del difunto emperador Quin Shi entre las tinieblas.
Y de ellas emergieron en 1974

.
Durante la primavera tres campesinos descubrieron cuando cavaban el suelo a cuatro metros de profundidad el principio de un descubrimiento absolutamente único por varias características, pero sobre todo por once corredores paralelos de doscientos metros de longitud donde se alineaban en perfecta formación el increíble ejercito del emperador.

7000 soldados escupidos a tamaño natural en terracota con sus armas e incluso los caballos y los carros de guerra.
Algo asombroso además quedó al descubierto todas las figuras son distintas ejecutadas con un magnífico realismo para destacar en sus rasgos el carácter facial individual, su rango, recreado hasta los detalles más nimios, su indumentaria y armamento.
El cálculo estima que unos 700.000 artistas y operarios fueron empleados para el monumento funerario del emperador

(el hijo del cielo), cuando sobrepasara las fuentes amarillas, su dinastía parental apenas sobrevivió después sepultarle bajo la montaña de Li.
El descubrimiento llenó de estupor y miedo la pequeña aldea ya que temían ofender algún espíritu inmortal resurgiendo para castigarles.
Los ancianos recordaban que sus padres al buscar agua en los pozos en alguna ocasión desenterraron figuras parecidas y al considerarlos como un mal presagio o los rompían, los colgaban de los árboles o volvían a enterrarlos.
Esta vez sin embargo la salida a luz de los soldados llegó a instancias del gobierno de Mao enviando al instante un equipo de arqueólogos.
Para los chinos la guerra era un arte que desarrollaban con sofisticadas estrategias, sus temibles y aguerridos guerreros alcanzaron tal maestría en el combate que fueron estudiados por otros ejércitos contemporáneos.
Napoleón el otro emperador corso, guerrero y estratega cuya arma más temible la desenvainaba su ambición citó lo siguiente: Cuando China despierte, el mundo temblará.

Despertaron de su letargo heroico y esotérico los guerreros de Xiam, el ejercito inmortal, la lealtad muda más allá de la muerte modelada con arcilla y agua.
Por un instante imagino al guerrero de barro con una rodilla en genuflexión alzarse en pie negándose a atender las romanzas sobre los héroes y prestándole oído al viento de oriente quizá escuche ahora una canción para navegar.

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Canción para navegar

Un barco de sándalo y remos de magnolia, en ambas puntas se sientan "flautas de jade y pífanos de oro".
Bellas cantantes, incontables cascos de vino dulce, oh, déjenme seguir las olas, dondequiera que me lleven.
Soy como el inmortal que se fue montado en la grulla amarilla, sin meta vagabundeo siguiendo a las gaviotas blancas.
Las canciones de Chu-ping aún brillan como el sol y la luna.
De los palacios y torres de los reyes de Ch'u no quedan rastros en las montañas.
Con un solo golpe de mi pincel sacudo las cinco montañas, el poema terminado, río, mi deleite es más vasto que el océano.
Si la fama y las riquezas pudieran durar para siempre, el río Han fluiría hacia el noroeste volviendo a su fuente.

Li Po

La wisteria de cristal

2011-12-04T13:43:00.000-08:00

Al principio nada distinguía la luz de las tinieblas, los conceptos antagónicos cómo caos o cosmos eran inexistentes la nada invadía el todo.

Mitología, filosofía, religión y ciencia han tratado de resolver las incógnitas sobre la formación de la cosmogonía, el universo.

El ser humano ha anhelado encontrar respuesta a este eterno tríptico de preguntas: ¿Quiénes somos, de dónde venimos y a dónde vamos?

Estos interrogantes continúan sin encontrar repuestas satisfechas por la ciencia ya que los científicos prosiguen especulando e investigando sobre ellas.

La religión ha saciado y sacia para una ingente cantidad de personas la configuración de la arquitectura del universo, aunque religión y ciencia disputan constantemente esa formación primigenia.

La ciencia no rechaza la existencia de una inteligencia o ente superior de hecho la mayoría de los astrónomos y científicos continúan ratificándola al investigar y descubrir la complejidad de la vida y el universo.

La religión (sobre todo las cristianas) por el contrario ha tratado de impedir con todos los medios a su alcance, dejando caer su cólera y anatemas, presionando e incluso llevando al martirio a todo aquel que osara y aún hoy en día ose argumentar y experimentar mediante hechos constatables... y sin embargo se mueve.

Y algo se movió por primera vez, estalló el paradigma del bing bang, así que al principio fue el fuego o al menos eso propugnan los científicos y el fuego es luz y tinieblas.

Para ambas, antagónicas y complementarias la teología las ha identificado, personificándolas en un absoluto del bien y el mal.

Somos polvo de estrellas, somos hijos de las estrellas esta vinculación lírica nos une con el núcleo de los astros, nuestro ADN contiene los mismos elementos que los forman.

Somos por tanto ígneos y no hemos dejado de buscar ese fuego desde hace millones de años, queremos encender los milenios de las luces sobre nuestro pensamiento, sobre nuestra vida.

Comenzamos con lascas para encender el fuego, las antorchas, los pebeteros, las velas, las lámparas de gas, encendimos la luz eléctrica y por último las luces led siendo la apuesta para un mayor ahorro energético, una menor contaminación ambiental y lumínica ofreciendo el mismo flujo luminoso ya que no la dispersa si no que la concentra hacia el suelo.

En las zona abisales donde no penetran los rayos solares, las formas de vida son albinas, totalmente blancas e invidentes tendiendo en algunas ocasiones al gigantismo, resulta una paradoja ya que la luz aún siendo blanca está compuesta de todos los colores.

En medio de esta biografía de la luz y la oscuridad o la sombra ya que está nos protege de la luz devastadora hallamos los biógrafos de luz, los artistas.

Englobando a todo aquel o aquella que ha depositado su captura en libros, lienzos, esculturas, arquitecturas, música etc.

Louis Comfort Tiffany fue el hijo del legendario fundador de Tiffany &amp; Company, la misma joyería en la que Audrey Hepburn con su encanto espontáneo y angélico dio vida al personaje protagonista de la novela Desayuno con diamantes, obra homónina de Truman Capote.

Louis diseñó gran cantidad de joyas aunque ha adquirido su renombre con otras orfebrerías como a él también las describía, sus famosas lámparas art nouveau.
Siendo un enamorado de la naturaleza muchos de sus diseños orgánicos contienen motivos inspirados en el paisaje que rodeaba su casa de Long Island y allí fue retratado por Joaquín Sorolla (otro mago de la luz) en 1911 delante de su caballete, con la paleta en la mano y acompañado de su perro.

Louis poseía un talento poliédrico como las piedras preciosas, semipreciosas y vidrios que manejaba.

Para realizar sus bellísimas joyas, vitrales y lámparas iridiscentes recuperó antiguas técnicas.

La granulación, el uso de pequeñas gotas de oro decorativas utilizada en Egipto miles de años atrás.

Así como técnicas de esmaltado, taille basse, champlevé y plique-a-jour.

Plique-a-jour se compone de una fina capa de esmalte en celdas de alambre semejante a las vidrieras que recibe en otros el nombre de cloisonné.

El cloisonné es una antigua técnica que decoraba todo tipo de objetos incluyendo armaduras y que en China halló su mayor expansión aunque su aparición nos revierte otra vez al antiguo Egipto.

Esta técnica no se contentó con habitar en los diseños anteriores, la pintura retomó su inspiración en el cloisonismo término acuñado por el crítico Edouard Dujardin. Consistiendo en el encierro de la imagen en zonas de un único color, separadas por grandes contornos negros, prestando escasa atención a la perspectiva clásica y eliminando las sutiles gradaciones de los colores.

A día de hoy el cloisonismo se asocia indisolublemente a los cómics y los dibujos animados.

Algunos artistas experimentando lograron acercarse al cloisoismo pero sus máximos exponentes fueron dos: Emil Bernard y sobre todo Paul Gauguin.

Paul Gauguin el fiero y profético pesquisidor de la luz navegó muchas millas para hallarla en Tahití.
Buscaba la inocencia de la luz y la plasmó en su obra maestra: ¿De dónde venimos, quién somos, a dónde vamos?

Nota al margen: Gauguin al emprender esta obra titánica que ha sido calificada como sintetista tenía la intención de abordar un testamento artístico, su doctrina filosófica y artística aunando en ella todas sus demás obras.
Bajo un formato horizontal el lienzo sigue una evolución cronológica inversa que comienza en el extremo izquierdo, la figura desoladora de una momia en posición fetal, tapa sus oídos intentando mantenerse ajena al resto de la escena. Un bebé símbolo de la inocencia y la vida es cuidado por tres jóvenes tahitianas. En el centro la figura de un hombre coge un fruto que simboliza la tentación y la caída. Con esta estructura cronológica inversa Paul Gauguin señala lo primitivo, lo inocente como el único camino a seguir.

El beso de piedra

2011-11-22T06:42:00.000-08:00

Pongamos a funcionar la moviola un símil que se me antoja adecuado al cambio por memoria que utiliza la capacidad de retrotraer todo tipo de recuerdos.
Vayamos a por uno sensorial del que sostenemos una rememoración sujeta a diversas circunstancias tanto anímicas como de escenario aunque en realidad recapacitando nuestras incursiones en ese campo se encuentran tan lejanas que la evocación se aloja en el inconsciente.
La primera toma de contacto viene a producirse cuando somos lactantes y aunque entonces ni nos percatamos ya que la memoria se construye o al menos eso aseveran los científicos alrededor de los tres años, (Salvador Dalí aseguraba recordar sus experiencias nonatas y lactantes, ¿Detrás de las excentricidades irónicas del genio puedan ocultarse verdades aún sin constatar...?).
Es posible debido a nuestra puerilidad que nos den gato por liebre y ese roce que multiplicaremos de por vida si ésta se prolonga se efectúe contra una forma de silicona ( el biberón) de la que proseguirán abusando engañándonos con el chupete.
La mentira nos amamanta y aprendemos a convivir con la falsa realidad de los sustitutos y algunas le cogen tal afecto que no dudan en implantársela en la boca como un reclamo, una promesa anhelada de culminación amorosa.
El acto instintivo comenzó en el paleolítico cuando la madre cavernícola traspasaba la comida masticada de su boca a la de su hijo tiene un aprendizaje que comienza en la infancia siendo la manifestación de afecto por antonomasia y aunque se diversificará en una multitud actos que efectuaremos, la moviola se detiene en uno:
La primera vez que damos un beso o nos lo roban o lo robamos.
Depende claro de como halla sido la experiencia y con quien, la memoria es selectiva.
Pero si escrutáramos a la mayoría responderá recordar con ternura ese primer chasquido.
Primero se da con la mirada, los ojos tiene ese prerrogativa con o no sin correspondencia.
Como especie no somos la única que manifiesta el afecto mediante el beso, los primates y algunas otras así lo exteriorizan también.
Lo egipcios besaban los pies de sus deidades incluyendo a los faraones como símbolo de adoración.
Entre los persas los hombres de un mismo nivel social se besaban en la boca si el estatus de uno de ellos era inferior se besaban en la mejilla.
Los historiadores griegos Polibio de Megalópolis, Plutarco y los romanos Aulus Gellius y Valerio Máximo certifican que el origen del beso comenzó cuando Rómulo, primer rey de Roma, prohibió y estableció por ley la absoluta abstinencia de consumir "temetum" (vino puro) a las mujeres.
Al regresar a casa cada marido obligaba a su esposa a exhalar su aliento, mientras acercaba sus labios a los de ella, para cerciorarse de que no hubiera bebido.
Los romanos tenía tres tipos de besos:
Osculum, que se daba a los amigos en la mejilla.
Basium, que se da en los labios.
Suavem. el beso de los amantes.

En la edad media el hombre que besaba a una mujer era obligado a casarse con ella.
Durante en renacimiento el beso en la boca era de salutación común.
En la Rusia de 1800 el beso se tornó en una epidemia, besándose a cualquier hora y por cualquier motivo, una de las formas más elevadas de reconocimiento era el beso del Zar.
Continuándose la costumbre aún después de la revolución soviética. Famosísimo es el beso para la historia que se dieron en 1979 Breznev y Honecker.
Durante la revolución industrial en la cultura occidental el beso en público estaba prohibido tuvo que esperar hasta los años 60, rebelándose contra la prohibición.
Para algunos países árabes los besos se dan por pares es decir cuatro al saludar pero hombres a hombres y seis al despedirse, cada país y cada cultura observa unos normas de uso en cuanto a la salutación con besos.
Los esquimales o los polinésicos frotan sus narices y aspiran el aliento de su amante.
El Kamasutra por su parte describe tres clases de besos: el nominal, el palpitante y el beso de tocamiento.
A pesar de que puede admirarse en la estatuaria y en otras artes plásticas; el beso en público en la India y en China incluso ahora no es bien visto aunque los actores de Bollywood, la industria cinematográfica hindú ubicada en Bombay realicen películas en las que los actores indios se besan en la pantalla.
A Richard Gere le costó un par de demandas por escándalo público el beso espontáneo que le dio a la actriz hindú Shilpa Shetty.
Entramos en el territorio de los besos de cine, de hecho cuando alguien besa bien, con pasión, se compara como: “un beso de película”.
Memorables clásicos en el imaginario del séptimo arte son el beso para la eternidad que se dieron en la playa mojados por las olas Burt Lancaster y Devorah Kerr u otro mítico que el viento se llevó entre Vivian Leigh y Clark Gable.
Michael Corleone besó en la boca a su hermano Fredo antes de matarle, le propinó dos besos en uno, el que da la muerte y el de Judas.
El evangelio según San Juan describe los hechos del beso que traiciona y vende a Jesús a los miembros del Sanedrín y al ejecutor de la sentencia, Poncio Pilatos gobernador romano en Judea.
Judas Iscariote era el tesorero del grupo fue además desprestigiado pesando una acusación de sustraer parte de este dinero que sustentaba al grupo por las donaciones de los seguidores del Nazareo.
Francamente reflexionando sobre la figura del Judas de los evangelios la presentacion que se le hace es la de un malvado estúpido...
¿Cómo es posible que alguien que había convivido con Jesús, que le conocía, que era su amigo y discípulo, que percibía sobradamente lo que era capaz de hacer, traicionará y renegara de su Rabí, de su mesías, por treinta monedas de plata?
En pleno siglo xx distintos autores como Jorge Luis Borges, Juan Boch o Nikos Kazantzakis bien por convicción bien por fabulación han reivindicado la figura de Judas.
En el evangelio de Judas, un texto gnóstico fechado aproximadamente en el siglo II relata la solicitud de Jesús a Judas la petición de traición a la que Judas accedió como un acto de obediencia suprema. Este texto es considerado apócrifo.
El beso de Judas delación u acto de amor halló espacio en los cuadros de Caravaggio, Giotto etc.

Juan Pablo II besaba la tierra de cada país cuando realizaba una visita papal y emulándole deportistas o soldados besan estadios o aeropuertos.
Con el papa, con los reyes e incluso con los lideres religiones árabes e incluso en las relaciones diplomáticas ( si va dirigido a una diplomática) el protocolo habitual impone un besamanos. De igual forma que un caballero saludaba así cortesmente a una dama, práctica esta última cuasi en desuso.

Los ósculos de película aunque despertaran sueños en los años cuarenta y cincuenta guardan la calidad de ficticios sin embargo otros manifiestan un origen espontáneo recogidos por otra cámara, la fotográfica y romántica de Robert Doisneau bajo el cielo de París conocida como: “El beso del Hotel de Ville” que se convirtió en su momento en la imagen más cotizada de la historia. O el icono captado por Alfred Eisensteadt en la plaza de Time Square después del armisticio entre un marinero y una enfermera que cerró con broche de blanco y negro la segunda guerra mundial.

Las artes recurren constantemente a este roce amoroso que de tan cotidiano no ha perdido ni un ápice de frescura, cada adolescente lo recrea con un sortilegio de primera vez.
Los espectadores son amantes ensoñadores involucrado reconociéndose retratados por uno u otros besos plásticos como: el beso dorado y simbólico al borde del abismo de Gustav Klimt, el tormentoso y curvilíneo de Egon Shiele, el ciego y encapuchado de Magritte, el colorista de Robert Delaunay, el prerrafaelista de Rosetti, el apocalíptico de William Blake, el íntimo y lésbico de Lautrec, el tórrido de Vettriano, el hiperrealista contra el muro de Antonio Lopez, Romeo y Julieta se besan en el lienzo pop art de Úrculo, la fabulación tétrica en la boca del yelmo con su amante carnal de Sierfried Zademack, etc.
Y besándose o apunto de hacerlo en el mármol Eros y Psique de Cánova o en el bronce de Rodin o el de Camille Claudel o el compacto el bloque sin artificios del beso de Constantin Brancusi enseñoreándose con la primitivista emoción de dos seres fundidos en uno solo.
Construyendo pretéritos besos al canto de cisne, el cantautor Victor Manuel pregunta: ¿A dónde irán los besos que guardamos que no damos?.
Y los besos frustrados deseando darse a alguien que hemos perdido arrebatado por la vorágine existencial.
La virtualidad del beso expresado entre las cartas de antaño y las redes inalámbricas de ahora.
El beso música, color, poesía, bolero, tango, arrebatando la misteriosa arquitectura del espacio íntimo estrechado, de cada quien, de cada todos, atmósfera circuncidada por el surrealismo de Julio Cortazar.

Rayuela. Capitulo VII
Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja. Me miras, de cerca me miras, cada vez más de cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más de cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un sólo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.

Gogito ergo sum

2011-11-04T11:17:00.000-07:00

Pensar contra la corriente del tiempo es heroico; decirlo; una locura. Eugéne Ionesco.

La famosa escultura del Pensador de Rodin contiene una enorme cuota de realismo abocetado, creada por el escultor impresionista representa a Dante reflexionando ante las puertas del infierno mostrándole en su estado más puro, desnudo, despojado de todo lo que no sea la incidencia para conseguir su pensamiento interior absteniéndose del mundo real logrando la auténtica dimensión de su mente y su equilibrio espiritual.
Se muestra sentado en una roca con la mirada baja meditando sobre sus propios pasos, observando el camino recorrido como fuente de enseñanza y para ello es imprescindible esta postura sedente ya que un ritmo vertiginoso en la acción de la escultura no daría lugar al descanso, a detenerse en el acto de reflexión sobre las cosas.
Sin embargo en el acto de pensar y en la toma de decisiones no es posible en ocasiones este espacio de cavilación serena ya que el que tiempo y los acontecimientos imprevisibles juega en nuestra contra. El carácter impulsivo o la indecisión pasiva del individuo determina la inteligencia, cuya capacidad unida a la percepción y la memoria nos ayuda a entender, asimilar información para resolver encrucijadas vitales.
Etimológicamente inteligencia deriva del latín que se traduciría: por quien sabe escoger.
El mismo Rodin nos traslada la siguiente reflexión: La meditación persistente sugiere argumentos contra las decisiones; la profunda reflexión acaba a menudo en inercia.
Y si nos atenemos a Carl Jung: las grandes decisiones de la vida humana tiene como regla mucho más que ver con los instintos y otros misteriosos factores inconscientes que con la voluntad consciente y bien del sentido de la racionalidad.
Los impulsos humanos se muestran inducidos por pensamientos que se despiertan de forma automática y que siguen patrones que nos fueron creados ya durante nuestra infancia.
Daniel Goleman los define como “urgencias que conllevan acciones” y que existen más allá de la razón y la lógica.
Sopesar es el cálculo que hace nuestro pensamiento, un tanteo, un atento examen de la situación.
El autocontrol requiere comprender desde la capacidad del análisis aceptando los propios impulsos con la voluntad para ganar al dominio de la rabia, la ansiedad y las hostilidades.
Por tanto nuestro pensamiento actúa por medio de la lógica, de impulsos o bien de la intuición y con una implicación de la inteligencia o el instinto (reflejo) o ambas.
En nuestra evolución como especie hemos perdido o disfrazado nuestro instinto de supervivencia ya que en nuestro mundo (salvo en las tribus primitivas que aún subsisten) no necesitamos ejercitarlo dado que vivimos en un ambiente cultural y social protegido, o así debería ocurrir en la teoría y la práctica en la búsqueda de una civilización avanzada desde que somos bebés; sin embargo hay otro componente de este instinto, el reflejo.
La intensidad y presencia de un reflejo es una pauta heredada común a la especie además de una señal importante del funcionamiento y desarrollo neurológico.
Algunos ejemplos sería :
Reflejo de succión: succionar cuando se estimula el área alrededor de la boca.
Reflejo del sobresalto: retraer los brazos y las piernas después de un sonido fuerte.
Reflejo de marcha automática: hacer movimientos de marcha cuando los pies tocan una superficie dura.
Estos reflejos desaparecen a medida que el niño crece.
Los reflejos en los adultos serían:
Parpadeo: parpadean los ojos al contacto o cuando aparece una luz brillante súbitamente.
Tos: se tose cuando se estimulan las vías respiratorias.
Nauseoso: se sienten nauseas cuando se estimulan la garganta o la parte posterior de la boca.
Estornudo: las vías nasales se irritan si se estornuda.
Bostezo: se bosteza cuando el cuerpo necesita oxígeno adicional, cuando se siente miedo, sueño, cansancio.

Volvamos a los instintos en concreto al de conservación éste ha evolucionado porque nuestro entorno se ha trasmutado de una selva natural a una selva de asfalto, pero este instinto que es común además al resto de especies animales es expuesto al peligro cuando auxiliamos a alguien amenazado también de perder los más valioso que se posee, que es la propia vida.
Obviando el propio instinto de conservación actúa entonces el reflejo o impulso que emiten los sentimientos como es el auxilio y la compasión.
¿Es la especie humana la única capaz de salvar o adoptar a otro de sus miembros? No, otras especies animales demuestran estas mismas emociones como puede comprobarse en el siguiente enlace:http://youtu.be/6IbcDNfYITo
El instinto de reproducción aunque nos es común con el resto del reino animal incluyendo el mundo vegetal lo hemos desarrollado logrando ponerlo en práctica no como una única necesidad de perpetuarnos a nosotros mismos o perpetuar la naturaleza; el fin del sexo es además el placer como una dimensión más del deseo junto o no con el amor, la única especie que comparte esta característica que se halla comprobado hasta ahora son otros mamíferos, los delfines.

Sigmund Freud en su obra “Tres ensayos para una teoría sexual” diferencia pulsiones: ( la pulsión de Thanatos o muerte, la pulsion de Eros vida y amor, la del saber etc) del instinto. La pulsión se manifiesta como una necesidad somática perentoria que escapan e incluso contradicen el instinto.
El instinto contiene un designio que el impulso provocado por la tensión corporal excitada se descarga al momento ante ciertos objetos, la pulsión sin embargo nunca queda satisfecha completamente aunque se repita, aún hoy estas conceptualizaciones freudianas están expuestas a debate.

El ser humano cuenta con además con otro factor que desarrolla la inteligencia de forma inconsciente que es la intuición que emite una serie de mensajes interiores, señales instantáneas que hay que saber interpretar convenientemente para que funcione de forma reanudada no únicamente impulsiva a fin de que funda con la inspiración o expectativas personales.
Utiliza distintos vehículos para manifestarse e incluso varios al mismo tiempo: el mental, el físico, el emocional y el espiritual lo hace mediante sentimientos, palabras, sensaciones viscerales imágenes; las cuales a menudo no sabemos interpretar.
Compleja ¿verdad? La intuición es genética y extragenética, una conexión interior y la vez se manifiesta fuera de nosotros mismos como una epifanía, una revelación.
La intuición parece elegirnos a nosotros más que nosotros a ella y ese es su gran aliciente. La intuición revela capacidad empática con una sinergia entre lo innato y la honradez emocional que debemos cultivar y descubrir sin caer en infalibilidades ni en confusiones originados por supersticiones o miedos personales y trasmitidos, así como tampoco equivocadamente con la adivinación, la creatividad, la inspiración o el instinto aunque por supuesto sí se fusionen con ella.

Georgiades Ivanovitch Gurdjeff, profesor y místico Armenio sostenía que los seres humanos son mecanismos fascinantes que se mueven entre el estímulo-respuesta alimentados por impresiones que excretan conductas.
Argumentó que poseemos tres cerebros (el motriz, el emocional y el intelectual) cada uno de ellos muestra una predisposición vital a órganos como el vientre, el corazón o la cabeza y cada persona está dominada por uno de los tres.
El propósito de Gurdjeff era que el individuo pudiera constatar su potencial y hacer uso en armonía
de ellos al mismo tiempo. Posteriormente después los neurólogos le dieron la razón e investigaron llegando a la conclusión de que la parte más arcaica de nuestro cerebro es el cerebelo y que éste contiene cinco repuestas mecánicas e instintivas: Lucha, huida, bloqueo, alimentación y reproducción.
La conexión entre los tres no siempre es infalible ya que con frecuencia se interrumpe o se pierde causando una escisión que nos induce a actuar con único aspecto o físico o psíquico o emocional que pueden identificarse con personajes de Shakespeare: Falstaf el instinto del cuerpo, Otelo el amante emocional y Hamlet con su división de un hombre mental.

El cerebro humano es la comunión de dos mentes independientes; dos hemisferios: el derecho y el izquierdo. Cada uno de ellos contiene cualidades distintas.
Izquierdo: verbal, lógico y analítico, racional e intelectual. Analiza patrones complejos sin embargo los árboles no le dejan ver el bosque, no obstante ha contribuido en gran medida a la expansión y supervivencia de nuestra especie.
Derecho: visual y espacial, analógico, holístico, intuitivo, sensual, suele controlar los procesos de tristeza y desesperación y “ve”las cosas en su conjunto sin reparar en los detalles ínfimos y complicados.

Inteligencia... para cuantificarla se emplean varios test estandarizados que someten a prueba a algunas de las inteligencias que forman parte del potencial intelectual que poseemos a pesar de que los realicen psicólogos reputados la fiabilidad de estos mismos no determina ni puede medir la inteligencia al menos todo tipos de inteligencias, personalmente creo y no aseguro que es imposible determinar la capacidad real de la potencia de la mente.
Ni creo que estos resultados sean concluyentes y definitivos sobre el futuro del sujeto sometido al test, ni objetivos y lapidarios sobre el potencial presente pese a que puedan revelar un alto o bajo índice de CI.
La inteligencia emocional es desdeñada y postergada al enfrentarla contra el brillo de la razón del coeficiente intelectual más factible de evaluar, definir y medir.
Blaise Pascual apunta: Cuanto mayor es la inteligencia de una persona, mayor es la originalidad que encuentra en los demás. Las personas ordinarias no diferencia entre los hombres.
Los test tradicionales destinados al cálculo de coeficiente intelectual emplean una tríada formada por la lectura, la escritura y la aritmética aunque la interpretación y la medición de la inteligencia ha experimentado recientemente considerables cambios por el psicólogo Howard Gadner que sostiene que todos poseemos siete tipos diferentes de inteligencia: espacial, musical, lógica-matemática, lingüística, corporal-cinestésica, interpersonal e intrapersonal.

Apuntaré brevemente alguna de sus características:

-Espacial: Esta forma de inteligencia es la capacidad para pensar mediante imágenes e ilustraciones. Es probable que desde pequeño estuviera dotado para el dibujo con una marcada preferencia por los laberintos, la orientación mediante mapas, los rompecabezas. Cuando sueña despierto o piensa en algo es capaz expresar el objeto con toda precisión dibujándolos, con vídeos o fotografías, esculturas. Le resulta mas fácil aprender mediante el diseño y la confección.

-Musical: Este tipo de inteligencia es especialmente sensible a los sonidos del entorno desde la corriente del agua al canto de un pájaro. Distingue las notas musicales y sería capaz de repetirlas si se le pidiera que lo hiciera, les gusta estudiar con música de fondeo y les resulta más fácil aprender con sonidos y ritmos no verbales.

-Lógica-matemática: Esta inteligencia da forma al don del pensamiento abstracto. Le atraen los puzzles, los juegos de química, resolver problemas numéricos, la informática, los juegos de damas o el ajedrez. Aprende con más facilidad mediante juegos de estrategia.

-Lingüística: Disfruta siempre jugando con las palabras suelen ser lectores compulsivos y les gusta explicar o inventar historias, es excelente recordando frases, versos o poemas así como fechas, nombres y lugares. Destacan en actividades como verbalizar, los debates y escuchar. Son además muy diestros con los puzzles aprenden verbalizando y jugando con las palabras.

-Corporal-cinéstesica: Se expresa mediante las sensaciones corporales permanecer sentados es una tortura para ellos, confían más en su intuición que en un pensamiento lógico.
Su coordinación motriz es buena destacando en los deportes, la mímica, necesita el contacto físico para comunicarse, está en constante movimiento siguiendo con los pies y las manos un ritmo imaginario y le resulta más fácil aprender mediante el.

-Interpersonal: Este tipo de inteligencia se asocia a la relación con los demás. Suelen ser populares y tener muchos amigos. Líderes natos desde niños con una habilidad asombrosa para manipular y organizar. Tienen una gran intuición para captar los sentimientos ajenos, son mediadores excelentes con una capacidad empática, es un apreciado consejero por lo que muchos de sus amigos le considerarán imprescindible. Le resulta más fácil aprender mediante proyectos colectivos o actividades de grupo.

-Intrapersonal: Es la inteligencia íntima que no necesita de interacción con los demás para satisfacer sus objetivos a la que le suelen reprochar que vive en su mundo con fuerte sentido de la independencia que valora por encima de todo. Sus habilidades intuitivas a veces rozan lo psíquico o visionario. De opiniones firmes sobre todo en temas controvertido y polémicos que para defenderlas recurre a su sabiduría experimental y a su integridad. Curioso no duda en preguntar para aprender. Suele ser muy particular en su forma de vestir y en su conducta, es un excéntrico. Suele aprender y avanzar por el camino que él elija y a su ritmo empírico en lugar de limitarse a creer en las palabras ajenas.

Y por último contamos con la imaginación que se caracteriza por la capacidad de crear mundos oníricos, fantásticos e íntimos donde generalmente el sujeto es su protagonista sin límites y restricciones cuyo impulso es la libertad que consiste en la representación de objetos, situaciones, afectos, cosas, etc, en ausencia de éstas mismas con una representación actualizando el pasado, abarcando el futuro anticipándolo con utopía o pesimismo del estrecho presente.

La inteligencia se sirve además de cometer errores y sobreponerlos en base al empirismo de haberlos cometido y enmendarlos, se sirve de perseverar en un aprendizaje que va desde el cómo soy al cómo son los demás y al cómo son las cosas, se sirve de pasión.

Las cuatro caras del humor

2011-10-24T15:29:00.000-07:00

Dime de que te ríes y te diré quien eres.
Los investigadores se han aventurado a estudiar la naturaleza del humor y han llegado a la conclusión que nuestra disposición o disposiciones por determinado tipo o tipos de humor revelan nuestra conducta general.
La clasificación se establece en cuatro categorías de humor: absurdo, satírico, agresivo y sexual.
El humor absurdo tiene como base la incongruencia, exento de componentes agresivos o sexuales las personas introvertidas son más receptivas a el así como al humor satírico e incluso pueden sentirse agredidas cuando se ridiculiza a personas o instituciones.
La tendencia de los extrovertidos puede manifestarse por el contrario más proclive al humor agresivo o sexual y suelen gustar más de los chistes que las personas introvertidas.

1ª viñeta de la derecha arriba, humor agresivo: “ Piensa lo que quieras, pero deberías admirar las decisiones instantáneas de tu jefe”.
2ª viñeta de la izquierda arriba, humor satírico: “ Y algo más... quiero la mitad de la sabiduría.”
3ªviñeta de la derecha abajo, humor sexual: “Ven aquí, Tarzán”.
4ª viñeta de la izquierda abajo, humor absurdo. “Tengo un sueño...”.
El sentido del humor desvela la frivolidad de lo serio y la seriedad de lo frívolo en un término medio.
El frívolo se desvela como insípido y molesto riéndose de todo sin preocuparse de si molesta o hiere a otras personas por el contrario el serio nunca tiene nada gracioso que decir y confirma que nadie ni nada deben ser objeto de burla y le resulta molesto que otros puedan burlarse de él.
El carácter se determina por la broma que ofende, dictaminó Lichtemberg.
La ausencia de humor es la carencia de la humildad sin embargo caeríamos en una falacia si creyéramos que sólo las buenas personas son poseedoras del sentido del humor, un mal sujeto puede tener un humor refinado y una buena persona estar exento de el.
El humor es una herramienta crítica colosal que diferencia lo que es reírse de y reírse con incluso en temas escabrosos como por ejemplo el holocausto.

Chaplin debido su película: El gran dictador, aducía que como condición el humor estaría en esa disponibilidad decantándose a favor del débil contra el fuerte.
La delgada línea del sentido del humor se cruza cuando intervine además la ironía ya que ésta puede mostrarse sarcástica, despiadada, humillante e hiriente incluso ejercida por un esteta que no repara en códigos éticos con tal de hacer reír y un ejemplo serían los epigramas de Óscar Wilde, una perversidad inteligente.
Pero si la ironía es utilizada con trazos de resistencia es un catalizador que libera.
La primera máxima del sentido del humor es reírse de uno mismo pues con ello se toma la suficiente distancia para autoaceptarnos tal como somos imperfectos y falibles, no importando que otros se rían de ti, porque ya antes los hemos hecho nosotros.
El gran antídoto contra el miedo es reírse del mismo le desproviste de amenazas o al menos las aligera.
Reir mejora nuestra salud y nuestro rendimiento aumenta nuestra imaginación, nuestra alegría, aprendizaje y esperanza.
La risa es el ruido y la sonrisa es el gesto facial y ambas son espontáneas, alegres, divertidas al punto que contagiosas y ambas por el contrario se manifiestan a su vez con cinismo o tristeza, desengaño o escepticismo.
Antes de hablar un bebé ríe y sonríe, bien de motu propio bien porque es estimulado por su madre mediante las cosquillas.
Siendo ya adultos nuestra tendencia a la risa disminuye y no solemos reír en soledad.
Las dos son universales y no necesitan traducción incluso cuando manifiesta como sardónica, la risa es trasgresora, cercana, familiar.
La probabilidad de hacer reír con éxito es menor que la de hacer llorar pese a que a la risa se le adjudique un carácter veleidoso e insustancial sin embargo si realizásemos una estadística mundial la tristeza ganaría por goleada a la alegría.

Ya probablemente se encuentren y tengamos más motivos para llorar que para reír no únicamente por los que nos sucede personalmente sino por lo que sucede alrededor y aún lejos de nuestro entorno. Preocupante ¿no?
La reconsideración que se hace del arte es más valiosa, más intensa , si se componen de drama que de comedia.
El bufón aún hoy no saldado su estigma de inconsistencia.
Se puede llorar de risa, se comienza reír y se acaba llorando de tristeza liberando la una a la otra y al contrario por tanto son un contraste que se complementa.
Las drogas exageran ambas.
La filosofía y otras ramas de la ciencia ha estudiado la risa continua estudiándola ya que son una manifestación atávica inherente al hombre, a los primates e incluso a otras especies como los perros.
La risa es evolutiva.

El humor contiene una demostración de grandeza, la distancia que más acorta a dos personas es la risa.
Reír afirma la vida; reír es soñar así que reafirmémonos y aún sin motivos aparentes seamos risueños.
“Porque la risa es sol que ahuyenta el invierno del rostro humano” decía Víctor Hugo y con su permiso añado también del corazón :-)

Noche Tótem

2011-09-19T08:25:00.000-07:00

‎
"Es extraño que los hombres blancos se quejen por que nosotros matamos a los bisontes. Lo hacemos para comer y vestirnos. Para mantener nuestros hogares calientes.

Vuestros hijos matan por placer. Nos llamáis salvajes...

¿ Y ellos que son....?"
Toro Sentado -Jefe Sioux Hunkpapa.

Los indios del noroeste del Pacífico americano constituyeron una cultura tribal sin demasiada complejidad. Uno de sus símbolos artísticos y místicos son los postes totémicos.
Estas monumentales balizas hacen gala de un expresionismo y un colorismo cuya originalidad combina y a la vez disocia elementos de un modo cuasi orgánico.
Este escultismo se ha visto renovado por siglos de europeización sin que por ellos se halla mermado valor a su manifestación como pueblo y como arte.
El totemnismo se constituye en una tradición antiquísima que se relaciona con el respeto que los indios americanos trataban a numerosos animales y especies vegetales por sus características o cualidades especiales relacionándolas no como meramente en un hecho religioso ni de adoración a los animales,
su creencia era que los miembros de ese clan se impregnaban de las cualidades que su tótem representaban.
Los Tótem se dividian en tres grupos:
1) Tótem de tribu (clan-tótem)siendo común a toda la tribu y pasando de generación en generación.
2) Tótem sexual, pertenece exclusivamente a un género, femenino o masculino siendo común los miembros hombres y mujeres a el.
3) Tótem individual, propiedad de un sólo individuo.

Los indios no comprendían que un hombre pudiera poseer la tierra ni ser el dueño del cielo ni del frescor del aire o del brillo del agua.

Noche Tótem
Son los trasfondos otros de la in extremis médium
que es la noche al entreabrir los huesos
...las mitoformas otras
aliardidas presencias semimorfas
sotopausas sosoplos
de la enllagada líbido posesa
que es la noche sin vendas
son las grislumbres otras tras esmeriles párpados videntes
los atónitos yesos de lo inmóvil ante el refluido herido interrogante
que es la noche ya lívida
son las cribadas voces
las suburbanas sangres de la ausencia de remansos omóplatos
las agrinsomnes dragas hambrientas del ahora con su limo de nada
los idos pasos otros de la incorpórea ubicua también otra escarbando lo incierto
que puede ser la muerte con su demente célibe muleta
y es la noche
y desierta.
Oliverio Girondo.

La armonía del titanio

2011-09-05T06:49:00.000-07:00

El arquitecto Frank Ghery diseñó el museo Guggenheim de Bilbao, es uno de los cinco museos del mismo nombre que fueron patrocinados por el mecenazgo de la familia Guggenheim.
La arquitectura trabaja más que ninguna otra arte con el concepto del espacio, le es necesario unos límites físicos y concretos creando un volumen que ocupa un espacio, un recorrido que implica un vacío con una dimensión temporal en el interior del edificio.
En la pintura percibimos una realidad bidimensional al utilizar el pintor alto y ancho, la tercera dimensión ( la profundidad) se produce por el efecto de la valoración en la luz y las sombras.
En la escultura nuestra percepción es tridimensional.
Con la arquitectura se verá introducido una nueva circunstancia: nosotros.
Nos podemos limitar a contemplar el interior sin movernos del sitio, tendremos entonces una apreciación bidimensional o como máximo tridimensional pero al recorrer su interior al asomarnos por las ventanas e introducirnos por las puertas subir o bajar las escaleras generamos la cuarta dimensión; el tiempo que al recorrerlo nos da los múltiples puntos de vista del espacio y del edificio tanto en el interior como en el exterior.

A menudo en un museo los visitantes ignoran de forman manifiesta o por omisión de un protocolo básico. Unas normas de conducta como son: no tocar las piezas expuestas con la excepción de que esté permitido.
Lo correcto sería echar los brazos hacia atrás al aproximarnos a una obra para apreciar sus detalles o leer la cartela que suele acompañarla con su título y dimensiones concretas sin rebasar el límite que suele estar marcado en el suelo.
No hacer fotos ( en algunos está permitido siendo una cuestión mercantilista su prohibición)) sobre todo con flash ya que en el caso de la pintura la constante exposición a estos la dañaría. También es importante el volumen de nuestras voces ya que un tono demasiado elevado podría molestar a otros visitantes.
Los niños deben permanecer al lado de los adultos que los acompañan y entender que un museo es un espacio para disfrutar y aprender pero sobre todo a comportarnos respetando el mismo y considerando a los demás.

Frank Ghery sostiene que la arquitectura es un arte como la escultura pero transitable donde hallar la armonía con el entorno y su funcionalidad como edificio.

Su arquitectura impactante resuelta con volúmenes geométricos simples parecen desafiar la gravedad empleando en las fachadas el uso del metal, el cristal, el ladrilllo.
Las formas cúbicas del museo de Bilbao se muestran recubiertas de placas metálicas siendo el único de sus edificios con esta cobertura de Titanio y este material le da un doble significado por una parte recuerda la anterior industralización de la ciudad y por otra parte la lanza al futuro.
La luz juega con esta piel de metal pudiendo incendiarla, iridisarla o dorarla dependiendo de ello algo tan inestable como es la metereología.
En la noche precisa de una iluminación especial ya que se tornaría completamente negra e invisible.
El interior ondulado, cristalino y diáfano donde nuestros sentidos lo advierten ascendiendo descendiendo tanto si nos situamos desde el espacio Zero o en la última planta o si observamos el paisaje desde la altura dentro del museo por los amplísimos ventanales o la terraza.
Las esculturas transitables de Ghery absentas de despejar indiferencias, en absoluto pasan desapercibidas desde aquel pajar que fue su primer trabajo hasta sus edificios vanguardistas más reconocidos.
Sidney Pollack realizó en 2005 un documental: Apuntes de Frank Ghery, planteándolo como diálogo íntimo, el de dos viejos amigos.http://youtu.be/Vu9orvtStdY
Visita virtual del museo:
http://www.guggenheim-bilbao.es/visita_virtual/visita_virtual.php?idioma=es:

La importancia de llamarse Wilde

2011-08-28T14:32:00.000-07:00

Final del Capítulo XX del Retrato de Dorian Grey por Oscar Wilde.

Transcurrido un cuarto de hora aproximadamente, el ayuda de cámara tomó consigo al cochero y a uno de los lacayos y subió en silencio las escaleras.

Los golpes en la puerta no obtuvieron contestación.
Y todo siguió en silencio cuando llamaron a su amo de viva voz.
Finalmente, después de tratar en vano de forzar la puerta, salieron al tejado y descendieron hasta el balcón.
Una vez allí entraron sin dificultad: los pestillos eran muy antiguos.

En el interior encontraron, colgado de la pared, un espléndido retrato de su señor tal como lo habían visto por última vez, en todo el esplendor de su juventud y singular belleza.
En el suelo, vestido de etiqueta, y con un cuchillo clavado
en el corazón, hallaron el cadáver de un hombre mayor,
muy consumido, lleno de arrugas y con un rostro repugnante.
Sólo lo reconocieron cuando examinaron las sortijas que llevaba en los dedos.

Ivan Le Lorraine Albrigtht fue un pintor que durante la Primera Guerra Mundial trabajó en Francia como dibujante médico, más tarde desarrolló un estilo con una morbosa obsesión por la muerte y la podredumbre sugiriendo la percepción en la impresión nostálgica y patética de una belleza que se marchita.

En 1945 pintó este cuadro para la película de Albert Lewin:
El retrato de Dorian Grey. Su hermano gemelo Malvin Marr Albright fue quien realizó el retrato del joven e inquietantemente apuesto Dorian para la misma película.

La película fue filmada en blanco negro a excepción del retrato de Albrigth en la última secuencia del final.

Son recurrentes en el film de Lewin las alusiones a poemas del Ruibayat de Omar Khayyam. Levin sólo realizó 6 películas a lo largo de su carrera, películas refinadas y exquisitas, extrañas, arriesgadas y líricas.
Lewin fue un cineasta literario y pictórico con la necesidad de un retorno a los antiguos mitos, de hecho Dorian manifiesta su deseo de eternidad juvenil delante de la diosa egipcia Bastet al contemplar su fabuloso retrato, un pequeño ídolo dorado que además aparece en el cuadro.

Ese deseo imperecedero de preservar la juventud y la belleza continua impreso en la cultura humana actual, se acrecienta convertido en un negocio que mueve miles de millones concentrados en clínicas estéticas en cremas regeneradoras.
La celebritys y las que no lo son, no dudan en utilizar desde oro, caviar, veneno de serpientes, excrementos de pájaros, sanguijuelas, placentas animales o humanas... tibia deja la leche de burra u onagra de Popea.

En el 2009 Oliver Parker dirigió un remake de la obra de Wilde.

Wilde diseccionó críticamente una sociedad victoriana mediante una personaje hedonista y narcisista que le rendía culto a la eterna juventud siendo pervertido por un cínico, decante, un esteta divertido y aristócrata. Retomó en su obra el Narciso de Ovidio y el Fausto de Goethe. Fue su única novela, cuando se editó por primera vez la crítica la calificó de nauseabunda, pestilente.

El dandy y diletante irlandés Oscar Wilde despertaba todo tipo de pasiones y aversiones, sus poses neo renacentistas eran pasto sardónico de los dibujantes del Punch o resultando aclamado por los mineros o abucheado por la clase social alta en su viaje a Estados Unidos.

Wilde acusó de difamación al marqués de Queensberry (inventor de las reglas del boxeo) por una nota que le dejó en el club del escritor. Una nota acusándole de sodomía, lo cual se consideraba delito en la Inglaterra Victoriana. Wilde hubiera echado borrón y tinta nueva sobre el asunto pero el hijo del marqués Alfred Douglas (Bosie) amante de Oscar exhortó a Wilde a que le interpusiera un pleito a su padre por difamación.

Oscar Wilde y Alfred Douglas

Con el resultado que el difamado fue acusado en varios juicios posteriores y su novela utilizada contra él leyéndose pasajes de los diálogos ambiguos de los personajes aunque Wilde intentó defenderse con inteligencia e ironía manifestando que no se puede juzgar a un hombre por lo que escribe, se quedó solo, le dejaron solo y fue condenado.

Los hijos de Wilde renunciaron y cambiaron su apellido después del juicio.

Tras cumplir la condena el escritor se autoexilió en Francia donde falleció al poco tiempo arruinado física y espiritualmente. La ley que llevó a Wilde a la cárcel fue derogada en 1967, una ley que fue promulgada por el rey Enrique VIII.

Su juicio con la acusación defendida por el abogado llamado Edward Carson fue el anticipo de otros llevado a cabo por los nazis y los comités literarios comunistas sobre lo que ellos llamaban “arte degenerado”.

Wilde consiguió derivar el enjuiciamiento sobre la literatura amoral cuyas consecuencias conocía por otro anterior y célebre caso.

Las acusaciones que años antes llevaron al banquillo a Gustave Flaubert por Madame Bovary o las que obligaron a Baudelaire excluir poemas de Las flores del mal.

Ya en el siglo XXI su nieto y biógrafo Merlin Holland recupera las actas del juicio con su obra: el Marqués y el sodomita, no admite ninguna duda en que la actualidad su abuelo ganaría el juicio.

(Yo no estoy tan segura... )

El interrogatorio estuvo salpicado, plagado de preguntas sórdidas, tales: ¿cómo si había besado alguna vez al criado de Bosie?

Wilde contestó : -"Oh, de ninguna manera, era un muchacho muy poco agraciado”-.

Estas respuestas respondidas con sarcasmo fueron aprovechadas por el hábil abogado, por supuesto todas no fueron así pues Wilde intentó con un canto de cisne rebelarse contra una sociedad castrada, un deseo de inmolarse con un fracaso a lo grande.

"Quien dice la verdad, tarde o temprano será descubierto", Carson le recordó su famoso aforismo. -"¿Cree que es un buen axioma educativo para los jóvenes?"-.

Wilde responde: -"Cualquier cosa que induzca a pensar a cualquier persona de cualquier edad, es buena para ella"-

Castigado, “apuñalado” por pensar y por escribir lo que pensaba, lo que imaginaba, lo que criticaba, por amar por desear a personas de su mismo sexo y por alardear de ello, por sus habilidades, por su talento y excesos, por pintar el autorretrato de Oscar Wilde.

El prendimiento del 19

2011-08-19T09:38:00.000-07:00

Efemérides:
Hoy 19 de Agosto hace 75 años que asesinaron a Lorca. De Miguel Hernández cuentan que se alistó al bando republicano cuando le mataron. Se ha especulado e investigado su crimen sin conseguir encontrar su cuerpo, la trama de su homicidio es una herida abierta causada por el fascismo, el caciquismo, las rencillas ancestrales y la homofobia.
Ese día fueron asesinados con él, los banderilleros Francisco Baladí, Joaquín Arcollas y el maestro de escuela Dióscono Galindo.
En el año 36 masacraron su vida y con él todo lo que no vivió, toda la poesía, el teatro, los dibujos, la música que no creó y todo lo que ni imaginamos que pudiera hacer.
Con él desgarraron la granada de su talento luminoso, con él quisieron matar a toda y lo más sobresaliente de España.
Uno de sus asesinos manifestó: Que había hecho más daño con su pluma que otros con sus pistolas.
Su legado se ha propagado y continuará haciéndolo por todas las lenguas universales a lo largo de los años imperecedero y delicado como una pluma.
Pocos días antes de su muerte dijo algo que sentía en una última entrevista en el diario Sol de Madrid:
Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista, abstracta, por el sólo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula, pero antes que esto soy hombre del mundo y hermano de todos. Desde luego no creo en la frontera política.

Si me pregunto en que patria creo me contesto respiro en la patria de Federico García Lorca.

Foto: Partituras compuestas por el poeta.

La huella de Edgar

2011-08-07T20:43:00.000-07:00

Poco tengo que decir de mi patria ni de mi familia.

A ambas me hicieron extraños malos procedimientos y la acumulación de los años.

Tuve el beneficio de una educación poco corriente, gracias a mi patrimonio, y la condición contemplativa de mi espíritu....

Son estas las primeras líneas del cuento de Edgar Allan Poe, Manuscrito en una botella.

Edgar Allan Poe escritor, poeta y periodista americano cuya trascendencia abarcó tras una niebla oscura e inspiradora a la literatura simbolista de los poetas Paul Verlaine, Arthur Rimbaud o el mismísimo Charles Baudelaire que tradujo su obra al francés. El poeta Stéphane Mallarme lo consideraba el dios de su siglo y su influencia que determinó el simbolismo alcanzó al surrealismo. Sería interminable la lista de escritores que confirman su deuda con el romántico y gótico Poe.
Este tipo de relato que toma este adjetivo de los lugares y edificios con arquitectura gótica (castillos y abadías) donde se desarrollaban la acción de sus cuentos de terror, de misterio de ciencia ficción, de los que fue inventor y maestro.

Su propia biografía se declama como uno de los personajes de sus relatos porque Poe era el atormentado, autodestructivo e irracional protagonista de las circunstancias que le tocaron vivir.

Su repercusión alcanza la música, el cine, el cómic y las artes plásticas e incluso la actual tribu urbana de los góticos. La filosofía cayó bajo su influjo, sus ensayos inspiraron al excéntrico Friedrich Nietzsche.

La literatura victoriana confirmó su deuda plena con personajes como Dorian Grey, el doctor Jekyll y mister Hyde, Sherlok Holmes etc, etc.

Transformado en el raro para un ensayo de Rubén Darío.
El excéntrico que aquejado de tuberculosis y alcoholismo viajó cuando ya estaba muerto sin embargo más vivo que nunca por todo el globo en otro siglo ya inspirando poemas, cuentos y ensayos como los que le dedicaron Jorge Luis Borges que consideraba a la literatura inconcebible sin la huella de la tinta negra de Poe y otro poeta Walt Whitman.

Conmemorando en el 2009 el bicentenario de su nacimiento se sucedieron los homenajes celebrando incluso el funeral que no tuvo en Baltimore cuando falleció a los cuarenta años con una parafernalia rocambolesca a la americana vendiendo entradas para el sepelio.

Harry Clarke

Pero 2009 también fue el año en el que las editoriales relanzaron su obra como en el caso de Libros del Zorro Rojo. Esta editorial seleccionó los mejores relatos de Poe con el título de: Los cuentos de imaginación y misterio con un prefacio interesantísimo de Julio Cortázar donde expone la repercusión y la personalidad de Poe acompañado de breves notas en cada uno de sus relatos de como se gestaron y al final del volumen se añaden los comentarios que recibió por parte de la crítica.

A Cortázar se le encargó la traducción de la obra de Poe al castellano, una tarea ingente a la que dedicó más de seis meses, él afirmaba además que su propia vocación e inspiración como escritor de relatos y cuentos cortos se la debía a Poe.

En esta edición del Zorro rojo recupera las ilustraciones que hiciera Harry Clarke, ilustrador anteriormente para los cuentos de Hans Christian Andersen y más tarde en 1916 de los cuentos de Poe.

Clarke un artista irlandés y diseñador de vidrieras reinterpreta con otra clave visual la atmósfera asfixiante que oscila entre la pesadilla lo grotesco y lo macabro de las narraciones de Poe. Unos dibujos románticos, simbolistas con influencia del art noveau y del prerrafaelismo.

Estas veinticuatro ilustraciones en blanco y negro embrujadoras denotan la influencia del otro ilustrador anterior de Poe, Aubrey Beardsley.

Beardsley

Doré

Manet

Reseñables son las de Gustavo Doré o las de Edouard Manet o Luis Scafati

o las del artista argentino Poly Bernatene en color.

Como lectora y admiradora de Poe le adeudo la inmersión adrenalítica en el otro lado, en mi otra dimensión del miedo, del pavor soterrado en el sótano de mi propia melancolía.

El onirismo carnal

2011-07-27T14:35:00.000-07:00

La interpretación de la carne era recogida por el el pintor Lucien Freud,
(falleció el 20 de Julio del 2011) aunque se le denomine como hiperrealista su pintura se acerca más a una analítica crítica expresionista.
Para él la carne es triste y en ella se traducían las emociones y el bagaje del vivir con personajes estáticos y facciones neutras como si sólo a través de la piel se transparentaran las tormentas interiores acompañados en ocasiones por sus propias mascotas en un abandono con una inflexión recurrente en las partes del aparato reproductor. Fue un pintor prolífico, mujeriego y muy cotizado, con una larga trayectoria que comenzó con el surrealismo en la que la materia de sus obras era fina y delgada. Influenciado por su otro amigo pintor Francis Bacon derivó a sus temáticas actuales en que la materia pictórica se transformó en la densidad del empaste o impasto, utilizando gran cantidad de pintura con una cobertura densa. En sus inicios ilustró el libro de poemas de Nicholas Moore, La torre de cristal.
Huyó de los nazis en su niñez y era nieto de una de las mentes más cautivadoras e influyentes del siglo XX, el psiquiatra Sigmun Freud.
La obra más conocida de Sigmun Freud es la interpretación de los sueños. En su teoría aducía que nuestras mentes guardan en el inconsciente recuerdos y emociones, esto transformó el estudio de la mente humana.
Sigmun decía que hubo tres grandes humillaciones a lo largo de la historia: 1º que con el descubrimiento de Galileo no somos el centro del universo. 2º que con el descubrimiento de Darwin no somos la corona de la creación y 3º su propio descubrimiento que no controlamos nuestra propia mente.
Y que a través de los sueños nuestras emociones enterradas afloran a la superficie durante el sueño para ayudarnos a destaparlas en los recuerdos enterrados.
Encuentro una gran similitud entre ambos abuelo y nieto la salida a la superficie del dolor, del trauma, en el onirismo y en la carne...

Love my fan

2011-07-23T15:24:00.000-07:00

Love me tender,
love me sweet,
never let me go.
You have made my life complete,
and I love you so.
Ámame tiernamente canta la primera estrofa de la canción del rey o the king rock and roll Elvis Aaron Presley cuyo retrato utiliza Bose una compañía multinacional de equipos Hi-Fi de audio para lanzar sus productos al mercado. Si lo observamos atentamente la cara del rey esta formada por estos componentes y equipos hi-fi.
Elvis Presley no es más que un pobre diablo, su éxito será pasajero y no pasará de los seis meses. El rock es un ritmo falso compuesto e interpretado por débiles mentales" declaró Frank Sinatra a principios de los años 50 cuando Elvis movía su pelvis sobre el escenario con un ritmo trepidante, la provocación sexual agredía la sociedad timorata de entonces.
Un duro rival para Frank que a pesar de su descalificación envidiosa encubre en realidad el pánico a ser desbancado por una voz, un físico y una música como antes nunca se había visto ni oído.
El rock and roll, es una forma de rebajar al hombre blanco al nivel del negro" escribiría Asa Carter y desde el púlpito el Reverendo Noebel adoctrinaba que el rock es un complot para convertir a los jóvenes en enfermos mentales.
"Antes de Elvis no había nada" insistió John Lennon. Elvis es mi hombre proclamaba Janis Joplin o la confesión de Buddy Holly: “Sin Elvis ninguno de nosotros podría haberlo hecho” o la instalación definitiva en el trono a Elvis por parte Bruce Springsteen: “Hay muchos contendientes, hay muchos pretendientes pero sólo hay un rey”
Estas apreciaciones de colegas que confiesan (porque los famosos son o han sido son fans de alguien) o desestiman la figura del consagrado rey cuyo reinado se instalaba en su casa Graceland. Un lugar en constante peregrinación para los fans de cualquier punto del mundo y son ellos los fans los que instalan o derrocan a los reyes de la música o a cualquier otro rey de las artes.
Etimológicamente la palabra fan es un apócope del término en latín del que derivó fanático.
Un fanático o fanática defiende una creencia u opinión con vehemencia y pasión mostrando violencia con los que no muestran ni profesan sus mismas creencias u opiniones además se aplica a la admiración desmesurada por una figura o cosa.
Por tanto un fan puede profesar el catolicismo, leer a Harry Potter escuchar a Madonna, ver al dios Maradona o a su mesías Messi en un partido de fútbo, votar a Rajoy y cocinar las recetas Arguiñano, etc.
El fenómeno fan es cuestión de gustos siendo muy anterior a los años 50 ya que desde la antigüedad los atletas e incluso la misma naturaleza si nos retrotraemos a las cavernas han tenido sus enfervorizados fans.
El tiempo sustituye los dioses del Olimpo por los dioses de Hollywood y son los fans los que determinan la promoción en la subida o bajada de los montes donde moran los dioses.

25 de septiembre de 1967

Querida Sandra,

Cuando me han pasado esto de la oficina de mi mánager, me he dado cuenta de que era mi primera carta de un fan americano —y es tuya. Me ha gustado tanto que me he sentado inmediatamente a responderte, a pesar de que Ken me está gritando porque necesita un guión. Eso puede esperar (¿?)

Esperaba alguna reacción de los oyentes americanos sobre el disco. Hubo reseñas en Billboard y en Cash Box, pero las escribieron críticos profesionales, que raramente reflejan las opiniones del público. Las críticas fueron muy halagadoras. Parece haberles gustado el single "Love You Till Tuesday". Me han pasado una copia del disco americano e imprimieron la foto un poco amarilla. En realidad no soy tan rubio. La foto de detrás soy más "yo". Espero que te gusten las dos.

Respondiendo a tus preguntas, mi nombre real es David Jones y no tengo que decirte por qué lo he cambiado. «No sacarías un duro con él», me dijo mi manager. Mi cumpleaños es el 8 de enero, y creo que mido 1,75. Hay un club de fans aquí en Inglaterra, pero si me va bien en los Estados Unidos tendré otro allí, supongo. Pero es un poco pronto para pensar en ello.

Espero pasarme un día por América. Mi mánager me cuenta muchas cosas de cuando estuvo allí con otros artistas que lleva. El otro día veía una peli en la tele que se llamaba "No Down Payment". Muy buena, pero un poco deprimente si realmente refleja vuestro modo de vida. Por suerte, después echaron un documental sobre Robert Frost, el poeta americano, rodado principalmente en su casa de Vermont, y eso como que lo dejó en empate. Estoy seguro de que eso se parece más a la verdadera América. La semana pasada hice mi primera película. Sólo un corto de 15 minutos, pero me ha dado algo de experiencia para una de larga duración que empezaré en enero.

Gracias por ser tan amable de escribirme, y por favor, hazlo de nuevo y cuéntame más cosas de ti.

Sinceramente tuyo,

David Bowie

La carta va dirigida a Sandra Dodd, de Nuevo México, que ofreció a Bowie la creación de un grupo de fans en el continente americano.

Actuar como fan parece propio de la adolescencia y en femenino cuando todo se siente con la intensidad y el descubrimiento de la primera vez aunque demuestre más virulencia adolescente el fenómeno fan no conoce ni edad ni sexo aunque sí se desprestigia o se contempla desde una altura condescendiente si quien incurre en la histeria es femenina y plural, los espectáculos fútboleros donde vociferan y hasta lloran los hombres cuando su equipo gana o pierde e incluso violentan destrozando las calles no pueden y no se deben analizar como actos de histeria colectiva y masculina más bien son aunque se reprueben no dejan de manifestar virilidad...
Un fenómeno femenino fan tiene una manifestación más pacífica bifurcada a otro fenómeno la groupie que no se contentan con admirar a su ídolo en la distancia ni siquiera en tener con él una relación esporádica sexual, la groupie viaja con el ídolo en la giras siendo una compañera sentimental además de sexual e incluso puede inspirar canciones o escribirlas como el caso de Michael Jackson el cual reconoció la autoría de la canción Dirty Diana a una groupie que fue un éxito número uno en las listas de ventas.
El fans o la fan sostiene a veces una conducta moderada de distancia insalvable e incluso respetando la vida privada del objeto de su admiración pero en su mayoría el fan quiere saberlo todo de su objeto de deseo incluso coleccionar cualquier objeto que le haya pertenecido entrando incluso en el terreno de lo sórdido o del absurdo pagando cantidades desorbitadas por un traje, una dentadura postiza e incluso el water que utilizó John Lennon.
Y dota a su monstruo admirado de cualidades que jamás han tenido porque este fenómeno incurre en la idealización superlativa del artista, político etc.
Se siente en ocasiones decepcionado cuando la persona a la que admira no responde al requerimiento de un autógrafo o un beso o lo que la improvisación le pida en ese momento cuando tiene la suerte de encontrarse con el o ella fuera de un lugar donde la persona pública no está ejerciendo de eso de personaje público. Entraríamos entonces en el terreno del respeto y hasta donde puede entrometerse un fan y hasta donde por defender esta intimidad puede llegar la persona pública, porque éstos por salvaguardarla han protagonizado en ocasiones situaciones y actos bochornosos.
El fan acérrimo obsesivo es capaz rozar y traspasar el terreno de lo criminal para asegurarse una inmortalidad asociada a su ídolo como en el caso por citar uno de Mark David Chapman el asesino de John Lennon cómo una forma vesánica de superar el fracaso y el anonimato. Chapman se inspiró y reencarnó en un personaje de la novela que leía incluso cuando esperaba a la policía después del fanticidio de Lennon, El guardián entre el centeno.

A los ídolos les cubren la cabeza de oro a los pies se les llena de barro, a veces después de un último concierto sienten como Elvis que están solos acompañándose de barbitúricos, de alcohol, de drogas o de canciones al igual que los fans.
Hay un punto de eclosión en el que la soledad tan distante se acorta, se diluye fundiéndose el sentir de lo expresado y al sentir del que escucha, lee o mira, ni el que expresa ni al que llega lo expresado van encontrarse físicamente en esa dimensión anónima e intrasferible está el secreto del sentir.
Todo lo demás es retórica o fanático devaneo.

El valor del membrillero

2011-07-10T10:38:00.000-07:00

Hace unos días en una subasta de arte una obra de Miquel Barceló desbancó la evaluación hasta ahora del artista españolmás cotizado, Antonio López García.

Sin caer en cifras astronómicas que estiman tal o cual obra me acojo al viejo adagio español del necio confunde valor con precio.
Por tanto me enroco en el valor del arte o de la obra de arte y me olvido de cifras porque las cifras sólo me parecen importantes cuando liberan otro valor, la independencia artística cuando se trabaja sin presión alguna de mercados y público, contratos estanco e incluso hasta de servir al propio estilo o las propias temáticas compositivas.
Antonio López es un pintor que no se ha prodigado en exposiciones. Se ha prodigado tan poco que apenas ha hecho más allá de unas cuantas principalmente porque este recio, enjuto, este hombre menudo de Tomelloso nacido el 6 de Enero de 1936 nunca finaliza del todo una obra pese que trabaje en algunas por más de décadas. Y es cierto las obras se ausentan de un punto y final, unas veces se dejan por fatiga, en otras es un espacio abierto para volver con la mirada distinta en distintos tiempos, no es el mismo hombre el del año pasado, el de hace diez años, el de ahora mismo. El tiempo es un cincel que nos trasforma.
La tónica general para evaluar a un artista es la tasación del precio de la obra y la enfatización acumulativa del curriculum en materia expositiva donde la cuestión primordial la recoge el mercado y las pujas que ausentes están del valor del arte por el arte siendo más bien cuestión de al alza de quien lo firma.
No, el valor de Antonio López se obvia de los balances de ganancias e incluso del número de exposiciones; el valor de este hombre el otrora chico de posguerra que iba para contable, este chaval que un verano su tío (compartió con el sobrino nombre y oficio) descubrió en el niño cualidades para el dibujo y comenzó a prepararle convenciendo a su padre y hermano para que le dejara estudiar bellas artes en Madrid.
El valor es el contenido de su obra y no parte de ella sino toda ella e incluso la que aún no ha realizado.
Parece que se materializara el silencio cuando Antonio López pinta. La soledad de su mirada reflexiva, austera, enigmática y misteriosa definiéndole como un hiperrealista es la de un realista objetivo pues así se declara él mismo.
El realismo en una la fortaleza a la búsqueda de la belleza ausente de los pretendidos lugares donde se halla el concepto de lo bello estandarizado sino mostrándola allí en la ubicación de la ausencia de lo “ bello ” en lo sórdido de un viejo lavabo o en una taza del water o en el cadáver de un conejo como dormido y postrero sobre un plato.
El polvo parece a nuestra vista suspendido en un velo dentro de un rayo de luz como si este fuera aparecer de pronto y volátil se asentara en la reluciente superficie de su aparador impecable porque nuestra mirada se torna cómplice e imagina en un juego en el que ni lo que estamos viendo y lo que imaginamos es real.
Antonio López se recrea en las vistas de Madrid como un pintor moderno de veduttas pero las suyas son sus vistas que se mantienen en una panorámica a veces a ras de tierra a veces desde lo alto en esta ciudad consensuándose a una estrecha relación de amor-odio.
Desde que arribó a Madrid en el 49 y ya más tarde después de su paso por San Fernando a punto estuvo de abandonarlas incluyendo el país porque los comienzos de un pintor son caminos áridos en dificultades. Fueron tan difíciles como es habitual para todos los artistas y para la mayoría será una situación permanente, que a punto estuvo de irse a Sudamérica.
Ser pintor o pintora hablemos de ellas y sobre todo de ellas también es un vocación llena de soledad y olvido con las incertidumbres que atormentan aún cuando se consigue lo que llaman el éxito sobre su propia valía y valor, con la inseguridad permanente, un desequilibrio perpetuo; una cuerda floja donde se tambalea la sensibilidad, la estabilidad emocional y la propia cordura es la grandeza y la miseria del arte.
Existen artistas favorecidos por el escaparate del mercado, por el poder, pero existen artistas que sobreviven en la peores condiciones de las jamás saldrán y otros que mantienen otro trabajo alternativo para que les permita entre otras cosas pintar y aquí recae más que nunca el viejo tópico: de pintar por amor al arte.
El artista Antonio López lo sabe y como la sabe ha impartido cursos de verano a todo tipo de personas de todas las edades, autodidactas, estudiantes de bellas artes o que hallan finalizado sus estudios, hombres y mujeres... ¿Cuánto vale ese tiempo didáctico de Antonio? No tiene precio sino valor el mismo que se reportan unos a otros, el maestro y los alumnos.
Una reflexión en la que probablemente hemos caído es: ¿Cuántos artistas se malogran por falta de oportunidades, de apoyos o porque ni siquiera se descubran y a cuántos malogra también el éxito?.
De esta reflexión incidiremos en otra... ¿Alguien es artista cuándo vende, cuándo tiene éxito?
O alguien es artista cuando siente en lo que pinta y esta honestidad es el valor y lo demás es la apreciación del valor en el que interviene además el concepto del gusto y del genio pero eso también se escapa al mismo creador, aunque la genialidad que parece manifestarse como innata necesita también de preparación y de estudio, de investigación a la que se dedica no solo algunos años sino toda una vida.
Antonio López reside en Madrid el escenario de alguno de sus lienzos porque allí como en toda ciudad colosal, desbordada, polucionada e inhóspita viven sus hijas y su mujer que es también pintora que ignoro si vive a su sombra o tiene sombra propia...
A toda su familia ha plasmado en un instante de eternidad e incluso a sus nietos desde el mismo momento de su nacimiento esculpiendo sus cabezas de bebés y de estas esculturas que se instalan en algunos lugares de la capital; su abuelo el pintor y escultor insiste que el tamaño colosal de éstas adquiere el poder del mito tomándose la referencia de las gigantescas cabezas del arte egipcio o maya.
Antonio vuelve a la puerta del Sol cada año tan sólo unos días de agosto y lo hace con caballete, pinceles y bastidor para captar la luz que únicamente ilumina de esa forma en esos días. Trabaja en medio de una gran expectación de curiosos sin ninguna valla protectora, la cual fue ofrecida por las autoridades; él sin embargo desechó este ofrecimiento porque le gusta que la gente se aproxime le observe y departir charla con cualquiera que venciendo la timidez o la distancia se acerque.
Antonio es próximo, asequible, accesible y sencillo, marcará en el suelo de la acera con tiza blanca la exacta posición de su pies y con compás y regla trazará la exacta perspectiva de la calle. Enamorado de las horas de la luz, de ciertas horas de luz, su testimonio y liturgia creativa quedó palpable en la película inclasificable del así mismo inclasificable Víctor Erice: “El sol del membrillo”.
La excusa argumental es la luminosidad en el jardín de su taller en Madrid para atrapar el sol en un membrillo.
(Incido en la palabra taller debido a que el sinónimo de estudio se me asemeja antónimo, porque el pintor trabaja en un taller donde se viste con un mandil, con viejas zapatillas. El oficio mancha ensucia de aguarrás, de linaza, de carboncillo y de empastes de colores al óleo y es en ese su taller además donde fabrica él mismo sus propios lienzos con tela y listones madera con cuñas para que la tela respire y se tense).
Para esta captura del ecuador del astro por un menbrillero se transmuta en una araña que rodea al árbol con hilos y plomada mientras canta a duo, recuerda años de aprendizaje un día cualquiera en el que uno de sus amigos pintor le visita : Cariño, cariño mío...
El patrimonio nacional le encargó en los años 90 el retrato de la familia real española, un encargo que suscita una gran expectación y podremos percibir lo que para un artista representa tal encargo la equiparación con Velázquez y Goya ya que ambos artistas recibieron la misma petición y se consagraron además por haberlas realizado. El juicio de valor que me provoca este encargo es que el patrimonio nacional no ejerce ni de patrimonio ni de nacional ya que no ha superado a una renovación donde plasmar para la posterioridad algo distinto de la continuidad dinástica. Antonio López aceptó el encargo ignoró la razón por la cual accedió a cumplirlo bien sea por vanidad o por confesión monárquica o por otra que se me escapa.
El museo Thyssen de Madrid exhibe hasta septiembre una retrospectiva de este artista calificado como un genio vivo, polifacético, repetitivo y experimental, una oportunidad única para verlas puesto que sus obras apenas están expuestas en museos.

Hay algo que no ha desatendido el maestro ha sido el amor y la practica por el dibujo en uno de sus libros donde recopilan sus dibujos establece que: “La diferencia entre el dibujo y la pintura se percibe de inmediato: la pintura te da todos los datos, y el dibujo no; una te aproxima al motivo, gracias fundamentalmente al color, pero el otro, en su límite, te lleva hacia un territorio más psicológico. En cierta medida, nos ocurre algo parecido con el cine: cuando vemos una película en blanco y negro, tenemos una sensación de irrealidad, de sueño”
Comillas para Antonio López que nos indican pausas obligatorias, delimitados en los espacios de sus obras para emplearnos en la precisa contemplación de sus pausas puesta en el lugar preciso dejando decir aquello que su autor dice sin normas establecidas valoradas a una arquitectura poética y narrativa del color, del blanco y negro, del bulto redondo de sus esculturas para no cumplir con las normas de nuestra vista adiestrada por los valores de nadie ni siquiera por los de nosotros mismos.

Vídeo de las obras de Antonio López. http://youtu.be/cZVn549F5qo

A efectos de Pigmalión

2011-07-03T07:48:00.000-07:00

“Trata a un ser humano como es, y seguirá siendo como es. Trátalo como puede llegar a ser, y se convertirá en lo que puede llegar a ser.” Blaise Pascal.

Cuenta Ovidio en las Metamorfosis poéticas la historia un hombre, rey de Chipre llamado Pigmalión era a su vez sacerdote y un escultor extraordinario.

Con esta última faceta suya es donde da comienzo la leyenda de este artista sacerdote y rey que en vano había buscado una esposa que alcanzara su nivel de perfección, porque Pigmalión estaba enamorado de la diosa Afrodita y quería modelar en marfil el ideal de su amor poniéndole tal empeño, inspiración y sentimiento como si sus manos guiadas estuvieran por un mágico poder. Consiguió escupirla y enamorándose perdidamente de su propia obra le dio el nombre de Galatea.

Descansó de su trabajo y dormido soñó con la estatua que al tocar a su tacto se tornaba cálida y sus venas parecían palpitar.

Entre el pasmo y alegría volvía explorarla una y otra vez para cerciorarse del aliento de la vida de Galatea.

Pigmalión se despertó y en lugar de la estatua estaba la diosa Afrodita que le dijo:

«Mereces la felicidad, una felicidad que tú mismo has plasmado. Aquí tienes a la reina que has buscado. Ámala y defiéndela del mal».

Este es el mito de Pigmalión el rendido artista enamorado de su propia creación y este mito tiene otras ramificaciones en otra leyenda sumeria la de Gilgamesh y su doble luminoso Enkidu, quien lo soñó como Hacha de Doble Filo a los pies del Árbol de la Vida.

Otro significado del mito de Pigmalión según las antiguas tradiciones nos la traslada el filósofo Platón. Afirmando que el hombre puede y debe volver a convertirse en el Dios que es.

Los dioses han trazado un camino el de la iniciación que despierta y une al hombre a sus luminosas esencias como así practican los monjes budistas de la escuela kargyupa, encerrándose en cuevas algunas veces durante varios años, trazan y esculpen en su imaginación representaciones de los dioses diversas para luego deshacerlas cuando han conseguido que adquieran un mayor realismo y vida para amarlas entonces en el polvo disuelto en la luz y respirar su aire.

Ocurre con los mitos que tienen el poder de la metamorfosis en el tiempo y volvemos a encontrarlo más tarde de otra mano irlandesa la George Bernard Shaw.

En esta ocasión toma sentido en obra cómica el Pigmalión (1913), una comedia divertida e ingeniosa en la que la fonética es el nudo argumental donde tratar el amor y la crítica social de los que no tienen voz en la explotación de un ser humano por parte de otro. La obra fue un éxito fulminante tanto que más tarde ya fue llevada al cine en dos ocasiones. La primera en 1938 por los directores, (uno de ellos además la protagonizó) Leslie Howard, Anthony Asquith titulada: Pygmalion, Pigmalion.

Y la otra en 1964 en el delicioso y ya consagrado musical My Fair Lady dirigido por George Cukor e interpretado entre otros pues el elenco actoral fue magnífico por Audrey Hepburn, Rex Harrison.

Volvemos a encontrarnos con el mito esta vez en el famoso cuento infantil de Pinocho escrito por Carlo Collodi donde Geppetto el carpintero desea un hijo y fabricando una marioneta ésta cobra vida.

Pero el mito evolucionó a un efecto, el efecto Pigmalión y este efecto estudiado por la psicología es bipolar siendo estudiado por los profesores Rosenthal y Jacobson.

El efecto pigmalión positivo y el negativo.

El negativo es aquel que causa que la autoestima de las personas disminuya e incluso desaparezca. Este aspecto negativo del mito y efecto es llevado también a la literatura y al cine como El monstruo de Frankenstein escrita por Mary Shelley en la época victoriana y filmada en 1931 por James Whale e interpretada por el también mítico Boris Karloff aunque ya el expresionismo alemán mitificó a El golem (1920) de Paul Wergener como una de las más grandes obras del cine de terror donde un rabino dota de vida a escultura de barro que se convierte en un monstruo que asola con el pánico y es vencido por la inocencia. Existiendo después diversas versiones como El espíritu de la colmena de Víctor Erice película española de 1989, El coleccionista de Willy Wilder, Blade Runner de Ridley Scott, El pequeño salvaje de François Truffaut y la lista se alargaría aún más.

El efecto pigmalión positivo provoca todo lo contrario una realización en la que la autoestima de los individuos es potenciada por todo un entorno social favorable desde los padres, profesores, en el trabajo, en la pareja este efecto puede actuar tanto negativa como positivamente reafirmándolo y confirmándolo.
Interviene incluso en la economía, si mucha gente está convencida de que la economía con la trasmutación de crisis se hunde indudablemente se hundirá como una profecía autocumplida.
Supone alas o frenos bien o mal intencionados que condiciona nuestras expectativas influyéndonos. Sentirse valorado y estimado es la mejor de las motivaciones en cualquier ámbito.
En cada uno de los individuos pueden revertir ese efecto a si mismo siendo su propio pigmalión sin barreras que determinen lo que podemos o no podemos hacer porque ni nosotros mismos lo conocemos y probablemente no averiguaremos todo nuestro potencial. Repercutirá esa autoconfianza además hacia las personas que nos rodean ejerciéndola como un efecto impulsor y a la vez con una crítica responsable constructiva sin un atisbo demoledor donde porque no olvidarse de cumplir los vaticinios y las expectativas de las personas que nos rodean y rodeamos.
La frustración y el éxito son valores que depende del ojo ajeno, son valores medidos por alcanzar fama, dinero, reconocimiento social permanente por lo que hay que luchar manteniéndola en una meta cada vez más inalcanzable aún a pesar y con la pérdida de nuestra salud, de nuestra felicidad, de nuestra libertad interior y convicciones.
Dios creo al hombre modelándolo con un trozo de barro, Dios hizo las veces de Pigmalión pero somos nosotros los que creamos monstruos u hombres que se asemejan a los dioses.

Fotograma de la película: El espíritu de la colmena

El espíritu del color

2011-06-16T05:06:00.000-07:00

Color deseo y descubro color me siento y me desnudo color. Color sueño y color despierto.
Carmen Naranjo

Los griegos personificaron a la mensajera de los dioses dándole el nombre de Iris que descendía con unas alas multicolores al mundo de los humanos.

Aristóteles estudió el fenómeno de la luz y la sombra dividiéndolos en cuatro colores básicos y nominándoles como cielo, tierra, fuego y agua. Leonardo da Vinci añadió a esta lista el blanco y el negro, el blanco como todo principal y el negro como toda oscuridad.

Llueve, la tierra mojada brilla sale el sol y un arco de colores tiende un puente compuesto de millones de prismas cristalinos que descomponen la luz en 6 colores o siete si añadimos el añil.

A Isacc Newton le gustaba observar los fenómenos naturales, el por qué caen las manzanas o encerrándose a oscuras en una habitación reproducir el arcoíris, para ello practicó un pequeño agujero para dejar pasar un hilo de luz que al traspasar un prisma de cristal de forma triangular consigue descomponer la luz blanca en los colores del espectro.

El físico Young, un tiempo después hizo todo lo contrario que Newton, recompuso la luz en un experimento con linternas, proyectó seis haces de luz con los colores espectrales que al entremezclarse, al superponerse uno encima de otro dieron como resultado el color blanco ya que al añadir un color luz otro color luz y mezclarse forzosamente proporciona un color luz luminoso aún más claro en una síntesis aditiva y descubrió algo más que estos seis colores por eliminación podían ser reducidos a tres colores básicos luz: rojo, verde y azul oscuro.

Los objetos reciben los colores luz primarios pero absorben unos y reflejan otros, es decir una cereza absorbe el verde y el azul y refleja el rojo, aún no se ha conseguido descifrar por qué los cuerpos tiene precisamente ese color y no otro, esto ocurre igualmente bajo la luz artificial.

El daltonismo es el nombre que se ha dado a una deficiencia en la visión en honor de su descubridor el físico John Dalton que la padecía, el daltónico no distingue por ejemplo el rojo del verde y sin embargo puede ver más matices del violeta. Esta deficiencia se produce más entre la población masculina que la femenina. Un daltónico no puede distinguir el número que está insertado el imagen de abajo.

Cada cuerpo, cada objeto tiene un color local, color tonal, color reflejado.

Local: es su propio color ejemplo: una flor es amarilla. Color propio de la luz

Tonal: cuando el local es afectado por los efectos de luz y sombra. La intensidad de la luz.

Reflejado: lo colores reflejados por otros cuerpos próximos. La atmósfera interpuesta.

La cámara Kirlian es un invento de Simon Kirlian y su esposa Valentina, esta cámara por medio del gas permite fotografiar la emisión de los átomos de las moléculas de cualquier objeto y en estas fotografías y en está hipótesis se apoyan los defensores del aura.

El aura (entra dentro ya del terreno del fenómeno paranormal, por tanto sujeto a controversias) es el color predominante de nuestro cuerpo que puede cambiar a lo largo de nuestra vida.

Los chacras son torbellinos de energía que como una vertical van desde la cabeza a lo largo de nuestra espina dorsal hasta el coxis, a cada chacra se le asocia un color así como un mantra; glándula u órgano y planeta que pueden ser estimulados con prácticas psico-corporales como el yoga, la meditación etc.

La cromoterapia es un método para ayudar a la curación natural por medio del color.

Podría tratarse de un método moderno pero ya la helioterapia (terapia por medio de los rayos del sol) era frecuentemente practicada por otras culturas como la China, indú o griega.

Monet investigó sobre los efectos de la luz ya que es cambiate a lo largo del día e influye además si el día está encapotado por las nubes o luce el sol además de las estaciones.

Pero los pintores no tienen colores luz para pintar tienen pigmentos y materia, cuentan con tres colores primarios que son los secundarios de los colores luz: rojo, azul y amarillo que al sumarse los tres y entremezclarlos dan el color negro en una síntesis restrictiva. Y entonces... comenzaremos a preguntarnos si al mezclar estos tres así mismo podemos en mayor o menor cantidad volver a mezclarlos y pintar como hace la luz con una gama infinita de colores. Y es afirmativo con estos tres nos es posible obtener absolutamente todos los colores divididos en secundarios, terciarios y etc.

Ejemplo: la mezcla de amarillo + azul = Verde, si al verde añadimos rojo dará como resultado el marrón o utilizando una nomenclatura pictórica los tierras, si a estos tierras les añadimos amarillo obtendremos los ocres y gamas de lo sienas y así sucesivamente.

Ah pero aún se complica pues si seguimos investigando hallaremos que los colores son complementarios en un círculo cromático (ésto ha sido investigado entre otros por el poeta y científico alemán Johann Wolgang von Goeth). En su teoría sobre el color incluye en los básicos no espectrales al magenta que sustituiría al rojo. Magenta (fucsia) es una palabra italiana que deriva de una batalla ocurrida en la localidad de Magenta en 1859 aludiendo al tono oscuro de la sangre allí derramada. En esta teoría junto con el nuevo color magenta junto con el amarillo y el azul se aplica no sólo a la pintura sino al diseño gráfico, la imprenta, la fotografía y la televisión.

Complementarios son polos opuestos los menos afines en el círculo cromático: el amarillo es complementario del violeta, el azul del naranja y el rojo del verde.
Si a los complementarios añadiéramos blanco nos daría la gama de colores quebrados (grises).
Colores con clima, con temperatura, cálidos, fríos y quebrados. Los grises a excepción de los neutros contendrán una tendencia fría o cálida, incluso los negros o los blancos en apariencia también neutros. Un esquimal puede ver la infinita gama de tonos de blanco en los desiertos de los polos.
Un pintor dará al blanco una tendencia cálida, fría o quebrada donde habrá uno o unos pequeñísimos puntos de luz blancos puros y neutros sin esta tendencia. Los impresionistas y sobre todo los fauvistas pintaban con contrastes complementarios en una exaltación pura del color en un recurso compositivo interponiéndola a la línea, una vibración cromática de fiera.

Para los fauves o fieras los sucesores del impresionismo el color es el centro de interés que tiene un peso específico en la composición, un foco en la atención y no es un mero ornamento en las obras de Derain o Matisse. Contienen en sus obras una distinta percepción del mundo y el color plano, sin perspectiva sin profundidad y sin o escasas variaciones tonales, el color sobre todo en los básicos estarán saturados por tanto al punto álgido de su luminosidad.
Los nabis (profeta ) un poco después de los fauves fue un grupo jóvenes artistas parisinos. Ellos pretendían evocar mediante el lenguaje del color y la composición estados anímicos y mostrar el mundo interior de un artista. Una interacción entre color y sentimiento.
También sucedió algo similar con el simbolista Odile Redon que tras una larga enfermedad y un crisis personal adoptó la técnica del pastel y con ella recobró la alegría de vivir en obras con motivos mitológicos y bodegones con tonos suntuosos y oníricos para transportarnos como él mismo diría:
-Al mundo sugerente de lo indeterminado-.
Para el pintor romántico Turner la mancha (el color) cobró sentido total sin vestigio alguno de líneas antecediéndose no sólo al impresionismo sino a la abstracción.

Y llegó la abstracción y con ella el escándalo.

Wasily Kandinsky es el padre de la pintura abstracta aunque ya hubiera habido otros conatos y exploradores en ella como los del otro padre de la pintura moderna Paul Cezanne. En realidad fue un obra de Monet en concreto el montón de heno la que le deslumbró a una exploración no sólo práctica del arte sino teórica. Teorías y prácticas para destruir toda ilusión de profundidad erradicando la referencia espacial en la creencia que hay una verdad oculta tras la apariencia.

De lo espiritual en el arte su primer ensayo literario nos habla de una teosofía basada en el lenguaje del color y las propiedades como respuestas del alma relacionadas con la geometría y el ritmo musical donde componer un cuadro con la cadencia de una sinfonía o tonada.
Continuará con otro ensayo; Punto y línea sobre el plano otra referencia imprescindible en la que nos muestra su percepción, su reflexión, en la que el punto es un pequeño mundo, un elemento primario de la pintura y otras artes que es estático y sin ninguna dirección que cubre determinada superficie.

La línea es un ente invisible que traza el plano en el que el punto deja de moverse saltando de lo estático a lo dinámico.
La fuerza que hace que un punto se transforme en línea puede variar en dos tipos de rectas.

Horizontal: Que corresponde al plano en el cual el hombre se desplaza.
Vertical: por la que el hombre asciende.

No obstante volvamos a Francia y al romanticismo.

Delacroix, el pintor romántico francés dijo en una ocasión: -Dadme lodo y pintaré la piel de una venus, siempre que pueda pintar alrededor que yo elija-.

Delacroix con gran experiencia e intuición conocía de sobra que en función del color del fondo la piel adquiriría una tonalidad u otra.

En el taller de Rubens se solía aceptar alumnos. En una ocasión se le pidió que aceptara un discípulo, su mentor modestamente intentó convencer a Rubens diciéndole: -Es un muchacho con una gran afición para empezar podría pintar los fondos de los cuadros-.

-Oh, no me digáis que sabe pintar fondos?, traedlo ahora mismo, llevo pintando hace años y nunca he sabido pintar el fondo más adecuado.-

Estas anécdotas confirmaban y presentían las teorías sobre el color y los colores complementarios ya que para modificar un color determinado nos bastaría con cambiar el el color del fondo que lo rodea.

¿Cómo aclararíamos un color? La respuesta parece obvia pues con blanco y lo oscureceríamos con negro, y sí es cierto pero agrisaríamos nuestros tonos sin embargo si utilizáramos los complementarios en forma desigual además del negro y el blanco nuestra paleta se saldrá de la grisalla neutra adquiriendo una riqueza de color luminosa. Por tanto aclararíamos con amarillo y oscureceríamos con azul porque en toda sombra hay algo de azul. Este uso de los complementarios y sus variantes no es únicamente estimable para un pintor sino para otras profesiones como por ejemplo un decorador etc.

Ante el reto del lienzo en blanco quizá nuestra decisión sea la de interpretar el color y y la línea de una forma más naturalista o realista contando con un factor que es la atmósfera.

Nos disponemos a pintar un paisaje y nos gustaría que contuviera tres planos: montañas, un pequeño grupo de casas y el primer plano un prado con un caballo. En las montañas nos gustaría que tuvieran la atmósfera interpuesta hay una impedimento nuestro modelo tiene su tonalidad natural que es la de tierra o gris de las rocas o cualquier mineral con que esta formada (podríamos ver este efecto de forma natural por medio de la atmósfera en la naturaleza dependiendo de las circunstancia meteorológica de ese día) pero no es así.

¿Qué haremos entonces para captar la sensación de lejanía ?

La solución es sencilla los colores fríos (azules violetas o grises de esta tendencia) alejan mientras que los cálidos acercan por tanto el primer plano será el más luminoso y a la vez el más contrastado y no sólo esto si también el más detallado. Así que nuestras montañas se pintaran de azul y si aún parte de ellas queremos distanciarlas más de violeta.

La sensación de atmósfera en una obra es intangible es el aire que parecen respirar, envolver y circular entre los personajes y para hallar la mejor lección de perspectiva atmosférica de toda la historia de la pintura tendremos que irnos a Madrid y a un museo, el del Prado, buscar la sala de Velázquez y en concreto su obra: las Meninas o La familia de Felipe IV que es como en realidad tituló su obra el pintor.

Se ha dicho y se dice que es el mejor estudio de perspectiva llevado a un lienzo.

¿Cómo se consiguió este efecto? No es por la disposición frontal de los personajes que se muestran cara al público es más la habitación produce ese efecto plano ya que no hay puntos de fuga de ningún tipo.

No es por el clásico truco de exponer los lienzos que adornan la pared lateral y ni siquiera por el reflejo de los reyes en el espejo del fondo.

Es por algo tan inmaterial como la distancia que recorre la luz que desde nuestro ojo entra al cuadro al foco amarillento que perfila al cortesano en la puerta. Al levantar unos centímetros los párpados sobre la tela que en una superficie plana y sin embargo abarcaremos varios metros de la estancia. Y es la luz inasible la que marca la perspectiva en las Meninas y ahí está su portentoso valor.

Los personajes además no están tratados con el mismo detalle pues cuanto más se alejan de nuestro ojo más desdibujados y con menos detalle aparecen porque así ocurre además en la realidad.
Nuestro ojo tiende a enfocar con más nitidez lo que se encuentra más cercano a el y desenfocar el plano medio y aún más el alejado. Aunque si nuestro ojo se concentra en punto medio o más lejano el desenfoque será entonces el plano más cercano a nosotros. Diego Velázquez se antecedió siglos al impresionismo y era además un maestro absoluto en la descomposición del tono y del color, esto se produjo después de su viaje a Italia donde tomó nota y ojo de los venecianos y sobre todo del maestro Tiziano. Diego Velázquez superó superlativamente la lección italiana, nuestra mirada se recrea en su paleta de platas u oros o en sus rojos que se exaltan, se esconden, se minan, se vuelven tiernos como si se hicieran el amor entre ellos apasionadamente.

El rojo es un color muy difícil de manejar y contrastar en pintura sin caer en una estridencia chillona.

El efecto de la luz, de la atmósfera, es el extraordinario valor de sus cuadros en concreto de las Meninas.

Produce tal impacto como así lo relató el escritor Theophile Gautier que después de verlo maravillado le parecía formar parte del lienzo, como si las figuras fueran a moverse de un momento a otro y exclamó: “ ¿Dónde está el cuadro? Porque, pensándolo un momento, ¿dónde está la realidad en Velázquez, en el lienzo o en nuestra mirada...?

El color tiene un componente psicológico muy importante tanto que puede erigirse para la facilitar la identificación de los simbolismos prácticos que nos rodean como los uniformes de la cruz roja, los aros olímpicos, la selección por color de el reciclado de residuos.

Se codifica en códigos marítimos, aéreos, automovilísticos, internacionalmente: verde vía libre, amarillo peligro, rojo obligación de detenerse, incendio, peligro. Blanco y negro puestos de socorro, azul para atraer la atención.

En los códigos de la banderas cada color es un adjetivo o una leyenda asociados.

En el campo de la publicidad y del diseño gráfico se aplica en profundidad este efecto psicológico cromático para que el consumidor identifique no sólo el producto sino que excite su consumo por la sugerencia que el color efectúa sobre el comprador.

Productos de lujo como los bombones se identifican con el rojos oscuros y el negro, los detergentes con el blanco y el azul, el rojo saturado con productos estimulantes y excitantes como el tabaco o los refresco. Es un efecto subliminal para la masa consumista.

El color en la cultura varía según la geografía pero tiene no obstante constantes en común y un variación estacional ya que nos vestimos con unos colores u otros en el verano y en el invierno.

Psicología del color, los colores son emocionales y nuestra preferencia por uno de ellos en especial también nos traza nuestras singularidades...

Rojo: es el color de la sangre, de la pasión, de las revoluciones. En la iconografía cristiana simboliza el poder que vence las fuerzas del mal y por eso está presente en las navidades y en el año nuevo.

En otras culturas las novias se visten de rojo ya que se asocia a la fertilidad y a la femineidad.

Asociado a la nobleza y a la realeza porque este pigmento era antiguamente escaso y difícil de obtener. Es el color de los emperadores romanos, de Marte. Evoca pasión desbordada, virilidad y energía, calor, acción, fuerza y disputas, sensualidad.

Las alfombras rojas parecen elevar el rango de quien las pisa o la transcendencia de los pasos que se van a dar hacia un altar.

Es el primer color que percibe el ser humano de ahí que sea el favorito de los niños.

Su mezcla con blanco tornando al rosa, frivolidad, inocencia y una juvenil alegría. Con negro dominio, tiranía y dolor.

Naranja: Un color estimulante para los tímidos y los tristes, vivo y apetitoso que presenta gran cantidad de alimentos, en la tierra, en los minerales y en piedras semi preciosas, La cerámica griega combinaba este color con el negro. Los cielos de atardecer cuando está bajo respecto al horizonte se tiñen de mil matices de naranja. Es el color de la vitalidad, el entusiasmo y la exaltación, de una gran fuerza radiante y expresiva. Puede ser muy opresivo y dominante si se utiliza en grandes áreas pero es utilísimo usado en pequeños acentos. Su mezcla con negro en tonos medios propone conspiración e intolerancia, engaño y opresión en sus tonos oscuros.

Amarillo: Optimista y luminoso se asocia con la energía solar y sus radiaciones. Sus reflejos son los del metal más venerado, el del oro. Amarillo era el manto de Helios y el color favorito de Vincent Van Gogh que al combinarlo con su complementario conseguía dar a sus cuadros un efecto de plenitud y alegría de vivir. Afectivo e impulsivo es el color de la inteligencia y también de la deficiencia mental, mezclado con negro adquiere un tono verdoso que sugiere celos, enemistad, miedo, bajas pasiones, brutalidad.

Fuerza,voluntad, calidez, deseo de liberación son otros de sus atributos.

En oriente en concreto en China era el color del emperador, de los budistas, del elemento creador máximo masculino el yang, de la alegría, del poder y sabiduría. Al contrario en otros contextos es símbolo de ostracismo e infortunio, evitado en el teatro a causa de que Moliére murió en escena vestido de este color.

Es el color del trigo de las hojas de otoño de las frutas y las flores. Este color como pigmento apareció en la cueva prehistórica de Lascaux hace 17.000 años así como en la pinturas murales de la antigüedad como Egipto.

Verde: Es el color de las hojas de la clorofila, el frescor, símbolo de renovación y renacimiento por ende el de la esperanza. Su efecto sobre la vista es sedante y relajante.

Este color en la cultura árabe tiene un simbolismo religioso siendo es color del paraíso y el preferido de Mahoma y por ello muchas de sus banderas contienen o son de ese color.

Las mujeres del Egipto faraónico se pintaban los ojos de verde malaquita.

Su contrapartida se asocia a lo venenoso a lo nauseabundo. Repele físicamente porque es el color de los anfibios, los crótalos y los reptiles. Hasta su aparición sintética el arsénico era de color verde esmeralda lo que constató su fama de nauseabundo. Los celos y la envidia se visten de verde que es elegido por los ecologistas en sus enseñas y cuando alguien está verde es al sinónimo de inexperiencia o falta de preparación. El verde es el color del equilibrio pues se compone del cálido amarillo y del frío azul. Es el color de la juventud, de la vanidad y la oratoria.

En un psiconeurótico produce calma, reposo y tranquilidad, razón y lógica. Aquellos cuya preferencia sea la de este color detestan la soledad y adoran la compañía, queriendo ser respetados y competentes.

Verde que te quiero verde, verde viento verde rama... también de verde se coloreaban los versos de Federico García Lorca.

Azul: Azul es el color del mundo, del mar y del cielo cuando esta presente en la tierra lo hace muy escasamente en algunos minerales o flores.

Da un efecto melancólico asociado a lo divino y a lo espiritual.

El lapislázuli machacado era un pigmento que se utilizaba en los mantos de las madonnas debido a su alto precio se estipulaba de antemano el coste de la obra. El Nilo, el río sagrado, se representaba con este color y con esta piedra semi preciosa combinándola con oro en la orfebrería egipcia.

La nobleza se vestía de rojo o de colores sutiles mientras que desde la edad media el azul ha sido el color de los trabajadores ya que el tinte índigo era asequible y barato.

El origen de los pantalones vaqueros es el de las prendas sufridas y resistentes de los buscadores de la quimera del oro. El azul es frío y de una profundidad inmaterial, plácido. Alude a la calma que es distinta del reposo terrestre del verde, alude a la introversión a la reconcentración, a la seriedad, al descanso, los sueños, el infinito y lo maravilloso, la sabiduría, la amistad, la lealtad, la inmortalidad y las verdades eternas. Su mezcla con blanco da pureza, fe y cielo. Con negro fanatismo, intolerancia y desesperación. Tiene el poder de aliviar la fatiga mental y visual.

Violeta: Lila o púrpura, malva, magenta, lavanda, fucsia, el violeta es el color con menos longitud de onda en límite de lo visible a medio camino entre el azul y el rojo representa la pasión de Cristo precisamente por esta mezcla azul (resurrección) y rojo (sangre). En la actualidad se ha convertido en la enseña del movimiento feminista.

En la naturaleza aparece muy rara vez y cuando lo hace irrumpe en el plumaje del pavo real, el los campos de lavanda y el de la mariposa emperador.

El violeta es la sugerencia de la reflexión, la lucidez y la templanza, la experiencia y la profundidad.

Es espiritual, místico y emocional, melancólico e introvertido. Su variante púrpura representa dignidad, majestuosidad y suntuosidad.

Su mezcla con blanco adquiere dolor, muerte, espíritu rígido. Con negro es desesperado, mísero y desleal.

Blanco: El blanco crea una impresión absoluta, de vacío, de unidad, de inocencia. Alegoría de la paz y la rendición, de infinito de positivo, pureza y modestia siendo para oriente color del luto. El más sensible a la luz que mezclado con cualquier otro color reduce su potencia psíquica y su cromatismo.

Negro: La antítesis del blanco trasmite opuestamente maldad impureza, muerte y misterio. Es el color del dolor, la elegancia y la nobleza. En occidente es el color del luto.

Gris: En la transición del blanco y negro es el centro de todo, simboliza aburrimiento, neutralidad y la ausencia de la energía entre la duda y la tristeza es la fusión de las penas y alegrías del bien y del mal. El color de la humanidad y su brillo metálico el lujo elegante y brillante de las ciudades ultra modernas.

A pesar de todas las teoría del color, nuestra fantasía efectúa una teoría propia porque el color es una aventura personal en que la luz y la sombra traspasa nuestros estados anímicos y nuestra sensibilidad actuará intransferible para expresar alteraciones interiores propias y anímicas con un uso sinestésico de los sentidos con o sin control para utilizarlos en una paleta, un verso, la música, el lenguaje, etc.
En nuestra percepción de las artes y del mundo al margen y también con el peso de la tradición de la cultura, nuestra geografía, nuestra educación, o nuestro lenguaje coloquial encontraremos una nueva libertad propia, quien no ha visto y cantado alguna vez la vida de color de rosa.... o de cualquier otro color con que se reconozca la impresión que se adueña del ser que siente que es el sinónimo del ser que presiente y se emociona.

La firma de la mosca

2011-06-05T08:13:00.000-07:00

Bzzzzzzzz es la onomatopeya del ruido que ensordece y crispa al unísono de este díptero que hemos dado en apelar mosca.

La mosca convertida en apátrida y enemiga de lo humano una molesta rebelde de estío y sol como el tinto de verano.
La protagonista glotona de una fábula de Samaniego : A un panal de rica miel dos mil moscas acudieron que por golosas murieron presas de patas en el.
Tiene un dulce fenecer en esta parábola, pero el progreso las asesina ahora con descargas en las carnicerías donde se quedan electrocutadas o por un spray Raid o similar y la moviola de la tradición no ha renunciado del todo a los matamoscas de toda la vida desde cualquier artilugio casero hasta un hábil cierre de mano o aplastamiento y ese viejo dicho de no matas ni una mosca no puede extenderse al presidente Obama que en el siguiente enlace: http://youtu.be/bL5te1kYehM hace gala de una maestría suprema como matón de cojoneras y por analogía he pensado en que si el cargo presidencial pueda distorsionar la mirada y que dejes de pensar en personas y las conviertas en moscas.... aunque no es sólo entretenimiento de presidentes la verdad sea dicha ni esta mirada ni este hábito de los que no puede decirse que no matan ni a una mosca.

Seguramente no se frotaran las patitas delanteras como símbolo de avaricia cuando sueltas la mosca ese símil o metáfora popular para que se afloje el dinero. La mosca se frotan las patas delanteras para limpiarlas de suciedad aunque sean amantes invariables de la basura con su visión poliédrica de 360º les permite no dejar ni rastro de suciedad en ellas.
A Salvador Dalí le gustaban las moscas limpias precisamente las que no se pasean por la calva de los poderosos y para muestra este video de su amor filial al insecto: http://youtu.be/cRm0zE6y-Jg
Imposible concebir el imaginario Dalí recurrente en entomologías y si en él despiertan ternura no menos es la del poeta Antonio Machado:

Vosotras, las familiares,
inevitables golosas,
vosotras, moscas vulgares
me evocáis todas las cosas.

¡Oh viejas moscas voraces
como abejas en abril,
viejas moscas pertinaces
sobre mi calva infantil !

¡Moscas del primer hastío
en el salón familiar,
las claras tardes de estío
en que yo empece a soñar!

Y en la aborrecida escuela,
raudas moscas divertidas,
perseguidas
por amor de lo que vuela

que todo es volar, sonoras,
rebotando en los cristales
en los días otoñales.....
Moscas de todas las horas,

de siempre....Moscas vulgares,
de mi juventud dorada;
de esta segunda inocencia,
que da en no creer en nada,

de siempre.....Moscas vulgares,
de puro familiares
no tendréis digno cantor:
yo sé que os habéis posado

sobre el juguete encantado,
sobre el librote cerrado,
sobre la carta de amor,
sobre los parpados yertos
de los muertos.

Inevitables golosas,
que ni labráis como abejas,
ni brilláis cual mariposas;
pequeñitas, revoltosas,
vosotras, amigas viejas,
me evocáis todas las cosas.

Bocado y manjar de anfibios, pájaros y arañas, murciélagos, anzuelo de plumas de mosca para los deportistas de la pesca, polinizadoras de flores. Estas raudas insolentes no respetan ni la siesta ni el sueño y lo prolongan a una enfermedad onírica en su variación de mosca tse tse al igual que propagan otra enfermedades infecciosas de todo tipo.
¿Gozan ella del sueño? Se asegura que sí que duermen durante unas horas donde cesan toda actividad y aletargadas insinúa algún poeta que lo que ocurre es en que realidad están enamoradas.
Algunos científicos afirman además que ejercen de cierto libre albedrío lo que acaba de emparentarnos del todo con nosotros junto con los ratones ya que los análisis genéticos del biólogo molecular español Ginés Morata Pérez así lo vuelve a sostener. Demuestran un vinolento aprecio por Baco en su versión de moscas del vinagre resultando muy útiles para investigar enfermedades neuro-degenerativas, el cáncer o la adicción a las drogas. O sea que somos los tatatataranietos de esta pequeña voladora que hace de la miseria su espejo y posado permanente en rostros de los niños del hambre.

Plaga del XXI y plaga bíblica en concreto la cuarta, toma la mosca para los egipcios el símbolo de un valor indómito, una persistencia y tenacidad durante los conflictos; fue el mayor galardón militar en la cultura egipcia y la más alta distinción que el faraón confería a sus valientes. Ahmose condecoró a su madre Ahhotep, con un collar con tres grandes moscas de oro por su esfuerzo en liberar a Egipto del yugo de los hicsos y ninguna otra reina de Egipto recibió esta condecoración militar. En la cultura navaja la gran mosca es un espíritu bienhechor.
Sin embargo se transfiere maléfico símbolo para otras culturas de la antigüedad. El diablo, demonio Belcebú recibe un apelativo causado por un juego de palabras que convirtió al dios cananeo Ba'al Zebûl (literalmente "el señor príncipe") en Baal Zabut ("el señor de las moscas").
William Golding da este título, El señor de las moscas, a su primera novela que se ha convertido en un clásico de la literatura inglesa de postguerra, esta novela es de lectura obligada e imprescindible en institutos y colegios. Con una acción distópica contraviene otra obra esta de Julio Verne: Dos años de vacaciones.
En el contexto de otra isla desierta la acción de unos niños que naufragan en ella nos permite explorar la pérdida de la inocencia, la barbarie contra la civilización, una metáfora de la naturaleza humana con arquetipos infantiles sí pero que representan el sadismo, la crueldad, el liderazgo, el poder, la fuerza contra la razón, la bondad o incluso el sentido del humor, siendo los pequeños la clase común y los niños más grandes la clase dirigente.
El grupo inglés Iron Maiden compuso una canción inspirada en la novela, llamada "Lord of the Flies".

Tanto Peter Brooks en los 90 como Harry Hook han hecho sendas versiones para el cine de la novela de Golding.
Alegoría de la suciedad y de muerte expresado así en otro poema de Emily Dikinson: “ yo oí el zumbido de una mosca cuando moría”

Las moscas obra de Jean Paul Satre vuelve a recrear el mito de Electra y Orestes. La intención del filósofo era la de hacer una resistencia intelectual ante los ocupantes nazis que fueron benevolentes con su representación no entendiendo quizá la sutileza y rebeldía de su mensaje de una clandestinidad pero a plena luz de candilejas donde los focos se concentran en el existencialismo de la libertad, el arrepentimiento, la angustia, la felicidad, la integridad desde un humanismo ateo ubicando en la antigua Argos la acción aunque solape a una explícita Francia ocupada.

Y, El rey de las moscas se cuenta (pero Alá sabe más) la historia de un califa que coleccionaba soldados de azúcar y que en la batalla sucumbieron ante una plaga de moscas.

La virgen de las moscas es un pequeña obra maestra que se encuentra en la sacristía de la colegiata de Toro en la provincia de Zamora. Discutida su autoría, se atribuye al pintor flamenco Michiel Sithium.
La mosca pintada en el manto de la virgen sobre la rodilla cuenta la leyenda que fue realizada por un discípulo de Sithuim como una firma de este autor al que apodaban la mosca.

Cualquier acción o destrucción humana masiva se añade a una comparativa con estos insectos, las moscas, cayeron como moscas, emigraron como moscas se posaron como moscas. Aborrecidas, molestas, miserables, sucias o divertidas e incluso domesticadas en un circo, disecadas ahora en dibujos como provocación, las moscas nos observan durante su efímera vida de 30 días desde hace miles de años.

El Mayo de Dylan

2011-05-24T10:34:00.000-07:00

Hey! Mr. Bob Dylan, tócame una canción.
No tengo sueño y no voy a ninguna parte.

Imagino que ser una leyenda del pop, del folk, del rock etcétera con gafas de Phil Spector pesa, tanto como la lluvia de la memoria, esta metáfora tan tuya, tan tuya como los 70 años de Robert Allen Zimmerman. Dejas a los exégetas al cabo de la calle de interpretarte ya que tú mismo dices que te las tomas con menos seriedad que cualquier persona y cuando encontrabas el tono hay más dimensiones tantas como en el cubismo.
O quizá no pesa... eleva, ¿ha sido una pose para triunfar?
Nunca vas a contestarme y si lo hicieras sería con la cáustica ironía con que sueles desarmar y eso sí que los has intentado desarmar al mundo y a todo el mundo.

Arrugas tiene ya este pálido Rimbaud rebelde de todas las causas desde hace más de 4 décadas, la rara avis con apellido de último maldito. ¿Será que la rebeldía es cuestión de poetas y borrachos, que se suicidan o agonizan inéditos o enjundiados por la fama?
También has desmantelado este mito aunque declaras que si las cosas fueran mal te suicidarías aunque no has dicho que tipo de cosas tendrían que irte mal.
En realidad ¿quién te conoce Bob Dylan, trovador hermético encantador de tarántulas? Hiciste llorar a Allan Ginsberg, ¿lloraste tú con Kerouac y con Blake o con los cantos rodados?
Has afinado la empatía de una armónica que desgarra los oídos con la escofina de una voz y una sensibilidad en el escenario con un pelo proto punk, un sombrero cordobés o el del cowboy en todas las noches y eres tú el eterno e inabarcable candidato al nobel a quien encuentro en la calle, en la vías del tren, en el viento o en la arena mientras me invaden las sombras.
Tú si sabes quien soy yo aunque no me conozcas.
Has tocado a las puertas de China, del Papa y del cielo y te has ganado ser judas para algunos, francamente no me importa ni te devalúo por creer en Cristo en Buda en todo o en nada no intentaré acorralarte ni como icono, ni como profeta ni como genio ni intentaré convencerte de ello.
Libre te absuelvo de ti, de youtube, de sony, de todos y sobre todo de mí.

Hello! Mister Dylan Birthday and thanks por tu música, tu poesía, por ti y que me caiga la lluvia.

La soledad de Lope

2011-05-22T07:22:00.000-07:00

Retrato de un hombre, es el título de esta obra del Greco, el retrato de un español de su tiempo, el retrato de un español intemporal.

Doménikos Theotokópoulos nos ofrece visiones de santos, apóstoles y Cristos en figuras que se elevan en un manierismo alargado y con el gozo lujurioso de un cromatismo de espiritualidad. Y esta conjunción gramatical esta i griega es más que adecuada para este pintor de origen cretense, y... además retrató al hombre de a pie en la tierra española del siglo XVI que le acogió en la ciudad de Toledo y le brindó además el sobrenombre por el que es conocido: el Greco (griego).
Tiene la ciudad de Toledo una puerta de bisagra que nos da paso a una ciudad de callejuelas y atmósfera misteriosa, tenebrosa. Convivieron entre su empedrado tres culturas, tres religiones en armonía, más tarde dispersadas y rotas por la unidad de una España empeñada en convertirse en adalid de una fe única que martilleaba herejes con el vestido de la inquisición.
Este es el escenario que vivió el Greco y sus obras, sus retratos nos enseñan a mirar y no únicamente mirar el arte sino a mirar el mundo en general. Un artista no trata de asir cualquier fracción de la realidad porque le parezca bella y llevarla a una tela, escoge y crea la belleza o cualquier noción abstracta de una posible realidad. No pinta a una mujer con fondo verde con luz lateral y apoyada en un mueble u oculta porque es lo que hay o lo que ve incluso aunque quiera agradar las expectativas del cliente de su encargo.
No, la pintora o el pintor decide la realidad o la irrealidad y un sentido que puede familiarizarse o no con el entorno social y cultural en el que vive.
Este retrato del Greco responde al interés del retrato puro, sólo interesa el rostro sin más. El Greco retrata en una profunda visión psicológica la personalidad del modelo, no contamos con la referencia de si el retratado responde al parecido ya que es un hombre anónimo, un contemporáneo del Quijote.
Era un género el del retrato considerado poco importante, alejado del gran arte.
No cumple una función mágico-religiosa no es tampoco el retrato del poder. Fue en el renacimiento cuando el género del retrato quedó libre de justificarse así mismo de estas pretensiones y con esta libertad en la mentalidad del renacimiento en la razón y no en la religión que enfrenta al hombre con la naturaleza, una huida de la edad media, con una nueva potencia económica, la burguesía que está dispuesta a perpetuarse encargando un retrato.
¿Qué se propone el Greco, es un retrato encargado?
Lo segundo lo ignoramos y a la primera incógnita responde a la expresión del alma, el interior que se viste con la gola de la melancolía.
Una faz con un mentón pequeño y puntiagudo rematado por una barba, las medidas y desproporciones de su fisonomía nos hablan de un hombre imaginativo, sensible, quizás sarcástico, sujeto a control, un místico elegante.
Es un desconocido con una tristeza contenida al desencanto y la soledad de sus ojos como un personaje para Lope.

A mis soledades voy...

A mis soledades voy, de mis soledades vengo,
porque para andar conmigo me bastan mis pensamientos.
¡No sé qué tiene la aldea donde vivo y donde muero,
que con venir de mí mismo no puedo venir más lejos!
Ni estoy bien ni mal conmigo; mas dice mi entendimiento
que un hombre que todo es alma está cautivo en su cuerpo.
Entiendo lo que me basta, y solamente no entiendo
cómo se sufre a sí mismo un ignorante soberbio.
De cuantas cosas me cansan, fácilmente me defiendo;
pero no puedo guardarme de los peligros de un necio.
El dirá que yo lo soy, pero con falso argumento, que humildad y necedad no caben en un sujeto.
La diferencia conozco, porque en él y en mí contemplo, su locura en su arrogancia, mi humildad en su desprecio.
O sabe naturaleza más que supo en otro tiempo, o tantos que nacen sabios es porque lo dicen ellos.
Sólo sé que no sé nada, dixo un filósofo,
haciéndola cuenta con su humildad, adonde lo más es menos.
No me precio de entendido, de desdichado me precio, que los que no son dichosos, ¿cómo pueden ser discretos?
No puede durar el mundo, porque dicen, y lo creo,
que suena a vidrio quebrado y que ha de romperse presto.
Señales son del juicio ver que todos le perdemos,
unos por carta de más otros por cartas de menos.
Dijeron que antiguamente se fue la verdad al cielo; tal la pusieron los hombres que desde entonces no ha vuelto.
En dos edades vivimos los propios y los ajenos:la de plata los extraños y la de cobre los nuestros.
¿A quién no dará cuidado, si es español verdadero, ver los hombres a lo antiguo y el valor a lo moderno?
Dixo Dios que comería su pan el hombre primero con el sudor de su cara por quebrar su mandamiento, y algunos inobedientes a la vergüenza y al miedo, con las prendas de su honor han trocado los efectos.
Virtud y filosofía peregrina como ciegos; el uno se lleva al otro, llorando van y pidiendo.
Dos polos tiene la tierra, universal movimiento; la mejor vida el favor,la mejor sangre el dinero.
Oigo tañer las campanas, y no me espanto, aunque puedo,
que en lugar de tantas cruces haya tantos hombres muertos.
Mirando estoy los sepulcros cuyos mármoles eternos están diciendo sin lengua que no lo fueron sus dueños.
¡Oh, bien haya quien los hizo, porque solamente en ellos de los poderosos grandes se vengaron los pequeños!
Fea pintan a la envidia, yo confieso que la tengo de unos hombres que no saben quién vive pared en medio.
Sin libros y sin papeles, sin tratos, cuentas ni cuentos, cuando quieren escribir piden prestado el tintero.
Sin ser pobres ni ser ricos, tienen chimenea y huerto; no los despiertan cuidados, ni pretensiones, ni pleitos.
Ni murmuraron del grande, ni ofendieron al pequeño;
nunca, como yo, afirmaron parabién, ni pascua dieron.
Con esta envidia que digo y lo que paso en silencio
a mis soledades voy, de mis soledades vengo.
Lope de Vega

La fascinación del ciprés

2011-05-14T15:41:00.000-07:00

Los cipreses creen en Dios escribió Jose María Guironella autor de la

polémica trilogía sobre la guerra civil y la segunda república española.

Ignoro si los cipreses creen en Dios lo que sí creen es la espiritualidad o en la verticalidad que apunta al cielo. Y por este apunte y por su follaje perennemente con verde de eternidad son una presencia constante en los cementerios meridionales de Europa pero su presencia fue plantada en los santuarios desde la antigüedad. Según el mito: Apolo, dios de la luz transformó a un adolescente en un ciprés con forma de llama, mientras que los dioses de los avernos se relacionaban a través de estos árboles. Vincent van Gogh ondulaba como llamas a los cipreses que ascendían.

Cipreses, una isla y muertos: La isla de los muertos es el título que le dio el marchante de arte Firtz Gurlitt en 1883 a la obra del suizo Arnold Böcklin. En realidad el pintor suizo hizo no una sino hasta cinco versiones del mismo lienzo
(una de ellas fue destruida), otra de ellas se encuentra actualmente en el museo Metropolitan de Nueva York, el artista nunca le dio este título y nunca explicó el significado de su obra.

Hay pecados cuya fascinación está más en el recuerdo que en la comisión de ellos.

Oscar Wilde.

Recuerdos, pecados y fascinación, ésta última la fascinación ha sido el leimotiv que como una maraña o telaraña ha hecho sucumbir en ella a personajes remotamente dispares en el tiempo y en idiosincrasias. La fascinación, seducción u obsesión producida por la belleza o la fealdad y cuando realmente se siente fascinación o embrujamiento es por algo oscuro e indefinible.
Esta obra de Bröcklin ha despertado una oscura fascinación, centrémonos primero en su composición, se dice que Arnold pudo inspirarse en una arcana leyenda italiana según la cual el muerto podría colocarse él mismo en el ataúd. El personaje blanco que está en pie podría ser una sacerdote de la antigüedad o el mismísimo Caronte; el agua oscura como un espejismo surreal separadora a los vivos de los muertos en el río del olvido ( el Leteo) o la laguna Estigia en un suave deslizarse por el agua. En el cementerio inglés de Florencia que evoca este cuadro cercano a su estudio está enterrada su pequeña hija María.
¿ Insinúa Bröcklin una muerte dulce y una renovada existencia después de la muerte? Sin embargo esta atmósfera del cuadro, de la isla, tiene una belleza ominosa lejana e inaccesible y un aislamiento de los muertos lejos de las ciudades: ¿Aislados de la vida fabril de la revolución industrial como medida higiénica o un lugar idílico donde el reposo mortal tenga un escenario romántico...?
Arnold tenía 53 años cuando recibió el encargo de esta obra, en Alemania triunfaba la pintura histórica y en Francia avanzaba el impresionismo. Bröcklin no encajaba en ninguna con sus pinturas de centauros, sirenas y paisajes mitológicos. A pesar de ésto y de ser pobre su pintura empezaba a ser reconocida, por entonces vivía en Florencia y allí fue donde recibió el encargo de una amiga de su círculo: María Berna la condesa de Oriloa que deseaba “un cuadro para soñar”.
Puede resultar un tanto extravagante el encargo pero las mujeres de clase alta huían hacia el mundo de los sueños como un pecado, una fuga de la realidad muy gustosa aunque ellas en realidad no lo percibieran así y así lo refleja Theodor Fontane en su novela Effie Briest. Estas mujeres no podían desarrollar ningún oficio que fuera bien visto en la clase social en la que vivían, el riesgo era ser repudiadas. Por tanto huían a la fantasía y al país de los sueños, a la contemplación del arte donde siempre eran bienvenidas.
Simbólico, romántico influenciado por el art noveau y por otro pintor romántico Caspar David Friedrich, Arnold surtió influencias a Salvador Dalí, Max Ernst y Giorgio de Chirico.
Otto Weisert diseñó un tipo de letra a la que dio el nombre del artista suizo, que más tarde fue retomada por el movimiento hippy y su influjo se extendió hasta el ilustrador de los setenta Roger Dean.

El retorno a la fascinación o el fetichismo parece ser únicamente delirios románticos femeninos pero el cuadro de Bröklin estuvo colgado en la cancillería del Reich y delante de el existe una fotografía de Hitler y Molotov. Adolf Hitler frustrado y ramplón pintor consideraba al suizo uno de los más grandes artistas y adquirió o requisó para el gigantesco museo nacionalsocialista que deseaba fundar en Linz un total de once obras de Bröcklin.
Pero la popularidad en Alemania de los óleos del pintor simbolista ya había sido rubricada por poemas y obras o prólogos como las Gottifried Keller, Paul Heyse, Hugo von Hofmannsthal, Gehard Hauptmann. Cuando Herman Hesse se trasladó a Basilea para trabajar como aprendiz de librero en su maleta llevaba las obras de Nietzsche y una copia enmarcada de las isla de los muertos.
Freud, Lenin o Clemanceau tenían sendas reproducciones en sus despachos.
Sergei Rachmaninoff compuso un poema musical como un canto exultante de sirenas inspirado en la isla de los muertos así como Heinrich Schülz-Beuthen así como Robert Zelazny en su novela transporta a dos personajes mitológicos a la misma inspiración y título.
El arquitecto francés Tony Garnier recreó cerca de Lyon la isla de Böcklin.
Isle of dead de Boris Karloff menciona a Bröcklin en sus créditos e incluso la isla de King Kong dícese basada en ella y ecos del cuadro parecen reverberar en las películas: Furia de titanes de 1981 o Jezabel de Willy Wilder.
El mundo del cómic también la ha homenajeado en los números 11 y 12 de Martin Mistere o en L´ile des morts de Sorel y Mosdi y la lista se alarga aún más.

Arnold Böcklin jamás sospechó la repercusión del hechizo de sus cipreses isleños y visionarios ni el postrero epitafio en verso de uno de sus admiradores el profesor Víctor Widmann : ¡Sueños en su tienda de sombras y fuera el mundo sigue igual!

El desconsuelo del mármol

2011-05-01T15:01:00.000-07:00

La muerte no nos roba los seres amados. Al contrario, nos los guarda y nos los inmortaliza en el recuerdo. La vida sí que nos los roba muchas
veces y definitivamente. FRANÇOIS MAURIAC

Mármoles
Nadie podrá olvidarla voz velada del arqueólogo
en cuclillas buscando entre antiguas ruinas
las huellas de la angustia de los siglos hundidas en la arena
sólo prosperan las prostitutas petrificadas
que conservan a través de los siglos
un inagotable deseo de amor
la voz velada y lejana busca lo viviente en lo muerto
a la sombra de la voz la más deliciosa de las doncellas se desnuda
de sus heridas piadosamente
cae una noche rota piadosamente
sopla sobre los antiguos mármoles el gran viento de los acoplamientos
en cada instante nacen y mueren de un modo infinito seres invisibles
que fecundan al tiempo la voz lejana llama al misterio derramado
entre los monumentos arqueológicos una tempestad de mordiscos
hace sangrar los mármoles sangre coagulada del tiempo inalcanzable sangre inalcanzable del vacío.
Aldo Pellegrini.

El desconsol de Josep Llimona.

El tiempo hace las veces de cincel así como la intemperie y el viento, el agua, el calor o el frío cincelan además de otro intangible cómo la pátina de nuestra mirada, nuestro tacto y nuestro recuerdo.

El mármol es uno de la materiales utilizados por antonomasia en la estatuaria así como el alabastro, dos rocas o piedras que el artista elige en función de que lo que desea representar.
El alabastro de naturaleza más blanda y quebradiza hace posible que el golpe del cincel penetre sin trabajo pero esta facilidad se lamentará de esta apariencia pues se desportilla y araña aún así su cincelado aporta menos esfuerzo y su coste es más económico.
Es una roca la alabastrina traslúcida que nos muestra su interior en vetas de tonos cálidos lo cual transfiere y aproxima la estatua a la vida, mientras que el mármol nos traslada al mundo de lo ideal. Ambos materiales pueden ser confundidos a causa del acabado amarillento realizado ex profeso que puede aportarse al mármol.
Canteras de mármol con un calidad máxima son las del travertino o Macael el más albo; con el puede esculpirse casi todo y por esta razón el artista escultor suele elegir con cuidado este material y el bloque ya que cualquier imperfección o grieta puede afectar el resultado siendo imposible disimularla, es sometido el preciosismo, el virtuosismo a examen de la pericia del escultor.
Obtendrá la caliza sin embargo tersura o morbidez en esta piel de roca marmórea que cerrando sus poros jugará entre la luz y la sombra hurtándonos su cara a que descubramos los matices de su desconsolada superficie de bulto redondo.

La linterna mágica

2011-04-23T04:16:00.000-07:00

Daguerrotipo

La máquina oscura o cámara oscura es el artilugio antecesor de la fotografía, fue inventada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica.
Aristóteles el filósofo peripatético sustentaba que si se practicaba un orificio sobre la pared de una habitación a oscuras, un haz lumínico dibujaría sobre la pared la imagen invertida al exterior. En la edad media, el árabe Ibn al -Haitham estudió los ecplises de sol y luna haciendo pasar a través de un pequeño agujero los rayos emitidos por el sol y reflejados por la luna.
Leonard da Vinci en sus manuscritos y códices elabora e ilustra la primera cámara oscura.
Algunos de los artistas contaban con el sesudo invento y realizaban apuntes con gran perfección en perspectiva; la caja óptica (ars magna lucis et lumbrae) fascinó y ayudó a descubrir la realidad con más consistencia de lo representado a Durero, Vermeer y Canaletto ( autor de las veduttas venecianas ).
Daguerre y Niépce, con el diorama y caja óptica, son los precursores de la fotografía moderna.
Desde el primer flash de magnesio se batieron en duelo pintura versus fotografía aunque más que una bofetada de guante ha resultado una alianza por sus multiples similitudes, “compitiendo” tras dos siglos, la pintura se ha tornado fotorrealista y la fotografía a su vez indaga y ahonda sobre efectos pictóricos logrados con nuevas tecnologías tanto en la fotografía clásica como en el arte digital.
Los fotógrafos pintaban a mano sus fotos, coloreándolas antes y después de que se descubrieran los carretes a color cuyo invento debemos al físico James Clark Maxwell en 1861 que utilizó los tres colores primarios ( rojo, azul y amarillo) los mismos que utiliza un pintor ya que de ellos se deriva el resto de los colores subdivididos en secundarios, terciarios y así infinitamente. La fotógrafa Ouka leele ha recuperado esta técnica del pintado a mano de fotos.

Los parámetros para que una fotografía fuera perfecta es que existiera una perfecta degradación de tonos, que la escala del blanco, los grises, al negro fuera perfecta y esto también es comparable al dibujo de valoración académica. Tanto el pintor como el fotógrafo se sirven del espacio (composición), cantidad y calidad de la luz (valoración) y de la clásica máxima compositiva: -unidad dentro de la variedad-.
Los audaces encuadres de la fotografía inspiraron a la pintura en la distribución del espacio un ejemplo serían las obras de Joaquín Sorolla cuyo suegro era fotógrafo, la fotografía utiliza y utilizó de las composiciones pictóricas clásicas. Fotogramas, fotos a toda velocidad a tanta que ha dado lugar a otro séptimo arte, el cine.
Imaginemos el papel fotográfico sumergido en el tanque a punto de revelarse, donde poco a poco va apareciendo la foto, pues bien el dibujo es algo similar va surgiendo la imagen tenuemente, es decir aparece mediante la valoración de menos a más hasta llegar a aparecer del todo.
Las imágenes son la representación visual de un objeto real, las imágenes mentales son aquellas que todos visualizamos dentro, en el interior de nuestro cerebro que son reales, ficticias o fantásticas. Imaginar es por tanto visionar dar tienda suelta a nuestra capacidad ilimitada de fabular y esa capacidad o visión íntima es el primer lienzo que se pinta o se escribe, etc.
Imaginar imagen una facultad inherente a todos los humanos sean artistas o no.
Los psicotrópicos aumentan esa percepción por esa causa algunas culturas se han valido de ellos para aumentarla.
La sinestesia es la percepción a juego con los sentidos y la imaginación, el sinestésico asociará colores con notas musicales, sabores en las palabras, el tacto con el gusto, etc.
La fotografía por su registro directo podría resultar constreñida a la realidad y sin embargo entra entonces en juego Man ray que fue pintor antes que fotógrafo y ésta primera vocación dio lugar a la segunda pues sacaba instantáneas de sus cuadros, es uno de los pioneros en la abstracción y en el surrealismo fotográfico. Man colaboró oculus cum oculus onírico con el pintor Salvador Dalí.
Hay quien opina que el trabajo del fotógrafo es oportunista (si se refiere al reportero gráfico, existe el viejo debate que el reportero quiere cazar la foto soñada y antepone este deseo y aquí es donde surge la controversia : ¿ Debe disparar el objetivo primero o auxiliar a la víctima después?)
Controvertido, oportunista... o más bien es oportuno, el testimonio fehaciente demoledor e imprescindible que detiene un momento fugaz, es un ojo que todo lo ve.

Henri Cartier Bresson es considerado el ojo de la centuria pasada, un siglo que tuvo muchos ojos. Congeló el tiempo que se medía por minutos fascinados en el continente africano a finales de la belle epoque, los triunfos rojos en el país del último emperador de la China, el descanso en el taller con paloma blancas de Matisse o las últimas horas desanimadas de un alma denominada grande Mohandas Ghandi.
Cartier convertido en un ladrón distinguido de instantes que se consideraba así mismo como un artesano y fundó con otro artista Robert Capa la agencia Magnum.
Una agencia independiente a la que han pertenecido y pertenecen una larga serie de fotógrafos profesionales. El fotógrafo-a anterior a la era digital estaba en el lugar adecuado en el momento oportuno y todo su trabajo antes del revelado era imprevistamente artístico y completamente artesanal.
La niña japonesa que corre por la carretera desnuda y totalmente abrasada por explosión de la bomba atómica en Hirosima, el miliciano herido de muerte por bala en el justo intervalo antes de desplomarse recogido por Robert Capa e innumerables fotos más forman parte de nuestra historia visual e histórica en una iconocidad atemporal.

A la agencia Magnum perteneció el artista brasileño Sebastiao Salgao antes de montar su propia empresa por su cuenta. Colaborador con Unicef, médicos sin fronteras, una larga biografía constatando el duro trabajo marginal de algunos colectivos, su deseo con respecto al espectador que contempla sus exposiciones el siguiente: - “ Deseo que cada persona que entra en una de mis exposiciones sea al salir una persona diferente. Creo que toda persona puede ayudar, no donando necesariamente bienes materiales, sino formando parte del debate y preocupándose por lo que pasa en el mundo”.

90 retratos de niños han aparecido en su libro The Children ( Septiembre del 2000 ) y estas abrumadoras fotografías muestran la existencia de 30 millones de mujeres y niños en su mayoría desplazados que carecen de vivienda permanente.
En el prólogo de otro de sus trabajos Migrations Salgao afirma: “ Hoy más que nunca, siento la unidad de la raza humana. A pesar de las diferencias de color, lengua, raza o cultura y oportunidades, los sentimientos y reacciones de toda la gente son similares. La gente huye de las guerras para eludir la muerte; migra para mejorar su fortuna; construye nuevas vidas en tierras extrañas y se adapta a las adversidades extremas”.

Razas del mundo... los indios norteamericanos se oponían a que los blancos les retrataran en una fotografía que para ellos era como robarles el espíritu y sí es como hurtar un segundo del alma que se queda detenido para siempre alojado en un trozo de papel couché o en cualquier otro papel y todos hemos sido somos y seremos ladrones, robando y nos robarán una partícula del alma de lugares, personas, animales, objetos... del mundo particular de nuestras vivencias pasadas que no envejecen, de nuestras emociones, el álbum que guarece todas las edades de nuestra vida en fotos.

Lump et Picasso

2011-04-08T14:42:00.000-07:00

Retrato de Pablo Picasso por Ramón Casas

No sé lo que es la inspiración pero cuando venga espero que me encuentre
trabajando.

La inspiración existe pero trabajando. Pablo Picasso.

Esta dicotomía de inspiración y trabajo en la que muestra contradicción y reafirmación nos retrotrae a algo fundamental en la vida de este andaluz que se trasladó a Francia donde se le consagró en las aras del arte: Trabajando y así fue, Picasso se enamoró del arte y le fue leal trabajando con el y por el hasta el último segundo de su nonagenaria vida. El arte le encaminó por muchas disciplinas, lo mismo fue pintor, que escultor, ilustrador, ceramista, diseñó vestuario, atrezzo para el teatro e incluso fue poeta.

Vesania de Picasso

No puedo creer que en esos ojos claros
Me quiera reflejar
Y que mi locura por si sola piensa
¿Qué cuando amaré sin estar perplejo?.

Una figura se transforma y nítida a su vez
Se vuelve un azul de luz un azul de esperanza
Que va de la mano con tu infantil amor
Y las sandeces que se esfuman y son sólo quimeras.

Una gota de esperanza cae en tu cuerpo blanco
Que con la luz azul se refleja y forma matices
Que solo yo podría ver y tú me dirías
Con palabra mudas que el dos más dos siempre será cuatro.

Y los libres suplican con cuita y dolor
Que las cadenas de vapor no ajuste su alma inerte
Y que lo escuche los sordos y que los ciegos vean la verdad
Que de corazones sólo piensa el arte de amar.

Y el hombre de la sonrisa forzada
Aprenda a vivir con maniqueo y marasmo
Que sólo vea las estrellas de día
Y diga perplejo amar es lo único que quiero.

¿Cómo se forma el genio considerado el artista más importante y decisivo del siglo XX?
¿Se nace genial y además se construye el mito del genio? ¿Quiénes fueron los comitentes forjadores del mito?.
Esta afirmación sobre el siglo de Picasso es exagerada y parcial pues el XX tuvo muchos genios que no contaron con el marketing que tuvo no sólo la obra sino la vida de Picasso. Obras y vida indivisibles la una sin la otra, umbilicadas. Pero Picasso también tiene y tuvo detractores de ambas.
La fama es un imán, cuando alguien se convierte en famoso se trasforma en un campo magnético entre polos negativos y positivos... pero dejemos la fama y dirijamos la brújula hacia el cubo como las construcciones cúbicas con las que juegan los niños. Como un rompecabezas resulta las formas, las composiciones de los cuadros de Picasso y a él le interesaban ambas cosas pintar como un niño y romper el arte, una ruptura total y definitiva con la pintura tradicional desde el renacimiento.
El padre de Picasso era pintor, daba clases en las academias de bellas artes, esta actividad le llevó con toda su familia a varios destinos desde Málaga que fue donde nació Pablo. Primero a Galicia y más tarde a Barcelona. Su padre se dio cuenta desde el principio que el niño tenía unas cualidades innatas geniales para dibujar y pintar, Picasso diría más tarde que nunca dibujó con la torpeza e ingenuidad de la infancia y que había necesitado toda una vida para hacerlo.
El traslado familiar a Barcelona le puso en contacto con artistas de renombre e incluso uno de ellos, Ramón Casas le hizo un retrato; el dibujo de un peculiar joven que había comenzado a estudiar en la academia de bellas artes tras ser admitido con sólo 14 años. Por complacer a su padre realizá en Barcelona obras muy alejadas del vigor con lo que las hacía en la Coruña, y fue quizá la primera y la última vez que complació a nadie con ellas. Podría haberse ganado la vida muy satisfactoriamente con éstas de factura y tratamiento académico, pero cómo tantas otras veces su naturaleza se inclinó por la ruptura, y ésta le llevo de un estilo a otro ( incursionó en todos y precisamente fue acusado de no tener estilo, ésto le satisfacía plenamente porque retoma cada corriente pictórica y la hacía suya) y a los brazos de una mujer a otra.
Las mujeres son diosas o porteras dijo en alguna ocasión, para él las mujeres eran musas que inspiraban y cuando dejaban de hacerlo o las engañaba o las abandonaba. Se casó en dos ocasiones y tuvo multitud de amantes reconocidas y sin reconocer, una de ellas (Eva Gould) murió antes de que dejara de amarla y otra Françoise Guillot fue la única que le abandonó, lo cual jamás le perdonó, por entonces el mito Picasso ya estaba más que forjado por intelectuales como Max Jacob, Guillaume Apollinaire, el marchante Vollard y sobre todo por una mujer coleccionista Gertrude Stein y su hermano León de la que pintó su retrato al poco de conocerse. Gertrude al verlo le dijo:- no se parece a mí - él le dijo con una sonrisa maliciosa en sus ojos negros y cautivadores: -ahora no pero se parecerá-. El abandono de Françoise fue un duro golpe a la vanidad del monstruo, que estaba acostumbrado a que las mujeres ejercitarán todo tipo de conductas extremas desde golpearse por él, hasta por llamar su atención en un café para conocerle se hicieran cortes con un cuchillo como lo hizo Dora Maar, él se quedo tan impresionado que ese mismo día se hicieron amantes.
El orden cronológico no afectaba a las composiciones cubistas de Picasso, el cubismo analítico nos muestra en un mismo plano distintos aspectos de un rostro, de un bodegón o un paisaje, es decir en el mismo plano podemos ver la cara de frente y de perfil, un ojo, una nariz, una mano, etc; en distintas posiciones, escorzos, en un bodegón, en un paisaje ocurre lo mismo observaremos frontalmente lo que es imposible de ver de esa forma frontal, desparece además la perspectiva y se incluye una cuarta dimensión.
Existen tres dimensiones alto, ancho y profundidad. El pintor maneja solo dos el alto y el ancho, la profundidad se consigue con la valoración por tonos, el juego de luz y sombra. La cuarta dimensión que introduce el cubismo es el tiempo, el tiempo que nos permitiría recorrer para mirar un objeto por todos sus ángulos, con el cubismo pues en un único plano de la composición observamos todas las facetas del bodegón, del paisaje, del rostro y el cuerpo al mismo tiempo.

Saltándome a Cronos en su trayectoria hacía adelante, vuelvo atrás a la arribada de un Picasso a París sin una moneda en el bolsillo y dispuesto a sobrevivir como un artista que vende lo que pinta y no un pintor que pinta lo que vende (otra de sus frases), ésto no le fue posible al principio y para llenar una barriga humana comienza a realizar dibujos eróticos que le permitían hacerlo.
Otro pintor su amigo de juventud Carlos Casagemas le acompañaba en las buhardillas y en las correrías por el Moulin Rouge y es allí donde Carlos conoce a Germaine y se enamora vesánicamente de ella, tras intentar asesinarla se suicida, Picasso profundamente afectado le retrata en varios cuadros ( en uno de ellos retoma la composición del Greco, el entierro del conde Orgaz en una división tierra, cielo, y espíritu). Esta tristeza y melancolía da paso a su época azul ( ha discurrido el rumor que de esta época azul subsiste además la culpa que sentía por muerte de Carlos pues fue el detonante, el tercero en discordia, seduciendo a la novia de su amigo) después del azul llegó un nuevo amor Fernande Olivier y con ella la época rosa y cómo su color la dulzura, el optimismo no exento de misterio.
Picasso solía visitar Henri Matisse en su taller, ( más tarde se hizo una división sobre los dos, Matisse color y Picasso forma) allí descubrió el arte africano en unas esculturas propiedad de Matisse, este arte ancestral y las obras de Cezanne originaron un protocubismo, que es al mismo tiempo intuitivo e intelectual.
Las señoritas de Avignon cayó como un obús que radicalizó todo lo que antes había y se había creado. Cinco mujeres desnudas, angulosas, cinco prostitutas, conocemos eso además porque plasma un cuenco con fruta, no es un elemento casual ni un adorno; los jarrones con fruta o flores que acompañan a las mujeres desvestidas eran un además de un vanitas, la constatación de su oficio, por tanto introduce esta forma compositiva como un antes y un después.
George Braque fue cofundador del cubismo no únicamente Picasso, cubismo analítico hermético y el cubismo sintético ( el sintético aporta elementos reales como papel, madera, tela, etc, en un collage) así como Juan gris, que también residía en París con su mujer, los tres inician la primera vanguardia de mano del padre de la pintura moderna: Paul Cezanne.
Picasso solía decirle a Gris con respecto a su mujer : -Siempre vienes con la misma - y con respecto a su labor como creador decía de él lo siguente: -A veces el alumno aventaja al maestro-.
Estalla el periodo cubista y estalla una guerra española que tuvo de todo menos civil, fue incivil y para promover la causa republicana le encargan el Guernica, que es otro estallido donde se muestra el bombardeo de la aviación de legión Condor a la población civil de Guernica, Dora Maar toma instantáneas de todo el proceso del cuadro y esta obra tan emblemática aguardó durante largos años en un museo americano a que la democracia llegase a España.
La legión alemana Condor es la responsable del bombardeo, cuando los nazis invadieron París, visitaron a Picasso en su taller y al ver la obra le dijeron: -¿ Lo ha hecho usted? -y él respondió : - No lo han hecho ustedes-. A Picasso sus amigos judíos le habían ofrecido y pretendían convencerle que dejara Europa antes de la contienda de la segunda guerra mundial. Se negó y este hecho le dio fama internacional.
Picasso profesaba el pacifismo y se afilió al partido comunista al que nunca abandonó, aunque Dalí dijera: Picasso es comunista yo tampoco. Un comunista atípico que residía en un castillo donde recibió a Gala, la mujer de Dalí, ella fue a verlo para que le ayudara a promocionar mediante sus contactos y prestigio la obra de Salvador y Picasso lo hizo.
Pablo no acabó en el cubismo, prosiguió con el periodo surrealista con una época neoclasicista, otra expresionista y por último el periodo de Vallauris en la que enfatiza una búsqueda del color : -Yo no busco, encuentro- diría.

Picasso convencido nictzcheniano creía en un super hombre, que él era un super hombre, se convirtió en marca, su firma era una marca una patente de corso absoluta de consagración y de venta.
Un niño se le acercó un día en una terraza en la costa azul, a instancias de sus padres le pidió un autógrafo pues pensaron que se lo daría sin problemas por ser un niño, debido al calor, el chiquillo únicamente llevaba un pantalón sin camisa, Picasso firmó en su espalda desnuda y con una sonrisa y una respuesta triste e irónica dirgida a sus padres: -Ahora véndelo-.

Colocaba demás su marca en sus mujeres a las que pintaba con sus mismos ojos, los de él.
¡Para amar a algunas mujeres me fue suficiente con unas horas, e incluso con unos minutos.¡Es mucho mas largo y trabajoso el desamor!
Y casi todas sus épocas y periodos coinciden con el cambio de amor. Ocho mujeres y ocho periodos.

Era el minotauro, el arlequín, la tauromaquia, era un hombre apasionado, dulce, tierno con los niños, con las mujeres y con los animales.
El fotógrafo Duncan Douglas se acercó a la Californie con objeto de hacer unas fotos y un reportaje del genio llevaba consigo a su perrito teckel llamado Lamp. Cuando Lamp y Picasso se conocieron se desató un flechazo siendo tal que Lamp se quedó a vivir con Pablo, éste le acunaba entre sus abrazos le dibujaba conejos para jugar y Lamp, llevándolos al jardín los destrozaba ( ¿cuánto valdría ahora ese conejo...?) dibujaba platos de cerámica con su retrato y era uno de los pocos a los que permitía acompañarle mientras trabajaba junto con su última mujer Jacqueline, una mujer mucho más joven que el genio, con un carácter posesivo de la que algunos biógrafos afirman que consiguió aislarle del mundo.
Lamp además fue el sustituto del mastín en la obra: Las meninas, en la que se muestra además a un Velázquez cubista y superlativo.
Picasso sentido espacial prolongado por el siglo XX prolongado por el presente y al futuro.

Yo Picasso.

La impresión del sol

2011-03-24T12:41:00.000-07:00

Gustave Courbet (1819-1877) en una caricatura de André Gill.

La pintura era una liturgia que se practicaba en privado, en la intimidad de un estudio o taller, en soledad o con discípulos.

La luz incide sobre la portezuela amarilla de un carruaje en plena era romántica le presta al amarillo sombras reflejadas de azul. Un pintor observa este efecto hasta entonces desapercibido y sale corriendo hacia su taller para llevar la luz y su contraste a un lienzo. El romántico pintor es Eugéne Delacroix, el romanticismo estuvo fuertemente influenciado por el redescubrimento del antiguo Egipto y la salida al exterior de ciudades olvidadas entre leyendas como Pompeya o Herculano.
Historicismo y mamelucos, alfanjes, Edipos y esfinges pero también se ocuparon de buscar una realidad romántica a pleno aire libre. Realismo a golpe de viento en los paisajes y las gentes, Corot, Millet, Gericault, Daumier, Dupré, Courbet, algunos de ellos son los pintores que formaron el grupo de Barbizon, estos artistas se desplazaban caballete en ristre para registrar la naturaleza de primera mano y pincel. Ellos fueron los precursores del impresionismo.
Fantin-Latour aglutinó en una de sus obras el retrato en grupo de poetas y artistas, uno de ellos Édouard Manet es el antecesor más definitivo, el denominado rey del posterior movimiento. El museo del Prado guarda un libro de visitas y en el está registrada la firma de Manet como visitante.
Manet descubrió en la pintura española que el color era una sinfonía que se descompone en gamas, en tonos, en la síntesis de unas pinceladas cromáticas que expresan e iluminan tan sólo con lo justo, esas inspiraciones tenían un nombre: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Cuando Manet volvió a París sus composiciones e incluso el tratamiento del color y del espacio se vio renovado por esta influencia, Manet además dio una estocada más a la tradición desayunando sobre la hierva y desvistiendo a una Olimpia, escandalizando a una sociedad que nunca había visto la realidad de una prostituta desnuda y declarada. El impresionismo se subió al automóvil de la modernidad y amaneció un impactante sol naciente, una impresión que un crítico retomó; y tomó cuadro y título para denominar despectivamente una corriente de artistas que nunca aceptaron que se los denominara así: Impresionistas.
El autor de este cuadro de un sol de atardecer es Claude Monet y las manchas lumínicas se apropiaron de ellos y los lienzos, las paletas abandonaron las sombras marrones y se llenaron de azules y violetas, rosas y carnes, de realidad, de cotidianidad y alegría de vivir.
Un sombrero, una bailarina, un reflejo de agua bajo un puente e incluso arreglarse las uñas de los pies, estos momentos fugaces se convirtieron en temas tan importantes y tan dignos de plasmar así como de perpetuar para siempre. Monet investigó profundamente en los efectos y texturas de la luz y los recogió en una serie de cuadros con un mismo motivo ( una catedral o ninpheas) en el que el único cambio era la luz permutadora de las horas de día, la luz en la mañana tiene un registro lumínico más frío que al mediodía donde el calor preside o al atardecer, la ausencia del sol tiene una gama quebrada (grises) que así mismo es cambiante dependiendo de la cantidad de luz a la que las nubes dejen paso. Monet tenía amigos pintores que le acompañaban y se instalaban en cualquier lugar al aire libre que les emocionara y con caballetes de campaña pintaban juntos y juntos unos y otros fueron propagando esta emoción de plasmar lo que veían y lo que sentían interprentando desde una sensibilidad intransferible aquello que entraba por los ojos y salía por un pincel o un trozo de pastel.
Degas, Renoir, Sisley, Pissarro y otros más tarde como Cezanne, Whistler, Caillebotte, Bazille etc, e incluso pintoras como Morisot y Cassat, Gauguin y Van Gogh todos tuvieron además en común primero la influencia y la admiración por los artistas orientales sobre todo los japoneses y todos se vieron ridiculizados por una sociedad que no entendía su modo de ver el mundo y llevarlo a un lienzo, incluso los periódicos escarnecían en tiras y viñetas cómicas su trabajo con frases como la siguiente: Son los colores de un cadáver y por desgracia también el olor...
Ante esta oposición frontal y académica decidieron exponer todos juntos en un salón alternativo que ellos mismos costeaban y que se llamó: El salón de los rechazados. Y así lo hicieron no una sino en varias exposiciones a lo largo de los años.
Es paradójico las vueltas de tuercas que tienen la fortuna, el tiempo y la apreciación sobre el arte, ahora cualesquiera de ellos arrasa en popularidad, en consideración y son tremendamente valorados más que ninguna otra corriente o artistas pasados y presentes pues las exposiciones de sus obras arrastran verdaderos fenómenos de masas, quizá es, quizá la explicación si la hubiera nos la dé Baudelaire, uno de los defensores más acérrimos de estos pintores de manchas, o puntillistas o divisionistas (que depositan pequeños puntos de color para que sea el ojo en la distancia quien complete la imagen y a la vez la combine y el propio ojo con un efecto de crisol mezclará estos puntos y verá contrastes complementarios cromáticos).
Baudelaire escribió:
Que el verdadero pintor será aquel que sepa arrancar a la vida actual su lado épico y hacernos ver y entender, con el color y el dibujo, que grandes y poéticos somos con nuestras corbatas y zapatos de charol o quizá sea además parafraseando a Renoir que en realidad no hablas de pinturas te ves en ellas.

La impresión de un sol es parte de la historia del arte que no concluye con ellos pero éstos son imprescindibles en ella.

Viñeta de Cham. (1877).
Señora, para su retrato le faltan algunos tonos.
¿No podría pasar unos días en el fondo de un río?.

Algunas caricaturas de Georges Randon donde se burlaba de la pintura de Manet.

Hiroshige II, el puente de Kintaikyo en Iwakuni,en Suo, hacia 1895. Obras como esta inspiraron a los impresionistas.

El artista eligió un punto de vista bajo para retratar a su mujer Camille y su hijo Jean dándole a las dos figuras una solemne y estatuaria imponencia en la que el viento levanta la falda y hace agitarse la hierba.
El acantilado de Claude Monet. ( 1873 ).

Las manos de la ambición

2011-03-16T13:04:00.000-07:00

La sangre sirve sólo para lavar las manos de la ambición.
Lord Byron.

La ambición como causa como origen en una doble redundancia en las visiones que el remordimiento mancha de sangre las manos; Lady Macbeth intenta en vano lavar sus manos y hay un río dentro de ellas, una geografía pluvial en un sistema circulatorio de venas azules.
Venas azules y sangre roja, un extraño efecto :¿Qué lo motiva?. ¿Es la estructura de las venas de color azul?
El motivo es la luz, un efecto óptico originado por la propia piel, ésta refleja más luz roja que azul, si sumergiéramos una gota de sangre en un tubo de ensayo cerrado en otro recipiente que contuviera leche, el efecto sería el mismo, nuestra percepción visual nos hace verlas azules aunque nos llegue más luz roja reflejada. Los guantes son necesarios para el trabajo del laboratorio y los guantes preservan nuestras manos del frío. Sutil, distinguida es una mano enguantada, largos hasta el codo deslizados lentamente hicieron sucumbir el erotismo de los años cuarenta en blanco y negro cuando Gilda cantaba: -Amado mío-. Glamour y sofisticación, pero las manos enguantadas no son únicamente un símbolo de clase alta, en lo que se refiere a las artes plásticas resguardan un cicatero interés por parte del retratado y artista. Los pintores solían tener un precio estipulado para plasmarlas ya que esta extremidad nuestra es harto dificultosa de dibujar y pintar, cada mano tenía un precio y si se quería abaratar el coste, la solución era tan sencilla como enfundar una u otra o las dos en un refinado par de guantes.
Hagamos un viaje en el tiempo, a un tiempo tan lejano que se pierde en la memoria de una roca y la impresión táctil en ella, las manos hicieron su primera aparición en las cuevas rupestres de dos formas: una en negativo ( una impresión indirecta ), como un halo que se obtenía expulsando el color por un tubo con la boca como una rudimentaria pistola de pintura posiblemente de hueso; la segunda en positivo
( impresión directa ) impregnando la mano de color.
Rituales mágicos y o en algunos casos se especula que estas impresiones son a modo de firmas de unos primigenios artistas. Sitas en la provincia de Extremadura, concretamente en las cuevas Maltravieso aparecen mutiladas siendo siempre la mano izquierda, los antropólogos han llegado a la conclusión de que pertenecía al mismo autor y que los dedos doblados e impresos es un antecedente de un lenguaje como el de los sordomudos ya que no han aparecido cadáveres mutilados de ese modo. Esta hipótesis revela además que diferenciaban intelectualmente ambas manos, la derecha para el trabajo y la izquierda para el espíritu, dando a la izquierda el color negro. Sobre su tamaño continúan las especulaciones: ¿Son femeninas y masculinas o son por el contrario de adultos y muchachos?.
Otras cuevas importantes en España serían las de Altamira ( Cantabria ) o Tito Bustillo ( Asturias ).
En un profundo cañadón del río Pinturas en la provincia de Santa Cruz (Argentina) se encuentra la cueva de las Manos, estas pinturas rupestres representa de nuevo las manos estarcidas, la traducción que se hace de ellas es la misma que en Europa.
En la escritura jeroglífica aparecen nuevamente como un ideograma y en oriente sus posturas como tipo mudra o bruda hacen referencia a pasajes de la vida de Buda y a sus actitudes mentales; estados contemplativos y místicos para alcanzar un fin último: la iluminación. La cultura mesoamericana y sus manos simbólicas denota esta influencia oriental. El periodo helénico, los estados internos de los seres humanos se vuelcan en un expresivo empleo de las manos, un lenguaje no verbal llevado al teatro. Y ya en el cristianismo la más antigua representación es una mano surgiendo de una nube.
¿Cuál es el por qué de esta elección de una mano como jeroglífico de Dios?.
La razón es que la palabra hebrea iad significa al unísono mano y poder.
El Pantocrator extiende dos dedos ( el índice y el medio) en actitud de bendecir.
El señor feudal sale bajo palio en un recorrido que transcurre de la iglesia a su castillo o viceversa, este palio le resguardaba de la lluvia;
( más tarde fue adaptado para las propias imágenes del culto e incluso algún dictador contemporáneo se paseó bajo su techo ) los campesinos del feudal le saludaban a su paso con un gesto, juntando las manos extendidas y también más tarde este saludo rendido al vasallaje se incorporó al acto de la liturgia, un acto de rezo que implora.

Un colosal bloque de mármol desafiaba al renacimiento escultórico, además de su tamaño ingente este bloque tenía una grieta y ésta era la causa del desafío y del miedo por el que los escultores del cinquencento obviaran la acometida de la roca. El perfil mellado de un escultor ya divino lo observaba, él solía decir que dentro de los bloques ya estaban las figuras y tan sólo era cuestión de quitarle lo que sobraba. Se dispuso entonces a meter las manos en la masa y llevo a cabo el encargo de una estatua colosal del rey David por encargo de la opera del Duomo de la catedral de Santa María dei Fiori.
Encontró el bloque muy dañado por los escarceos frustrados de artistas anteriores, esculpió el celebérrimo Davide con un ligero contraposto, momentos antes de matar a otro gigante Goliath y digo gigante porque el David mide algo más de cuatro metros. El héroe desnudo sin circuncidar a pesar de ser judío ( ésto obedece a razones estéticas y quizá la elección del desnudo se deba también a la tradición griega de que cuanto más bello era un cuerpo humano más se parecía a Dios ) sujeta con una de sus manos la honda, mientras la otra reposa al lado de su pierna con la piedra, tanto las manos como la cabeza no responde a un canon proporcional ya que su tamaño es superior al del resto del cuerpo.
Este manierismo genial hace que nuestra vista se concentre el la acción que va a suceder, su rostro crispado con las aletas nasales abiertas, el gesto de odio que precede a la muerte del enemigo filisteo.
Esta terribilitá del Buronarroti ( carácter y temperamento ) fluía por sus manos a los gestos de sus esculturas y fluía por sus manos al punto o contrapunto de un carácter violento y apasionado que mellaron su perfil ( ocurrido el incidente en una pelea iracunda ). Cuenta la leyenda que cuando finalizó su Moisés le dio un golpe en su rodilla diciéndole: Habla...
Un día lluvioso de febrero sus manos con un gesto invisible se despidieron para siempre de una Roma a la que había servido para hacerla más grande, era un viejo solitario que renqueaba sobre el empedrado y que murió en una modestísima casa del Macello dei Corvi. Condujeron el cuerpo hasta la cercana iglesia de Santi Apostoli y después furtivamente a Florencia. La llegada del cadáver a su ciudad natal desencadenó la emoción de los florentinos, una muchedumbre de hombres que portaban antorchas para alumbrar la noche y llorando honraron espontáneamente saltándose el protocolo su cuerpo y desde aquella noche todo lo que quedó del artista, su cuerpo, memoria y obras está en las manos del poder como estuvo su desdichada vida.

Nuestras manos ejecutan lo que nuestro cerebro piensa y desea, trabajan, expresan y quizá su mayor logro, su mejor evolución táctil el mejor recorrido digital sea el de la caricia.

Pentimentos

2011-03-04T13:00:00.000-08:00

Vale más actuar exponiéndose a arrepentirse de ello, que arrepentirse de no haber hecho nada.

Giovanni Boccaccio.

Julia, Julia, rodada en 1977 es una película del director Fred Zinnemann ( hijo de Gustav Klimt), protagonizada por las actrices Jane Fonda y Vanesa Redgrave cuyo guión está basado en una novela de la escritora Lilliam Hellman, un biopic que narra la historia en un triángulo de dos amigas, la propia Hellman su amiga Julia y la tercera línea del equilátero sería la relación amorosa y tormentosa que Lilliam mantuvo con el escritor de novela negra Dashiell Hammett, la novela de Liliam Hellman se titula Pentimento. Hellmann plantó cara a la hipocresía social americana y la caza de brujas del comité MCarthy que la condenó al ostracismo ya antes prestó apoyo e implicación en la lucha contra los nazis y la causa republicana española.
El pentimento significa: arrepentimiento y básicamente es un término pictórico.
Los pentimentos son aquellos cambios de idea que a veces se perciben en un lienzo ya porque la pintura los transparenta, otros no son visibles sino es sometida la obra a rayos x u otras técnicas. Son pues los cambios en la composición, correcciones de un escorzo, un brazo una pierna en otra posición etc, incluso los análisis en algunas obras han descubierto pinturas debajo de otras, que no guardan relación con lo al final representado, reatifica la autoría de un autor o por el contrario descubre en realidad de que escuela o que autor es en realidad la firma que lleva la obra, famosos son los pentimentos de Velázquez y famoso otro cuadro con un pentimento como el de la familia Arnolfini de Jan van Eyk.

En 1434 Van Eyk recibe este encargo de retrato costumbrista que ha dado lugar a todo tipo de especulaciones sobre si en la estancia se realiza un matrimonio secreto o si por el contrario el matrimonio pone sólo de relieve su status social en una alusión a riqueza burguesa más fertilidad.
En un lenguaje corporal de manos, con una mano el esposo ejerce la potesta y con la otra jura (fides levanta) o bendice, mientras que con la otra sostiene la de su esposa ( fides manualis), ella cabizbaja, sumisa, posa su otra mano sobre el vientre en un embarazo que aún no es real pero que será la culminación de su papel como mujer, parece pues una santificación del matrimonio en la que los roles se adjudican de forma patente.
El cuadro es una de las obras maestras del flamenco primitivo, repleto de símbolos religiosos como las naranjas o el perro, metáforas del paraíso perdido y la fidelitas matrimonial con una minuciosidad propia y del gusto de la escuela mencionada.
Es un estudio de perspectiva en luz y espejo cóncavo, este espejo nos ofrece otra imagen de la estancia y de unos personajes que no aparecen en el cuadro, Velazquez se inspiró en esta composición para su obra las Meninas.
Toma Luis Eduardo Aute, poeta, pintor, cantante, este título para uno de sus trabajos.
Dicen que un rey tenía un acorde secreto, así lo canta Leonard Cohen con la poesía quizás de un pentimento.

He oído decir que había un acorde secreto
que tocaba David y que agradaba al Señor
pero a ti no te importa nada realmente la música ¿ verdad ?
Era algo como esto:
la cuarta, la quinta,
la cadencia menor, la mayor ascendente
el rey confundido y frustrado componiendo Aleluya

Tu fe era fuerte pero necesitabas ser probado
Tú la viste bañándose en el tejado
Su belleza y la luz de la luna te derrotaron
Ella te encadenó
a una silla de cocina
Rompió tu trono, te cortó el pelo
y de tus labios borró el Aleluya

Tú dices que tomé el Nombre en vano
cuando ni siquiera conozco el Nombre
pero si lo hice, bueno, realmente ¿ qué sería eso para ti ?
Hay una llamarada de luz
en todas y cada una de las palabras
No importa cual oyeras
el Aleluya santo o el quebrantado

Lo hice lo mejor que pude que no era mucho
No pude sentir así que intenté tocar
He dicho la verdad.
No vine a engañarte e incluso aunque todo fuera mal
permanecería delante del Señor de la Canción
sin nada en mi lengua salvo Aleluya

2011-02-27T11:56:00.000-08:00

De los cabellos de oro fue tejida la red, que fabricó mi sentimiento.

Garcilaso de la Vega.

Cuando llega la noche tras el velo del tiempo brilla una cabellera de estrellas ofrecida a Venus, un voto de una reina, una elegía que Berenice (esposa de Ptolomeo Evergetes) prometió a la diosa su cabello si su marido volvía victorioso de una expedición bélica, ocurrió así; pero al día siguiente los cabellos desaparecieron del templo.
Colon de Samos, astrónomo, descubrió una constelación de siete estrellas y creyéndola el robo de la diosa la bautizó como: La cabellera de Berenice. Calímaco el poeta y bibliotecario alejandrino escribió sobre un papiro su obra más importante que toma el título de esta constelación de estrellas y que es conocido por la imitación de otro poeta latino, Catulo.

Berenice muere en el blanco papel en un cuento gótico de Edgar Allan Poe y otra melena guarecida en un cajón secreto lleva a una locura enamorada al protagonista de otro relato que Guy de Maupassant tituló : La cabellera.
Eros es un dios caprichoso que dota al pelo femenino de las ondulaciones del deseo y cómo tal ha pasado a otras culturas ( judía, musulmana, cristiana) que la han convertido en símbolo de pureza, recato, expolio o pecado. Aún en la actualidad velan los velos el oscuro pelo de las huríes y odaliscas que sólo se ofrecen largos y desnudos al único disfrute del esposo moro. La judía y la cristiana recataban su pelo, se lo recogían cuando se desposaban pues la cabellera suelta y exhibida se unía a la metáfora de virginidad. Se convertía en expolio en la imágenes de las Magdalenas que además muestra un pecho desnudo en un símil de pecado y arrepentimiento. Frida Kahlo se cortó su cabello y se vistió de hombre con un traje en que el dolor la desproveía de femineidad. Sisi la emperatriz del imperio astro-húngaro es plasmada luciendo su impresionante cabellera para el disfrute solitario de su majestad y cónyuge Francisco I.

La madonas, representaciones de la madre de Jesús muestran la soltura de los cabellos como un atributo más de lo inmaculado, famosas son las inmaculadas concepciones de un artista hispalense; Baltasar Esteban Murillo, la Inmaculada Concepción es un dogma de fe, en el que se trasmite que María la madre de Cristo, no fue alcanzada por el pecado original y concibió a su hijo además siendo doncella núbil.

El cabello arropa como un vestido cuando una leyenda medieval, Lady Godiva, pasea desnuda para aliviar a su pueblo de los impuestos con los que su esposo, el conde Leofric, castigaba a sus vasallos, ella conmovida por la miseria del habitantes de Coventry le pidió a su marido que los liberara de su cruel ambición y él accedió a cambio del paseo mencionado; Godiva puso tan sólo una condición que las calles estuvieran desoladas, las puertas y ventanas clausuradas. En el pueblo de Coventry hubo tan sólo una excepción, un sastre ( Peeping Tom, el mirón Tom) que no se resistió a mirar a su señora por un agujero en la persiana pero pagó cara su curiosidad quedándose ciego, desde entonces su nombre pasó a designar en el idioma inglés, lo que en castellano llamamos mirón y en francés voyer.

Esta lady dulce y medieval es paseada por los colores románticos del prerrafaelista John Collier. La hermandad prerrafaelista fue un grupo de pintores y poetas ingleses que se rebelaron contra el academicismo que imperaba, los prerrafaelistas acusaban a pintores anteriores como Joshua Reynolds miembro de la academia de bellas artes, de una total falta de sinceridad, de una elegancia insustancial y de estar influidos por el manierismo ( a la manera ) de Rafael y Miguel Ángel. Rechazando todos estos postulados artísticos anteriores; Millais y Dante Gabriel Rosetti ( influido éste por otro poeta y pintor William Blake ) son algunos de los artistas que retornaron a los colores del renacimiento, cuya temática historicista rescataba la leyendas arcaicas, medievales e incluso el clasicismo de Roma y Grecia como en el caso de Lawrence Alma-Tadema.
Un renacimiento a las fuentes de la inspiración servidas por la naturaleza, al pasado y la libertad como consigna romántica.
Las venus de Ticiano vuelven a los tonos de la vida con una llamarada de cabellos dorados o negrísimos y malditos adornados con flores del mal.
La cabellera
¡Oh vellón, que rizándose baja hasta la cintura!
¡Oh bucles! ¡Oh perfume cargado de indolencia!¡Éxtasis!
Porque broten en esta oscura alcoba
Los recuerdos dormidos en esa cabellera,
La quiero hoy agitar, cual si un pañuelo fuese.
Languidecientes asias y áfricas abrasadas,
Todo un mundo lejano, ausente, casi muerto,
Habita tus abismos, ¡arboleda aromática!
Tal como otros espíritus se pierden en la música, El mío, ¡oh mi querida!, navega en tu perfume. Lejos iré, donde árbol y hombre, un día fuertes. Fatalmente se agostan bajo climas atroces; Firmes trenzas, sed olas que me arranquen al fin.
Tu albergas, mar de ébano, un deslumbrante sueño De velas, de remeros, de navíos, de llamas: Un rumoroso puerto donde mi alma bebiera A torrentes el ruido, el perfume, el color; donde naos surcando el oro y el moaré, Abren inmensos brazos para estrechar la gloria De un puro cielo, donde vibre eterno calor. Y hundiré mi cabeza sedienta de embriaguez En ese negro océano, donde se encierra el otro,Y mi sutil espíritu que el vaivén acaricia Os hallará otra vez, ¡oh pereza fecunda!¡Infinitos arrullos del ocio embalsamado!
Oh cabellos azules, oscuros pabellones Que me entregáis, inmensa, la bóveda celeste; En las últimas hebras de esas crenchas rizadas, Confundidos, me embargan los ardientes olores del aceite de coco, del almizcle y la brea.
Durante edades, siempre, en tu densa melena mi mano sembrará perlas, rubíes, zafiros, para que el deseo mío no puedas rechazar. ¿No eres, acaso, oasis donde mi sueño abreva a sorbos infinitos el vino del recuerdo?

Charles Baudelaire.

El grano de arena

2011-02-13T07:37:00.000-08:00

La belleza, como el dolor, hace sufrir.
Thomas Mann

Un cuerpo extraño o un grano de arena se introduce en el interior de una ostra produciéndole dolor, el dolor que se convierte en una esfera más o menos irregular nacarada, una perla de matices grises, negros o blancos iridisados, es el dolor más belleza de Mann.
Una perla peregrina, una joya famosa y de leyenda que un actor regaló a una actriz como prueba de amor en dos anillos de boda. Liz Taylor es la dueña de esta perla con forma de lágrima, Richard Burton fue su marido en dos ocasiones y el oferente de la perla. El caniche de la actriz afiló sus dientes sobre ella con lo que la peregrina presenta una hermosura con muescas.
Son la perlas desde siempre símbolos de riqueza, los nobles y reyes adornaban con ellas sus coronas, collares y vestidos en lechos de tafetanes y sedas escarlatas.
Escarlata o Scarlett Johansson protagoniza la película de Peter Webber, la joven de la perla, según el best-seller de Tracy Chevalier.
La joven de la perla es un conocidísimo lienzo pintado en Delf (Holanda) hacia el siglo XVII por un artista, Johannes Vermeer, que buscaba la luz en el interior de la intimidad, un artista que pintó poco en realidad abrumado por una prole vasta.
Licencias de imaginación se tomó Tracy para la trama de su libro, pero este cuadro de una joven con tocado oriental nos muestra tres cuartos de su cara y tres puntos de luz poética en su mirada, sus labios y la perla. Nos imaginamos su movimiento, el giro de cabeza en esta joven para la que los estudiosos del arte impulsan la idea de que ella es una de las hijas de Veermer a punto casarse y la perla un símbolo de castidad e inocencia.
Un fondo negro la envuelve cómo una cámara oscura que Veermer utilizaba; negro como otra perla, la de un relato de John Steinbeick y otros cuentos de perlas orientales que escribió un suicida en el sol naciente,Yukio Mishima.
De nuestro dolor quisiéramos la irritación a un grano de arena convertido en perla.

El viejo par de botas

2011-02-04T11:02:00.001-08:00

Si se piensa bien, hay muy pocos temas. Y estos se repiten constantemente de Venus a Cupido que se hacen la virgen y el niño, de la virgen y el niño se hacen madre e hijo; sin embargo es siempre el mismo tema. Tiene que ser maravilloso encontrar un tema nuevo.
Van Gogh por ejemplo. Una cosa tan poco corriente como sus patatas, !Haber pintado eso!-o sus viejas botas eso si que fue algo maravilloso! Picasso.

Sobre este viejo par de botas se abrió una polémica filosófica, la originó Martin Heidegger y le sirvió de inspiración para su tesis "el origen de la obra de arte" en los años 30 del pasado siglo.
Estimó que el calzado de Vicent eran las botas raídas e hinchadas por el trabajo de una campesina y que con ello quería expresar el esfuerzo de su trabajo.
30 años después el historiador del arte Meyer Sahapiro contradijo a Heidegger y a su juicio, pertenecían a un urbanita y que no eran otra cosa que un autrorretrato de Van Gogh.
Continuo el debate diez años después con el filósofo francés Jacques Derriba, sosteniendo que los zapatos no formaban un par sino que pertenecían a un juego distinto.

Paul Gauguin relataría que Vicent guardaba ese par de viejas botas en su estudio y cuando le preguntó que para que quería ese pingajo ( él consideraba a Vincent como un loco) ; le contó que era hijo de un pastor y que él mismo había estudiado teología y siendo muy joven sin decirle nada a nadie se marchó a Bélgica para predicar el evangelio a los trabajadores no como le habían enseñado, sino como él lo entendía,
Jesús amaba a los pobres y que esas botas soportaron muy bien el viaje.
Mientras predicaba a los mineros de Borinage, hubo una explosión de grisú, una de las víctimas tenía tal grado de quemaduras, cicatrices y mutilaciones que Vincent se dedicó a su cuidado en cuerpo y alma, como una amorosa madre hasta al punto que salvó su vida.
Las cicatrices del hombre que como un resucitado por sus desvelos, se le antojaron a Vincent las cicatrices de una corona de espinas y tuvo la visión de Cristo, de su corona, esa era la razón por la que no se había desprendido de las botas (como una reliquia) que llevaba puestas cuando tuvo la visión, Jesús mora en lo más profundo de nosotros, así lo sentía.
Gauguin concluyó el relato:
"Y Vincent tomó de nuevo el pincel y en silencio continuo trabajando junto a un lienzo en blanco, yo mismo tuve la visión de Jesús predicando amorosa y humildemente.

Suscitó, suscita porque razón Vincent pintaba sus viejas botas, una pequeña obra de 36 por 46 centímetros, un par de zapatos para caminar por el misterio de las noches en la que cuando sentía la necesidad de una religión salía a pintar las estrellas.

Amurallar

2011-01-25T06:12:00.000-08:00

Ábila con b la circunda una muralla medieval cuyo origen remoto es romano, está considerada como un símbolo universal y patrimonio de la humanidad, es el recinto
medieval mejor consevado de España y probablemente de toda Europa. Intramuros Ávila es una ciudad de mujeres, la primera fue Jimena Blázquez siendo la mujer del alcalde fue nombrada gobernadora ante la ausencia de éste mismo y la guarnición armada que habían salido hacia el puerto de Mega. Enterados los moros de la ausencia de los soldados decidieron asediarla, Jimena la víspera del ataque, sin poder pedir auxilio tramó la siguiente estratagema: vistió a todas las mujeres de soldados con teas encendidas las mandó ocupar las almenas de la muralla, tocar las trompetas y gritar como si fueran guerreros. La propia Jimena participó desde la Puerta de San Vicente y los moros al ver ésto se detuvieron, sin atreverse a acercarse y se retiraron, creyendo que habían quedado soldados en la ciudad. "Desde entonces las mujeres abulenses tuvieron el privilegio de participar en las reuniones del Ayuntamiento”.
Tiempo después una alma vehemente y apasionada habitó con hábito y habita la ciudad amurallada viviendo sin vivir en ella... su nombre es Teresa de Jesús reformadora de la orden del carmelo y una de las plumas mas imaginativas del siglo de oro, santificada encontró quizá en la religión lo que los desposorios le negaban.
Curiosamente ciertas ciudades toman a sus personajes o monumentos insignes para la elaboración de dulces famosos, como las yemas de Santa Teresa, etc.
Se dice que la extensión de la muralla abulense es la segunda en importancia después de la muralla china que es la más larga y famosa.
Otros muros y murallas: Muralla de Adriano, Inglaterra, La Línea de la Paz, Belfast (Irlanda del Norte), Muro de las Lamentaciones, Jerusalén, Israel, Los muros de Constantinopla, Estambul, Turquía, Murallas de Dubrovnik, Croacia, el muro de Berlín que fue derruido hace 20 años, la serpiente de grafitti que es el muro de Gaza, Murallas de Sevilla etc.

MURALLAS
Sin consideración, sin piedad, sin recato
grandes y altas murallas en torno mío construyeron.
Y ahora estoy aquí y me desespero.
Otra cosa no pienso: mi espíritu devora este destino;
porque afuera muchas cosas tenia yo que hacer.
Ah cuando los muros construían cómo no estuve atento.
Pero nunca escuché ruido ni rumor de constructores.
Imperceptiblemente fuera del mundo me encerraron.

Constantino Cavafis.

Construimos muros para defendernos de nosotros mismos, muros exteriores e interiores que amurallen la fragilidad, la vergüenza, que pongan distancia geográfica y espiritual entre seres humanos.

El asiento de la parte de atrás

2010-12-31T10:47:00.000-08:00

"En la historia del mundo, aquellos que han ayudado a construir la misma cultura no son necesariamente de una sola raza, y todos los de una misma raza no han participado en una sola cultura.”
Ruth Fulton Benedict

Seguramente aquel día de diciembre en Montgomery (Alabama) ella estaba cansada y seguramente no tenía ganas de levantarse a causa de la fatiga física, eso dijeron... claro una pobre costurera y para más inri negra. Corría el año 1955, Rosa Park se negó a ceder el asiento a un blanco a instancias del chófer del autobús y trasladarse a la parte de atrás que es donde los negros podían o mejor estaban relegados a viajar en los transportes públicos; y siguió negándose a obedecer, por lo tanto fue encarcelada por perturbar el orden público y condenada a pagar una multa de catorce dolares.

Ya en julio de 1944 Irene Morgan Kirkaldy al volver de visitar a su madre en Virginia tras perder un bebé y recuperarse, ocupaba su lugar en el espacio destinado a los viajeros de color, aún así fue “conminada” a cederle el asiento a una pareja blanca, se negó y disuadió a otra mujer con un niño sentada a su lado, a que no se levantara, cuando le presentaron la notificación de arresto, la rompió y la arrojó por la ventana, pionera... pero volvamos a Rose Park este incidente nimio encendió una llama que por entonces un desconocido pastor bautista, Martín Luther King, tomó como testigo y condujo la protesta de los autobuses públicos de Montgomery. Fundó la asociación la National Association for the Advancement of Colored People.

La gente de color tenía prohibido el acceso a piscinas, escuelas, restaurantes y numerosos servicios públicos.
Luther King (premio nobel de la paz, 1964) dirigió la marcha pacífica de 200.000 manifestantes por el trabajo y la libertad ante el monumento de Lincoln, (que Malcoml X criticó llamándola : la farsa de Wasingthon) donde pronunció su celebérrimo discurso ”Yo tengo un sueño”. Y nada tenía de sueño la segregación del pueblo afroamericano, el Ku Klux Klan incendiaba Mississippi y todos los estados del sur confederado, King fue asesinado más tarde, pero eso es otra historia.
Volvamos al comienzo, Jonnie Carr amiga de Rosa Park y activista tenía también un sueño que su hijo Arlam jr y otros niños negros pudieran acceder, beneficiarse de una educación sin discriminación en los colegios de Alabama y lo consiguió tras un largo camino de implicación y dedicación.
En 1960 Ella Baker destacada activista, reestructuró una reunión de la que surgió “el comité coordinador estudiantil no violento” y “Pasajeros por la paz y la libertad”.
Su discurso “Más que una hamburguesa” exhortaba a la audiencia a reflexionar y tomar postura sobre la discriminación racial en términos más generales.

Activismo -no violento- con viajeros hacia el sur más profundo, para terminar con la segregación en las terminales de autobuses; un asiento llamado libertad.

El Ku Klux Klan atacaba a estos viajeros golpeándolos y agrediéndolos de forma brutal.
Tres jóvenes voluntarios del grupo “verano por la libertad” dos blancos y un negro, fueron asesinados en Mississipi (años más tarde Alan Parker, relató estos hechos en su película: Arde Mississippi , 1988) por los capirotes de la supremacía blanca, los KKK quemadores de cruces y asesinos de inocentes desde 1865.
Todas ellas tuvieron un ansia que materializaron al esfuerzo en la rebeldía pacífica para que el pueblo afroamericano viviera y tuviera la oportunidad obtener una vida sin marginación, sin discriminación de raza.
Toni Morrison (premio nobel de literatura 1993) es la primera escritora negra que consiguió esta distinción, y el único nobel vivo en Estados Unidos. De clase media baja, estudió humanidades en Howard y Cornell, seguida de una carrera académica en la Texas Sothern University, enYale y desde 1989 una cátedra en la universidad de Princetow.También ha trabajado como editora en la Random House, numerosas conferencias públicas, especializada en literatura africana-americana. Debut en la literatura en 1970, se dice de ella que es la principal cronista de la epopeya de una etnia castigada, testigo de los grandes cambios que se han efectuado en su país.
Su obra relata la esclavitud el padecimiento por no tener los ojos azules y unas facciones de muñeca blanca, narrado en uno de sus primeros libros : (The Bluest Eyes). En Beloved (1987)narra las retaguardias familiares... es la historia de una esclava que encuentra la libertad, pero mata a su hija para librarla del yugo de la sumisión, fue - Premio Pulitzer. Jazz (1992) y Jugando en la oscuridad, son otras de sus obras.
La canción de Salomón es uno de los libros favoritos del actual presidente Obama, al que ella ha apoyado como candidato, en una entrevista años atrás ha declarado; que está convencida de que Obama representa una nueva actitud que lo invade todo, el inicio de algo nuevo, y que le ha votado porque esta muy preparado y por los cambios que proponía, no porque sea negro, es escéptica y realista cuando nos dice que puede que la decepcione.

-No me llama cada día por teléfono para preguntarme; Toni, he pensado emprender esta medida, ¿a ti que te parece? .No vivimos en un mundo perfecto.-

En su nueva novela continua hablando de los no- libres y va a descubrirnos que había esclavos de raza blanca .

- Quizá la esclavitud no es una institución formal, pero sí existe la absoluta falta de libertad que no es lo mismo.

Añadiría que el clasismo, la xenofobia, impone aún servidumbres, que padecemos, que toleramos y que contemplamos a diario en donde el racismo tiene todos los colores, todas las patrias e incluso aunque muchos se declaran en su contra les es imposible asimilar que un día uno de sus hijos les diga: Adivina quien viene a cenar esta noche...
El primer presidente George Wasingthon era dueño de una plantación de esclavos, hoy Obama se sienta en esa misma silla del capitolio porque una mañana Rose Park se negó a sentarse en el asiento de la parte de atrás.

Como veletas

2010-12-20T13:09:00.001-08:00

Cuando no sopla el viento, incluso la veleta tiene carácter.
Stanislaw Jerzy Lec.

Las veletas coronan los techos y adornan los campanarios, veletas o giraldillos que indican la dirección del viento y los puntos cardinales. Fabricadas de metal, hierro o de cobre cubiertas algunas de una capa de oro.
Utilizadas desde la antigüedad, la torre octogonal de Atenas contaba con una de ellas.
Las figuras antropomórficas suelen ser motivos característicos siendo el gallo su mayor representación.
¿Qué ha hecho que el gallo sea la representación por antonomasia?
El símbolo del gallo deviene del culto a Zoroastro y sus seguidores los mazeistas cuyo origen es iraní (familia indo-aria) colocaban este animal en lo alto del cielo como anunciador de luz, más tarde pasaría a las hadiz ( narraciones) del islamismo, en los viajes de Mahoma a la ultratumba.
Absorbido por el cristianismo en el periodo románico, el gallo anuncia la resurreción; el triunfo contra el averno y el demonio, simboliza además las tres negaciones que el apóstol Pedro hizo a Jesús después de la última cena, este hecho ha sido representando en las artes plásticas numerosas veces entre otros por Caravaggio y Rembrandt, de ahí que esta figura simbólica se incorporara a las iglesias, abadías, una veleta famosa es el giraldillo que remata la Giralda de Sevilla.
En la catedral de Oeringhen se conserva un códice con un poema anónimo del siglo XII que traduce el significado de la veleta:

e Dios es el gallo digna criatura
y él es del presbítero típica figura
sobre el templo el gallo, contra el viento erguido
alza la cabeza y está prevenido
así el sacerdote, cuando el diablo venga,
por su grey pelee y al dragón detenga
El gallo es el único entre las aves
que oye de los ángeles los conciertos suaves
y nos amonesta a que mal no hablemos
y que los celestes misterios gustemos.

COMO VELETAS
poema de Oscar Portela

Solísimas, traídas y llevadas
Hacia ninguna parte, señalando
La Nada, la herrumbre, la Soledad,
El infinito viento de la tempestad
De un tiempo que todo rayo
Convierte en nada, nada, nada...
Así nuestra alma, chirríate, como una
Veleta solitaria, de una plaza
Insomne, abandonada, de un templo
Con voces apagadas y con umbrales
Pálidos y cirios consumidos,
Así las huellas marcando un ángulo
Dirigido como triste veleta
Hacia el rumbo de vientos
Que abren preguntas acerca del
Destino, mientras vosotras veletas,
Como insomnes testigos, abandonadas ya
Como serán las huesos del mortal,
al barro y a las sombras
Custodiáis las costumbres,
Las hórridas horas de la vida,
Sus secretas penurias
Y el agua que, como a vosotras, solitarias
Veletas no conduce
Hacia las últimas moradas, las soledades
Últimas que nos pondrán a salvo
De la feroz incuria del vivir.

El puente del tiempo

2010-11-06T08:59:00.001-07:00

La amistad es como un puente invisible que se construye por dos lados, hecho con los mismos contrapesos, cuando se cruza tiene en un punto medio la algidez del encuentro, la ubicuidad solar.

Sábado 30 de octubre.

Querido Cesar:

-¿Fuiste marino no es cierto y en un momento de tu vida lo dejaste todo para ser pintor?.-

No no soy marino. De chico quise serlo...! Estudié Cs. Económicas. Pero siempre me gustó el mar, los barcos. De niño volaba mi imaginación al escuchar “el mar” de Debussy o “ Una barca en el océano” de Ravel. Ahora me conocen como pintor de temas portuarios. Siempre los barcos..!
Los que cruzan este líquido amniótico del útero materno, nuestra Madre Tierra.

Cuéntame -¿A qué edad empezaste a pintar, quienes o quién fueron tus maestros, consideras que pintar al aire libre fue fundamental en tu formación como artista?.-

Empecé a pintar con doce años. Al morir un tío materno pintor. De él heredé mis primeros pinceles y óleos “Rembrandt”, mi primera paleta que utilizo actualmente, mi primera caja de pintor, mi primer caballete de campaña.
Entre los catorce y quince años tomé clases de pintura con Pedro Roca y Marsal, un barcelonés de alma sensible, de quien guardo el más hermoso y afectuoso recuerdo.
Por esta época comencé a frecuentar el barrio de la Boca, a orillas del Riachuelo. Con sus casas y galpones a orillas del río, con sus remolcadores y barcazas de cabotaje, con sus olores a trabajo y a puerto, con algunos viejos inmigrantes genoveses que aún conservaban su idioma dialectal. Con el colorido que supo darle al barrio Benito Quinquela Martin, un pintor que vivió siempre en la Boca y que plasmó en telas de gran tamaño, el hormigueante trabajo del hombre del puerto y sus barcos, con luz y vigoroso color. Tuve el gusto de conocerlo y de tener una foto suya dedicada a mí cuando tenía apenas dieciséis años..!
Conocí a muchos pintores, entre ellos yo era el más joven. Otro de ellos es Óscar Vaz ( de ascendencia española ) fue se puede decir mi segundo maestro en pintura al aire libre y también guardo de él, agradecimiento, gratos recuerdos y afecto.

-¿Buscas en las atmósferas del puerto de Buenos Aires los quebrados en gamas grises, los reflejos quietos como espejos, el óxido de los barcos, las gamas azuladas dime César por qué?.-

Hace unos tres años tuve una crítica de Fermín Fevre, a quien nunca conocí, que elogió mi pintura y sobre todo el clima que trato de expresar en ellas.
Sí me atraen los grises y lo óxidos, los óxidos tal vez muestran el paso del tiempo, el deterioro inexorable de todas las cosas. Como cicatrices que dejan la lucha por la supervivencia. Cicatrices que se deben mostrar con orgullo no ocultarlas.
También los colores cálidos y vivos a “pleno sol” (ahí tiene mucho que ver mi admirado Sorolla).
Me considero más un pintor pasional que pensante. Será por eso que según mis estados de ánimo, me anime a encarar los grises o los colores vivos.
Un abrazo César crucemos el puente en otra hora.
Otro abrazo para vos.

Lunes 1 de Noviembre.

Mi querido César:

-¿Por tanto entonces la inflexión en tu obra estaría dada más en el color, que en la línea o en la composición, no pienso que la descuides, pero sí que es una búsqueda perpetua de la luz?.-

Así es. Me fascina la luz y la incidencia en los colores, Como te decía no sólo me gusta la luz a pleno sol, también la luz de los días grises. Siempre me pregunté si tendrán color los objetos en total ausencia de luz. En teoría no, pero me cuesta imaginar un “no color”.

Observo en tu obra cierta melancolía o nostalgia.-¿ Te consideras un romántico en el sentido del término, es decir adscrito a la corriente del romanticismo?.-

Pues si bien tengo un carácter amigable, alegre, hay ciertas cosas que logran pulsar una cuerda interna que nos pone nostálgicos, melancólicos. Puede ser una frase, un acorde musical, una escena.
En música logran ese efecto Erik Satie y Debussy. Dos románticos por cierto. También algunas arias de ópera de Puccini. Me considero un romántico en la percepción del mundo, en la manera que impacta en mis emociones, Adhiero sí al impresionismo, sobre todo al impresionismo español.

-¿Has pintado a lo largo de los años o por el contrario lo retomaste después de intervalos en el tiempo?.-

Alrededor de mis veinte años dejé casi de pintar. Las causas: la universidad, el trabajo, el noviazgo.
Pintaba esporádicamente. Retomé la pintura con total énfasis, luego de la muerte de mis padres y de mi divorcio, ocurridos en el lapso de tres años, cuando ya estaba en los 40. Fueron acontecimientos duros a los que hay que agregarles que los cuarenta años es una etapa clave en la vida pues estamos a mitad de camino y además la crisis económica en Argentina (siempre tenemos una a mano...!) que me dejó sin trabajo.

-¿Tienes algún ritual para pintar, (de cualquier tipo), es decir necesitas música, sueles disponer los colores de una forma determinada, se te hace necesaria la luz natural o pintas por la noche, te tomas café o...?-

No necesariamente. Puedo poner música. En la música veo colores, luces, sombras, empastes y veladuras. Pienso que componer un cuadro es como componer una sinfonía.

Nota al margen* La sinestesia es la mezcla de varios sentidos, un sinestésico puede oír colores, ver sonidos u olerlos y percibir incluso sensaciones gustativas al tocar la textura en un objeto, ver colores en las letras o en los números, la depresión puede aumentar esta percepción, se produce de forma natural en ciertas personas, los psicotrópicos como la mescalina o el LSD pueden producirlos, en el arte la sinestesia es una figura retórica que entremezcla las sensaciones de los sentidos físicos con los sentimientos, especialmente en el simbolismo, Arthur Rimbaud escribió un soneto adjudicándoles a las vocales un color distinto, el modernista Rubén Darío mezclaba en su versos gusto más vista, seguida por Juan Ramón Jiménez que la amplea más asiduamente continuada y llegando a su máximo esplendor por los poetas de la generación del 27.

Dispongo los colores como me enseñó mi maestro Roca y Marsal. Paleta rectangular: el blanco en el ángulo superior izquierdo, los cálidos a lo largo del borde superior, empezando por los más claros a la izquierda (amarillos, ocres, tierras, rojos, lacas oscuras) y los más oscuros a la derecha.
Los colores fríos a lo largo del borde izquierdo empezando por los más claros y terminando por el azul ultramar. La mano lleva automáticamente al color elegido, cuando te acostumbras.
Puedo pintar tanto de día como de noche. De noche hay que tener más cuidado con los violetas, azules y amarillos, pues se ven distintos con luz diurna, suelo fumar mientras pinto.
Un abrazo querida amiga mientras espero tu próximo mail.

Jueves 4 de Noviembre.

César querido:
Pues ya tenemos otra cosa más en común, yo también fumo, lo dejé varias veces y volví a recaer.
Dijo Bernard Shaw, dejar de fumar es fácil...! yo debo haberlo dejado unas 50 veces en mi vida.

-¿Eres más bien un impresionista o un luminista?.- El luminismo es la última corriente del impresionismo o neoimpresionismo cercana al fauvismo, seguida por los belgas, holandeses y asi mismo por los españoles con nombres como el citado por ti, Sorolla o Teodoro Andreu, Francisco Benítez Mellado, etc. Caracterizada por grandes manchas, la mancha como excusa lumínica.

Pues entonces soy un iluminado...digo, iluminista....! que no es lo mismo.

-¿Pintas con total libertad sin presiones del mercado, buscas la obra, el lienzo, ese cuadro soñado que nunca se pinta?-.

Al vivir de la pintura, desgraciadamente se está sometido de alguna forma al mercado. Yo les digo a los galeristas (que muchas veces son malogradores de pintores) “ el pintor pinta lo que vende, el artista vende lo que pinta...!”.
Hay sí ese cuadro soñado que siempre se nos escapa, como un espejismo.

Háblame de Buenos Aires, tu ciudad o de los escenarios paisajísticos de tus cuadros, creo que además de su luz, tiene su sabor, su tacto, su aroma, su espíritu...

Que te puede decir de Buenos Aires...! Alguien dijo que es una mala fotocopia de Europa. Sus estilos arquitectónicos son variados, hay palacios de estilo francés, español e italiano. Dicen los españoles residentes aquí, que en la Avenida de mayo, se sienten en Madrid. Si caminas por el barrio de la Recoleta, verás algunas similitudes con París. No por nada la colectividad española se reune en Av. De mayo y en la recoleta está Plaza Francia.
Mi barrio era más lindo hace muchos años, ahora es un barrio de edificios de veinte pisos.
La Boca, era un barrio de inmigrantes genoveses marinos y mecánicos de motores navales. Muy pintoresco con casas habitadas y galopones a orillas del Riachuelo, río que desemboca en el río de la Plata. A propósito de este río tan ancho ( su parte más angosta mide 45 km) y de color león (Juan Díaz de Solís, al descubrirlo lo llamó Mar Dulce), es una pena que la ciudad mira al interior y le da la espalda al río...!

Los personajes que incluyes en tus composiciones no son los protagonistas forman parte del panorama, es decir no es una narración pictórica costumbrista, son un flash sobre el paisaje pero lo que permanecerá es éste último. ¿Estoy en lo cierto?.

Sí mi señora...! son parte del panorama, lo encandilecen.

Y por último dime lo que quieres sobre ti, sobre ese veneno que es el arte.

Sobre mi...hmmm! Que mi abuela me adoraba, tanto como yo a ella...! se llamaba Plácida Florentina...
Sobre el arte... que complicado. El hombre primitivo fue cazador, guerrero y artista. Cazó el bisonte, protegió su tribu y pinto admirablemente. Tal vez antes de pintar creó música, como forma de comunicarse, usando su voz y un tronco hueco. Después mucho después fue ingeniero, contador, escribano, etc, etc. No concibo la vida sin arte. Debe de ser una forma de comunicarnos con el prójimo con el Universo.

Un abrazo mi querido César Novelletto, pintor, artista, un placer leerte o mejor vislumbrar tu mundo, tu pincel poético, la panorámica interior, rica, sensible, exquisita e inteligente de mi amigo boquense.

El placer es mío amiga astura...! Quedo a tus ordenes.

Al despedirnos este jueves en el puente que una botella etérea parece bautizar con un nombre he recordado esta cita, la sensación, mi emoción al charlar y admirar la obra, la personalidad de mi amigo me deja el gusto de las palabras de Gladys Teber:
Necesitamos tiempo para soñar, tiempo para recordar y tiempo para alcanzar el infinito, tiempo para ser.
Y yo añadiría tiempo para encontrarnos.

El huerto del poeta

2010-10-16T15:17:00.000-07:00

La música del piano abre la ventana que asoma al huerto, Federico toca y Vicenta canta, se muestra el verano a la alegría cómplice, el aire eterno condesado en la pequeña sala. La tapa del piano cerrado clausura la pieza a cuatro manos compartida, Falla y Lorca, en la pared enmarcado, el dibujo conserva los dobleces de la última carta de Salvador, Mariana Pineda borda un bandera.
Se presenta a García Lorca en un lienzo un tanto cabizbajo con albornoz amarillo sobre un mapa de piel de toro, la mirada ausente hundida en la sombra de un romanticismo que sólo existe en si mismo. Si te asomas a la ventana los árboles jugarán al escondite con la luz.
Son las 10:30 en la huerta de San Vicente en la casa de verano de la familia García Lorca, sita en el parque que lleva su nombre en la calle de la Virgen Blanca, la ciudad Granada.
Unas pocas personas aguardan en la entrada, acude la guía en bicicleta, al chico joven se le iluminan los ojos cuando traspasa el umbral, a la derecha un acogedor comedor burgués estilo fin de siglo con la vajilla aún en el platero, los comensales se acomodarían en torno a los progenitores, - de mi madre su inteligencia y de mi padre la pasión -, cuatro hijos: Federico, Francisco, Concha y la niña más chica Isabel.

- A Isabelita le tengo que comprar muchos juguetes preciosísimos - .

Una pequeña habitación adyacente al comedor contiene las vitrinas donde se guardan manuscritos de los versos del poeta en Nueva York, diminutos dibujos, tachaduras, rectificaciones con tinta china negra:

Y tú bello Walt Whitman, duerme a orillas del Hudson
con la barba al polo y las manos abiertas.
Arcilla blanda o nieve, tu lengua está llamando
camaradas que velen tu gacela sin cuerpo.

Duerme: no queda nada.
Una danza de muros agita las praderas
y América se anega de máquinas y llanto.
Quiero que el aire fuerte de la noche más honda
quite flores y letras del arco donde duermes,
y un niño negro anuncie a los blancos del oro
la llegada del reino de la espiga.

Pregunta el chico joven a la guía: -¿Pasaba todos los veranos Lorca aquí con su familia?-
La guía le responde: Todos, a no ser que estuviera de viaje.
- Os echo de menos de un modo intenso, y la huerta de san Vicente se me antoja con aquella divina luz y aquella suave tranquilidad de un paraíso -. Les escribiría en una carta.

-¿Fue detenido aquí?- pregunta otro.
No, fue detenido en la casa de su amigo, el poeta Luis Rosales.

A la planta de arriba se asciende por una escalera con pasamanos de madera y balaustres de forja, su cuarto abocado enfrente, la colcha de ganchillo blanca sobre la pequeña cama tejida por su madre; y enfrente el escritorio tiene un ramo de rosas rosas recién cortadas y una pluma quieta sobre el portafolio con una hoja callada que aguarda, sobre las paredes un diploma, su licenciatura en derecho, un cartel del grupo la barraca; una rueda y una máscara, la vida itinerante de un cómico.
“La barraca es para mí toda mi obra, la obra que me interesa”.
Sobre el cabecero una imagen de la virgen de los Dolores, - a Lorca a no le gustaba el clero ni la religión, sin embargo profesaba devoción por esta virgen-, explica la guía intuyendo el interrogante mudo de varios de los visitantes. El resto de las habitaciones no se visitan.
Al volver a la planta de abajo el grupo repara con más calma en los dibujos del poeta, diseños para el atrezzo, el vestuario de sus obras de teatro, una foto con su actriz fetiche Margarita Xirgú.
La visita finaliza, se cierran las ventanas verdes que oreaban las estancias.
Y al salir por la puerta mixta de cristal y madera parece escucharse un rumor:

“Quiero dormir un rato, un minuto, un siglo;
pero que todos sepan que no he muerto...”

La hoja egipcia

2010-08-15T15:03:00.001-07:00

En la estantería cercana a la ventana un libro capturó mi atención, en su lomo traía inscrito un símbolo extraño, un escarabajo, un círculo, encerrado en lo más tarde supe que era un cartucho, aquel ovalo intrigante entreabrió por entonces una fascinación hacia una civilización arcana, saqué el ejemplar y contemplé su tapa de tela, los símbolos se sucedían e intrigada abrí el libro.

Existen numerosas librerías famosas en todo el mundo, mercadillos, tiendas de saldos, anticuarios donde cazar un libro raro, un incunable, una edición descatalogada, un libro perdido y añorado, son numerosas las librerías, las bibliotecas que se ubican en edificios donde en su origen no fueron destinados para cumplir la función de guarda y custodia de libros. En toda ciudad hay un establecimiento emblemático, una antigua, remozada, alternativa librería. Algunas de ellas han pasado de padres a hijos, custodian historias de vidas reales e impresas, donde transitan fantasmas que se guarecen detrás de los anaqueles.

La librería Lello en Oporto (Portugal) es la más antigua de Europa.

La primera página del libro es blanca y solitaria, mi sensación ante su blancura es el preludio que sucede a la creación, el olor de los libros penetra como un perfume que tiene aroma de fetichismo.
Al abordar la lectura cada uno de nosotros emprendemos una aventura intransferible, hambre de papel, ingestas devoradoras en digestión lenta o rápida, la lectura analítica, intuitiva, imaginativa, cómplice, tatuajes en un antes y un después que imprime su ex libris.
La locución latina ex libris nos remite a una estampa dando la procedencia del soy de... que nos factura a una biblioteca o dueño particular.
El primer ex libris o marchamo conocido se remonta al antiguo Egipto consistía en una placa de barro cocido esmaltada en azul que pertenecía al faraón Amenhotep III. Los ex libris evolucionaron desde su creación hasta nuestro días e incluso artistas muy reconocidos han realizado algunos de ellos.

Al país de los sicómoros lo baña un río azul y blanco un solitario narrador describe una civilización milenaria, enigmática, una casa de la vida y una casa de la muerte, una infancia con trepanaciones por el recuerdo, el faraón presidía el escalafón jerárquico en la sociedad egipcia, era al unísono rey y dios hijo de Amón Ra la principal deidad del antiguo país de Kemi.
Durante milenios se repitió el mismo patrón arquetípico (las formas sustanciales) representando la estatuaria del Dios-Faraón, la ley de la frontalidad divide las esculturas en dos partes simétricas; el hieratismo la ausencia total de expresividad, la rigidez trasmitida. La parafernalia petra transmitida durante milenios, los mismo símbolos y posturas de dominio.
La cobra es símbolo de realeza, la falsa barba de los dioses es ceremonial, el látigo de tres colas dominio; la marca del ombligo unión con los dioses, las manos en puño sosteniendo el sello real indica mando, una mano extendida magnanimidad, sobre el pecho sumisión como así mismo las reinas aferrando un hombro el vínculo (dominadas) que se aferra él, el canon es de 18 puños desde la planta de los pies hasta la punta de la cabeza hasta el imperio nuevo que se amplía a 20 puños.

Los códices presentan los mismos formatos que los libros actuales, páginas separadas unidas por una costura central y encuadernadas aunque el termino códice nos remite a libros escritos a mano abarcando un periodo que va desde la antigüedad clásica hasta el medievo; los primeros códices eran de papiro debido a su fragilidad fueron sustituidos por el pergamino cuyo origen y nombre deben a la ciudad de Pérgamo. Los manuscritos son documentos que contiene información escrita a mano tal y como la palabra indica, una carta actual sería un manuscrito. La piedra Rosetta es una de las más antiguas piezas en piedra manuscritas aunque la paleografía (encargada de reconocer la procedencia y el contenido de ciertos manuscritos) registra a la Suntra del diamante obra puntera del budismo que fue encontrada en una cueva a principio de siglo como el libro impreso más antiguo del mundo. En el 776 el monje Beato de Liébana escribió comentarios del apocalipsis según San Juan en su obra los manuscritos iluminados.
Leonardo da Vinci confeccionaba manuscritos llenos de anotaciones y dibujos que excitaban su ilimitada curiosidad, recopilados por su querido discípulo y heredero Francesco Melzi fueron después de su muerte aglutinados por el escultor Pomponi Leoni que los compiló en varios códices.
Códices: Ashunbunhau, Arundel, Atlántico, Leicester, Foster, Ints. de Francia, Romanof, Trivulziano, Windsor y Vuelo de pájaros. Leonardo buscaba la mecánica de la vida en la naturaleza su constante inspiración y maestra, alguna de sus frases nos dan la visión, la medida con la que tasaba su espíritu: - La pintura es una poesía muda y la poesía es una pintura ciega - o - La belleza perece en la vida pero es inmortal en el arte-.

Estudios de anatomía en uno de los códices de Leonardo.

Durante la decimoctava dinastía por primera y única vez, al arte e iconicidad (nivel de realidad) del faraón dio un vuelco radical, Amenofis IV (cuyo nombre cambiaría con posterioridad por el de Akenatón o Ajnatón) revolucionaría todos los estamentos que componen el estado, la misma religión politeísta fluiría hacia una tendencia monoteista con el dios Atón y la cruz de la vida ( Anj) Tutmes el escultor real comenzó a representar a la pareja real Akenatón (el grato a Atón) y Nefertiti (la belleza que ha de venir) la estatuaria y los frescos se tornarían más naturalistas e intimistas con deliciosas escenas sobre la vida privada de la pareja y sus seis hijas, el busto de Nefertiti que se encuentra en un museo de Berlín es una de las obras maestras escultóricas de todos lo tiempos, el equilibrio de la pesada corona junto con la gracilidad del largo cuello, los rasgos delicados perfilados del rostro irradian una fascinación de la que no escapa ningún contemplador; el herético Akenatón rompe con un estado teocrático de Amón, las instituciones económicas, sociales y religiosas se resintieron e incluso descuidó las fronteras abriéndolas a los invasores hititas sin embargo para el arte supuso choque radical y tremendamente creativo que fue denominado como el periodo de Amarna, nombre así mismo de su nueva capital que creo y trasladó desde la antigua Tebas.
Akenatón el hereje, místico, poeta compuso un himno al sol de Atón:

¡ Espléndido te alzas en el horizonte
Oh Atón viviente, creador de vida
cuando amanece en el horizonte oriental
Llenas las tierras con tu belleza...!

Esta es la primera estrofa de los versos amarnianos, se ha especulado sobre la desaparición del faraón apóstata de Amón (incluso hay teorías de que fue asesinado), con su muerte comenzó una vengativa demolición de su capital, de su culto, del arte promulgado por él; intentando borrar su rastro, un velo de misterio enterrado en la arena a la espera del trabajo de los arqueólogos, la vida y la muerte de un faraón que como cita Christiane Desroches-Noblecourt en el prefacio de su libro sobre Tuthankamen, restituirán al hombre un día en su historia.

La palabra bibliotheque proviene de la Grecia antigua cuyo significado es colección de libros pero ya los egipcios construyeron algunas, aquellas primeras bibliotecas estaban ubicadas en templos religiosos y su cuidado a cargo de los sacerdotes, sin diferencias claras entre biblioteca o archivo sin embargo en el templo de Edfú existe una cámara en cuyas paredes tiene inscritos los títulos de varias obras donadas a las biblioteca, en Tebas varias tumbas dan la existencia de al menos dos bibliotecarios.
Otras famosas serían las de Rey Asurbanipal en Nínive (asiria), en la ciudad Boghazkoi una de origen hitita con 15.000 tablillas catalogadas, pero la más famosa de es la Museion creada por el rey PtolomeoI en la mítica ciudad de Alejandría con traducciones de literatura en egipcio y babilonio.
En el templo de Separis albergaba la otra colección, (el Serapión). El poeta Calímaco ( así como otros muchos) la enriqueció creando un catálogo de autores. La destrucción del Museion ocurrió en intervalos de tiempo, las hordas descuidadas de Julio César la arrasaron por primera vez, Marco Antonio trató de paliar la pérdida regalándole a Cleopatra 20.000 rollos de la biblioteca de Pérgamo. El Serapion fue incendiada por el arzobispo de Antioquía y sus prosélitos cristianos en 391 d.C.
La bibliotecas en Roma. Los libreros llamados bibliopola se servían de esclavos especializados para la transcripción de los textos (servi litterati). En la alta sociedad romana la bibliofilia se impuso, las
editoriales romanas se sucedieron en parte al impulso dado por Pomponio Ático editor y amigo del célebre Cicerón. Los autores no recibían ninguna regalía por su obra a no ser que estuviera dedicada a un hombre adinerado, las editoriales eran muy distintas de como hoy las conocemos.
Existían en Roma bibliotecas públicas antes de que Cesar Augusto creara las más importantes, la Palatina y la Octaviana que eran atendidas por esclavos llamados librarii, un liberto o caballero era el encargado de ellas. Los manuscritos del mar muerto o rollos de Qumr´an datan del siglo 250 a.C. hasta el 66 d.C, son los textos más antiguos que se dispone en lengua hebrea del antiguo testamento bíblico, se ocultaron de los romanos a causa de las revueltas judías en ese periodo. Los documentos de Damasco se guardaban en una sinagoga.
El códice medieval y los biblos son reasumidos por la iglesia cristiana debido a la decadencia de las instituciones paganas con bibliotecas monasterio como la Montecasino o Saint Gall. Se formaron bibliotecas universitarias, la poesía y el cantar de gesta que se propagaban de viva voz florecieron con los juglares y trovadores. El mundo del Islam contaba con las suyas que se ubicaban en las Madrasas, algunas de las más destacadas eran la del Califa Al-Manun en Bagdad o en Córdoba la de Ad-al-Raham. En el renacimiento y ante el invento de la imprenta de Gutemberg las bibliotecas fueron copadas por la realeza y alta nobleza. Gabriel Naudé redactó un celebrado manual de biblioteconomía (el advis pour dreser) para el cardenal Mazarino, realizando numerosas innovaciones que tendrían gran repercusión posterior pero fue la revolución francesa quien popularizó lo que hoy conocemos como biblioteca pública.
En las bibliotecas en oriente (China y Japón) el sistema de escritura chino es mixto con ideogramas y sistema fonético, el sentido de la escritura es comenzando por la derecha de arriba a abajo inscritos en huesos y caparazones de tortuga, rollos de seda, su invento de la imprenta se adelantó al de Europa siglos antes, con la caída del emperador Pu-Yi, alumbró la biblioteca nacional de China una de las más importantes en Oriente.
El progreso y la aparición de nuevas tecnologías contribuyen a la trasformación, evolucionando en bibliotecas digitales.

Biblioteca pública de Praga.

Como viejos amigos los libros aguardan en las estanterías de nuestras casa, la lectura un placer, una necesidad, un vicio, un ceremonial de medianil, regalos en forma de préstamo o de propiedad que nos hacen los familiares, los amigos, aunque los libros no pertenecen a nadie o al menos se quedan con nosotros por un tiempo.
Hace algunos años en un parque próximo a mi casa, un viejo árbol seco y corroído erguía en pie su tronco nervudo con un agujero herida, la curiosidad hizo que mirara dentro y con gran sorpresa encontré un libro, lo extraje, leí el título: El extranjero de Albert Camus, volví otro día encontré otro, me di cuenta entonces que alguien dejaba allí los libros como regalo a cambio tú tenías que llevártelo y dejar otro.
Una tarde volví con mi libro de adolescencia habían cortado el árbol.

Por el corazón del laberinto

2010-06-09T17:38:00.000-07:00

Teseo luchando contra el minotauro.
Periodo minoico.

Entr(e)vista con el laberinto:
Comienzo a escribir un prefacio para un escritor que dice no serlo, es curioso tampoco la que escribe no es otra cosa que una lectora rendida al galeato de sus relatos, que intenta trazar el paratexto emocional, el intimista retrato de un dédalo de papel.
Me ha permitido escudriñarle abriéndose para mi partida en un viaje a Cnosos, más aún llevando mi propio hilo del que deseo desprenderme para no encontrar la salida ni siquiera de emergencia por sus relatos intensos, exquistamente ígneos, de nada te servirán la ruta de ubicación lector que ahora nos lees, será tu itinerario tan ácido, apasionado, imprevisible, asombrado por la inspiración de una espiral de juego eterno, un mandala de personajes en busca de autor.

Contra/radiografía de un no escritor.

Capítulo primero. - Cicatrices -
*(¿Qué pre y sientes al escribir?)

Escribir es a la vida lo que el onanismo al sexo. Se trata de ponerse el disfraz del personaje de turno, meterse en su piel o aún más al fondo, sentir lo que él siente, añorar lo que él añora, amar lo que él ama. Una vez que estás en él, que eres él y vives su vida te das cuenta que eres más tú que nunca. Entonces es el momento de dejarlo, de cerrar el relato cuando comienzan a humedecerse los ojos para no correr el riesgo de que sus cicatrices se abran en ti.

Capítulo segundo. - La busqueda -
*(¿Qué quieres plasmar al escribir?)

Yo no escribo, yo busco. Hay algo común en todos mis relatos, ese algo es la búsqueda. Mis personajes suelen encontrarse en uno de estos estados:
1.Puede ser que hayan perdido algo o a alguien. La pérdida es el primer paso para la búsqueda, porque de ella nace la necesidad de llenar ese vacío, ya sea con aquello que se perdió o con un “producto” sustitutivo.
2.Ocurre frecuentemente que mis personajes están inmersos en esa búsqueda, en un viaje en el que esperan encontrar aquello que más desean.
3.Las menos de las veces, se encuentran en ese preciso momento en el que han encontrado lo que buscaban, poniendo fin de esta manera a sus aventuras y desventuras que, sin lugar a dudas, añorarán, por lo que intentarán averiguar la forma de anular esa pérdida iniciando de nuevo un proceso de búsqueda.
Cuando caí en la cuenta de esto me resultó muy curioso pero, tiene una explicación muy sencilla si analizamos cómo es mi proceso interno de escritura. Siempre he dicho que yo, cuando escribo, me convierto en un Teseo atípico que rechaza la inestimable ayuda de Ariadna y su hilo, adentrándose solo en la oscuridad del laberinto. Escribir, para mí, es esa búsqueda del centro exacto del laberinto y cuando llego allí, el Minotauro levanta la mirada hacia mí para mostrarme mi rostro y mirarme con mis ojos, porque en el centro del laberinto, como no podría ser de otra manera, estoy yo, un yo que habría que poner con mayúsculas o con otro color para diferenciarlo del yo que ha entrado en el laberinto, porque no son los mismos. El inquilino del centro del laberinto, a pesar de vivir entre la estrechez de las paredes del laberinto, es esencialmente infinito, el otro, el buscador, está encerrado dentro de una celda de órganos, músculos y piel.
En definitiva, cada texto, cada personaje, es una excusa para buscarme a mí mismo.

Capítulo tercero. - Palabras -
*(¿Qué es para ti la literatura como lector?)

Es una válvula de escape. Es la degustación de un placer exquisito. Uno se debe entregar a la lectura como a cualquier otro placer, degustando cada segundo, recibiendo pero también ofreciendo, ofreciéndote a ti, tus experiencias vividas, tus deseos, tus gustos para poder paladear con mayor satisfacción aquello que se espera recibir.

Capítulo Cuarto. - Julio -
*(¿Qué representa la literatura en tu vida?

De niño no fui el lector que me habría gustado ser. No descubrí realmente el placer de la lectura hasta la entrada a la adolescencia cuando leí “Entrevista con el vampiro”, aquella novela le encantó al adolescente que era por aquel entonces y quise saber qué pasaba con esos personajes, así que comencé a buscar las secuelas. Mientras las encontraba, fui leyendo cualquier libro que me llamaba la atención. Releí, ya con otros ojos, los libros obligatorios del colegio, busqué a los grandes y otros, como el caso de Cortázar, me encontraron a mí. Mi hermano se inscribió en un curso que organizaba la Universidad para conseguir los créditos necesarios para concluir su titulación. Se inscribió a aquél que mejor le venía por horario. Ese curso se titulaba “Cortazar, el homo ludens”. Cada tarde venía a mí, y me decía: “este curso te habría encantado, creo que te tienes que leer algo de Cortázar porque estoy seguro que te gustará mucho”. No se equivocó. Lo primero que leí fue Rayuela. A partir de ahí, Cortázar y yo nos hicimos amigos inseparables (a ninguno de los dos nos importó que él falleciera diez meses antes de mi nacimiento), aunque yo soy el que siempre escucha atónito al amigo más experimentado.

Epílogo.
Prepárate para leer a …Blas.... te convertirás en su lector impenitente, al menos eso me ha ocurrido a mí; soy su viajera diacrónica e inveterada, te enganchará con sinónimos caóticos en tragedias divinas más que humanas sin dejar de ser verbo apuntalándolo al margen de su misterio con antónimos de cosmos ferroviarios, fumaremos sin gravamen para nuesta salud en su balcón a no ser que.. sucumbamos a los parónimos en una atmósfera de sus bestiarios duales, recitará una rima apócrifa, melancólica, inquietantemente surreal, enardecidos y caústicos son todos los nombres hechos mujer, lo hará de una forma tan fresca, tan nueva, tan antigua que creerás y querrás transmutarte reconocerte metamorfose (arte) por la idiosincrasia de sus protagonistas, mudarte a su piel de camaleón solitario, tendrás que echarle la culpa de transformarte en su lector(a), admirador(a) y amigo(a), de que te clave en el corcho de su universo contradictorio y saldrás (si puedes) abrasado.

Paloma Blázquez *( otra no escritora pero esta de verdad).

Fotografía de Blas Martínez.

http://ellaberintodepapel.wordpress.com/2010/03/

La camelia lúcida

2010-05-30T18:32:00.001-07:00

Camille tenía una pasión que se bifurcó en dos, una locura sostenida en dual, la primera por la escultura, la segunda por un amor.
Camille con luz propia, la escultura a diferencia de la pintura que tiene luz en si misma, necesita de dos fuentes de lumínicas: la propia al trabajar los planos del volumen (salientes y entrantes) y el foco que la alumbra, es tan decisiva esta fuente que recibe que puede tornarla más dinámica o estática, puede restarle o sumarle dramatismo o cualesquiera otra emoción.
Camille Claudel tuvo multitud de dificultades para llevar a cabo su vocación, su familia se oponía a ella, únicamente contaba con la complicidad de su padre, con 20 años recién cumplidos entró en el taller de otro artista para perfeccionarse, el artista escultor era Auguste Rodin.
La escultura ocupa un espacio, es sólida y en ocasiones tridimensional. Un escultor es aquel que sustrae la materia de un bloque para obtener una figura. Miguel Ángel Buonarotti sostenía que la figura ya está dentro del monolito de mármol es cuestión de quitarle lo que le sobra, la lección del bloque era ardua, dificultosa, cuando esculpió el David lo realizó sobre un bloque colosal, nadie antes se había atrevido con el debido a su tamaño y a causa de contar con un defecto, una grieta, pero Miguel Angel nunca se hecho atrás ante un reto.

Rodin estudió y acumuló conocimientos sobre anatomía que más tarde fueron la envidia de sus colegas, al esculpir su edad del bronce fue acusado de hacer el molde de arcilla directamente sobre los modelos para el posterior vaciado. La técnica del modelado en arcilla supone añadir en contraste con la de cincelar (sustraer) sobre materiales duros. Salió airoso de la polémica en parte a la ayuda prestada por amigos influyentes y artistas entre ellos Edgar Degas.
La colocación de las piezas escultóricas es primordial, los autores las conciben para un lugar específico aunque con el correr del tiempo es frecuente que cambien su ubicación y acaben generalmente en un museo.
La distancia entre la pieza y el contemplador debe ser tenida en cuenta de acuerdo con sus dimensiones a veces superior al natural, la perspectiva cambiará pues, otras debido a su minuciosidad u detalles la contemplación deberá de ser más cercana.
El órgano de visión humano se rige por la leyes fisiológicas no ópticas, tenido presente por los griegos clásicos; tanto por los escultores como por los arquitectos, que introducían ciertas alteraciones en las obras con el fin de que el propio ojo haga las correcciones ópticas en las deformaciones para anularlas o compensarlas. Se impone en al espectador el ejercicio en los museos, un suerte de -disjecta menbra- imaginar la figura en su primitivo emplazamiento.

La niña de ojos verdes presta su hálito al barro, su espíritu y emociones modelan, toma como inspiración a su sirvienta Hélene y a su hermano Paul.
Paul Claudel, diplomático y poeta cultivó la poesía lírica, sus poemas oscilaban entre la ortodoxia y el modernismo, el simbolismo y el realismo, llevado por una inquietud religiosa profunda utilizaba los versículos bíblicos en ritmo libre.
-No conocía un solo sacerdote. No tenía ni un solo amigo católico.(...) Pero el gran libro que se me abrió y en el que hice mis estudios, fue la iglesia. ¡Sea eternamente alabada esta madre grande y majestuosa, en cuyo regazo lo he aprendido todo.-

Paul Claudel visto por si mismo.

Camile posa para un novedoso retrato escultura, ¿Qué sintió Rodin cuando la vio por primera vez, que sintió cuando la miró esculpir?
Comienza a colaborar con él en la realización de las puertas del infierno, ¿en que momento se debasta la pasión, se cincela con trépanos las huellas claroscuras del amor?
Fugit amor creada por Camille en este periodo, nada le debe a Rodin, sus obras son originales, con gran encanto femenino y personalidad propia.
La relación se torna más tortuosa, Rodin comienza escribirle misivas:

Mi feroz amiga,
Mi pobre cabeza está muy enferma y ya no puedo levantarme por la mañana. Esta tarde he recorrido (horas) sin encontrarte nuestros lugares. ¡qué dulce me resultaría la muerte! Y qué larga es mi agonía. Por qué no me has esperado en el taller. ¿Dónde vas? cuánto dolor me estaba destinado. Tengo momentos de amnesia en los que sufro menos, pero hoy el dolor permanece implacable. Camille mi bienamada a pesar de todo, a pesar de la locura que siento acercarse y que será obra tuya, si esto continúa. ¿Por qué no me crees? Abandono mi Salón, la escultura. Si pudiera irme a cualquier parte, a un país en el que olvidara, pero no existe. Hay momentos en que francamente creo que te olvidaría. Pero de repente, siento tu terrible poder. Ten piedad malvada. Ya no puedo más, no puedo pasar otro día sin verte. De lo contrario la locura atroz. Se acabó, ya no trabajo, divinidad maléfica, y sin embargo te quiero con furor.
Mi Camille ten la seguridad de que no tengo ninguna amiga, y de que toda mi alma te pertenece”.
Fragmento
(Carta enviada por Auguste Rodin a Camille Claudel. Museo Rodin de París)

A pesar de esta carta Rodin estaba unido sentimentalmente a otra mujer Rose Beruet y esta situación inspiró una de la obras más simbólicas de Camille: L´age Mûr (la mediana edad), un tríptico escultórico, un triángulo amoroso: en el centro un hombre (Rodin) es llevado por una figura femenina entre ángel y demonio (Rose) otra suplica orante (arrodillada,Camille).
Su maestro, amante y mentor la obliga a deshacerse del niño que espera, firma algunas de las obras de Camille como propias, rota su relación entra en su vida Claude Debussy repitiéndose el mismo patrón de Auguste, convive con otra mujer, las crisis nerviosas se agudizarán cada vez más, destruye sus obras, se encierra en su taller esculpiendo una y otra vez bustos de niños en bulto redondo ( que es aquella que puede apreciarse desde todos los puntos de vista), en diciembre realizará su última exposición.
La ansiedad, presenta un cuadro de manía persecutoria, aislada en su taller con la sola compañía de gatos vagabundos, su madre y su hermana son francamente hostiles a su forma de vida, su padre reiteradamente se negaba a internarla. A la muerte de este, su hermano la interna en el manicomio de Montdevergues, nunca saldrá de allí.
Ruega cuando se recupera de una forma desesperada y lúcida para que le devuelvan su vida durante treinta años, sin visitas e incluso con la prohibición de recibirlas.

"El orden es el placer de la razón, pero el desorden es el placer de la imaginación” pese a esta cita Paul Claudel arbitra la decisión misógina detentada y atentada contra su hermana.
Falleció en la institución inhumándola en el pequeño cementerio, al levantarse el veto tras la muerte de Paul, los descendientes de la familia Claudel quisieron recuperar sus restos, el sanatorio respondió que la tumba había desaparecido a causa de una serie de ampliaciones en las instalaciones, el cementerio fue utilizado para ellas ya que los pacientes sepultados padecían la postergación de sus parentelas.
Camille no volvió a tocar un cincel dentado rehuyéndolo al estar internada la escultora obrera, los detractores de la escultura aducían este termino (obrero) con el fin de desacreditarlo frente al oficio de pintor, la apariencia del esfuerzo la ennoblece, el porcentaje de escultores es menor si lo comparamos con otras actividades artísticas para las que además no se requiere esfuerzo físico.
La dimensión temporal de una obra, su contenido artístico desde lo eterno e inmutable a lo efímero e instantáneo no existe por si misma, no es concebible su narcisismo, el destinatario, el espectador le da existencia.

Camille: loca, amante, lúcida, luciente, fugitiva, no fuiste la amante de Rodin y de una sociedad finisecular ellos lo fueron tuyos.

La edad de la muerte

2010-05-17T16:39:00.000-07:00

Las tres edades de la vida y la muerte.
Hangs Baldung (hacia 1510)
Kunsthistorisches Museum Viena.

Vendra la muerte y tendrá tus ojos...

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos
-esta muerte que nos acompaña
de la mañana a la noche, insomne,
sorda, como un viejo remordimiento
o un vicio absurdo-. Tus ojos
serán una vana palabra,
un grito acallado, un silencio.
Así los ves cada mañana
cuando sola sobre ti misma te inclinas
en el espejo. Oh querida esperanza,
también ese día sabremos nosotros
que eres la vida y eres la nada.
Para todos tiene la muerte una mirada.
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos.
Será como abandonar un vicio,
como contemplar en el espejo
el resurgir de un rostro muerto,
como escuchar unos labios cerrados.
Mudos, descenderemos en el remolino.

Cesare Pavese.

Vittorio Gassman.

Il Matattore itinerante,versátil, hipnótico, recitador de la Divina comedia de Dante, el recibo de la luz o el gas con instrucciones de uso.
Vittorio interpretó un último mutis por el foro... ojalá la muerte tenga sus ojos.

El limbo de la Balanza

2010-04-17T02:55:00.000-07:00

España 1936 Salvador Dalí pinta “Premonición sobre la guerra civil” ( llamado antes constucción blanda con judías cocidas) unos meses antes de la guerra civil española. Sobre un cielo azul presenta un cuerpo colosal totalmente en tensión, roto, desmembrado, la articulación del conjunto es una construcción arquitectónica en carne que recuerda las pinturas negras de Goya (Saturno devorando a sus hijos, hasta hoy atribuida al Zaragozano) este cuerpo parece aludir a la desvertebración y enfrentamiento político que se vive en España y la Europa del momento.
La luz y el color aumentan el patetismo de la escena con habas caídas en un suelo sucio y en sombra.
París 1937 se inaugura una exposición con el fin de llamar la atención sobre la causa republicana, el Guernica de Picasso es la estrella de la exposición, fue encargado por el escritor Max Aubs a su vez por encargo de la república española. En el se narra el bombardeo que sufrió la población civil a manos de la Legión Cóndor (alemana) y la Aviación Legionaria (italiana). No fueron los únicos bombardeos que perpetraron, la Legión Cóndor ametralló y causó víctimas a cientos en la carretera de Málaga a Almería donde se encontraban refugiados del bando rojo y el 25 de mayo en la ciudad de Alicante cabe señalar que la aviación republicana bombardeó poblaciones controladas por el bando nacional como Zaragoza o Córdoba en 1936.
Pero volvamos a la exposición; así mismo otros artistas españoles y extranjeros tomaron parte en ella con obras como:
El Campesino Catalán en rebeldía de Joan Miró, el Pueblo Español de Alberto Sánchez, el Labriego de Antonio Rodríguez, la Montserrat de Julio González ( una campesina con el típico pañuelo de los años 30 plantada en pie, en una mano lleva una hoz, en el otro brazo a un niño; altiva con la mirada al infinito, la boca abierta con un gesto de dolor por la angustia que padece por el drama de una guerra). Alexander Calder presentó una fuente de mercurio a requerimiento del arquitecto Sert haciendo referencia a la mina de Almadrón, de gran importancia económica que había sido tomada por los franquistas; tituló la obra como el Calderón de la fuente. Años más tarde durante el conflicto bélico del Vietnam, Calder compró la última página de “The New York Times” en enero de 1966, para expresar su opinión sobre la persecución de la que fueron objeto muchos americanos en EEUU por manifestarse en contra del conflicto, el artista acabará diciendo:
” que la reflexión y la razón no podían ser tomados nunca como traición”.
Madrid febrero 1939 las obras maestras del museo del Prado comienzan un éxodo para ponerlas a salvo de la contienda alentados desde París por Sert, la fuga nómada es encargada por el gobierno republicano a la esposa de Rafael Alberti, María Teresa León; el mismo Manuel Hazaña se ocupará personalmente diciéndole a Juan Negrín:
“ el museo del Prado es más importante para España que la monarquía y el gobierno de la república juntas”. Doce responsables de nueve museos de todo el mundo, tras unas negociaciones tensas consiguen trasladarlos en 71camiones hasta Ginebra en la sociedad de naciones, con la condición de ser devueltas una vez finalizada la guerra. Este gesto marcará un precedente, el concepto de “patrimonio de la humanidad”. Franco no respetó el acuerdo y las obras volvieron en un tren con las luces apagadas para no ser atacadas pocos días antes de finalizar la guerra en 1939, antes se realizó una muestra en el país de acogida a la que asistieron 400.000 personas.
Hitler quiso hacer una exposición similar, sin embargo Franco ordenó su vuelta salvándolas de otra contienda, la segunda guerra mundial. Ni Picasso, ni Dalí, ni Miró, vivieron la conflagración in situ puesto que estaban fuera de España.
Madrid 1939, finaliza la guerra civil española y comienza la posguerra. Como en los aguafuertes de Picasso que en el 37 también expuso en París, se iniciaría con su título pictórico:
” Sueño y mentira de Franco”, si la guerra fue devastadora y cruel por ambas partes (sin olvidar que el general franco es el responsable del alzamiento militar contra el legítimo gobierno de la república) la posguerra aún la superó, el general Franco héroe del Rif, se encargó de diezmar, asesinar, torturar, encarcelar a los vencidos simplemente por ser republicanos, comenzaron las delaciones, se fusilaba sin piedad a poetas, maestros de escuelas, obreros, milicianas, milicianos, etc. España que ya tenía ríos de sangre se lleno de fosas anónimas con miles y miles de vencidos.
Las viñetas que adjunto son las de un republicano que estuvo preso durante nueve años, su familia consiguió que le conmutaran la pena de muerte, se quedó solo muchas veces en la celda mientras se llevaban a sus compañeros para fusilarlos, en uno de los traslados de penal en penal hizo los dibujos que más tarde fueron publicados en un periódico local con texto de un amigo suyo lo suficiente maquillados para engañar a los censores del régimen. Este republicano era oficial de farmacia y nunca participó en ningún combate. A otros se le expoliaban sus pertenencias.

España 1939-1975 duración de la dictadura franquista hasta la muerte del dictador, que se paseaba bajo palio con la aquiescencia y beneplácito de la iglesia católica y reposa en el Valle de los Caídos, monumento funerario ( sin ningún valor artístico) construido por presos políticos a la sazón como los esclavos. No voy a extenderme sobre lo que fueron 40 años de dictadura con tantos españoles en el exilio, gente anónima, intelectuales reconocidos, políticos y dirigente del otro bando, niños evacuados y acogidos en otros países que huyeron del terror de la guerra. A los que se quedaron los sumió en una atmósfera santurrona, decadente, castradora, represiva, profundamente gris y aburrida.
El actual rey de España, fue pupilo del dictador que le nombró su sucesor.
Después de la muerte del “excelentísimo caudillo, salvador de la patria por la gracia de Dios” escritor insigne de “Raza” se emprendió la tarea de una transición hacia la democracia, el gobierno del presidente Adolfo Suárez y otras coaliciones políticas (inclusive el PCE cuyo secretario general era Santiago Carrillo, del que se dice que antes traspasaba la frontera con peluca) pactaron una amnistía general. Durante los setenta el equipo “Crónica” (Rafael Solves, Manolo Valdés) actuaban como catalizador irónico, con pastiches a ritmo de Pop-art contra la propaganda del ministro de turismo Manuel Fraga Iribarne, (el mismo del baño nuclear en palomares, que exhibía una imagen al exterior del régimen grandilocuente y falsa).
Volvieron algunos exiliados, entre tanto sucedieron los asesinatos de los abogados laboralistas en Atocha (a manos de la extrema derecha), atentados de ETA, se recuperó a los intelectuales, a los políticos se le dieron homenajes, un ejemplo sería Tarradellas.
Un intento fallido de golpe de estado, ejecutado por el coronel de la guardia civil Antonio Tejero en el hemiciclo del congreso de los diputados durante la elección del candidato de a la presidencia por UCD Leopoldo Calvo Sotelo, hizo tambalear la precaria democracia.
Madrid 1982 Felipe González secretario general del PSOE gana las elecciones convirtiéndose en el tercer presidente de la democracia hasta 1998, en el que toma el relevo José María Aznar secretario del PP y cuarto presidente de la democracia. Unos días antes de las elecciones sucedió el atentado del 11-M en 2004 lo que provocó que José Luis Rodríguez Zapatero se convirtiera en el quinto presidente, alzándose con la victoria para su partido el PSOE. Se intenta desarrollar una ley para la recuperación de la memoria histórica y rescatar del olvido a las victimas del franquismo con una franca oposición del PP; se abren algunas fosas y cunetas, en algunas autonomías se dificulta la inhumación de los restos que las propios familiares pagan de su bolsillo en la mayoría de los casos.
Son retirados algunos símbolos franquistas persistiendo otros a lo largo de la geografía española. Hace unos días fue retirada una estatua ecuestre de Franco que tampoco tiene ningún mérito artístico.
Madrid 2010 el juez Baltasar Garzón pretende llevar al banquillo de los acusados a los colaboradores con la dictadura franquista desde el 39 al 75. Una dictadura tiene una cabeza y un cuerpo de ramificaciones que las sostienen, el tribunal internacional alega taxativamente que esos crímenes no son objeto de amnistía, son crímenes contra la humanidad, Garzón dispone de nombres de falangista vivos con responsabilidad criminal que han quedado ocultos durante décadas, jóvenes falangistas que hacían el trabajo sucio de la represión con el mote de 501. Se ha acusado al juez de prevaricación e intentan desprestigiarlo e inhabilitarlo, suspenderlo y procesarlo. La sociedad española está conmocionada con protestas de familiares y asociaciones para la memoria histórica, sindicatos y partidos de izquierdas, intelectuales etc. Esta acusación llevada a trámite es presentada por la Asociación Ultraderechista Manos limpias (que ha sido fundada por el abogado Miguel Bernad, ex secretario general del Frente-Nacional, partido de ultra derecha a su vez fundado en 1986 por Blas Piñar para recobrar Fuerza Nueva). Bernad tiene un amplio historial de denuncias en contra de adopciones Gays, lesbianas etc. Falange de las JONS (que recordemos fue constituida por José Antonio Primo de Rivera convertido en icono y mártir por Franco, encabezó las listas de fallecidos con la inscripción: “José Antonio Presente” en casi todas las iglesias españolas). Fusilado por el bando republicano, aunque estos trataron de canjearlo por el hijo de Largo Caballero. Franco no le tenía ninguna simpatía, se dice que temía su carisma y que era el único que podría hacer sombra a los militares. Está enterrado en el Valle de los Caídos mientras el poeta Federico García Lorca fusilado por el bando nacional continua desaparecido ya que pese a los trabajos de búsqueda, de momento al menos no han dado con la fosa que contiene sus restos y el de los otros compañeros que fueron asesinados ese día.
También denunciado por los imputados en el caso Gürtel, Garzón ha levantado un sunami.
La opinión pública internacional le apoya, incluso el novel de la paz Pérez Esquivel, en los juzgados de Buenos Aires ha presentado una querella interpuesta por distintas organizaciones de derechos humanos para llevar adelante la investigación que la carpetovetónica heredera del régimen impide que se conduzca a cabo en un país supuestamente democrático.
Tengo sólo una pregunta:
¿El estar muerto te priva de derechos, de qué se lave tu nombre, de qué se conozca tu historia, de qué te den una tumba digna?
En el limbo lleva soterrada la balanza de la justicia 71 años, se habla de 113.000 desparecidos y de 30.000 niños apropiados.
Fue una posguerra de poetas con un viento del pueblo y hay otro limbo que describe otra poeta con versos que hablan desde el ayer al hoy, al mañana:

¿Cómo dicen morir en el abismo
los cuerpos sin nombre bajo la tierra?
¿A qué sitio vuela el recuerdo de
la humillación tras los tormentos?
¿Desbaratan tanto macabro juego con
la muerte la memoria de la luz con la
venda harapienta de unos ojos?
¿Habrá verdugo capaz de amortajarles
la conciencia o tinieblas de donde
la oscuridad no pueda obtener mayor pureza?

Viñetas de Luis Menéndez-Morán.
Extracto del poema Limbo de Vivi Cecilia Atencio Arrojas.
http://elarbolenllamas.blogspot.com/

Velocidad

2010-03-19T13:03:00.000-07:00

Eadweard Myubridge, fotógrafo inglés tiene el mérito de ser el primero en captar el movimiento de un caballo cuando inicia el trote, lo probó con la ayuda de la instantánea, las cuatro patas del caballo estaban a un mismo tiempo en el aire aspecto que ponía en evidencia años de interpretación pictórica, ya que es invisible para el ojo humano y unicamentente puede ser registrado por una cámara. Sus aportaciones enriquecieron no sólo la fotografía sino el mundo del cine.

El barracón del poeta.

2010-03-14T17:31:00.000-07:00

Esta pintura es de Adolf Hitler, existen muchas más e incomprensiblemente han alcanzado un precio desorbitado en los mercados del arte, incluso se venden por internet como postales. ¿Quién desearía poseer una obra del fürher?.
Al margen de coleccionistas morbosos, la obra del alemán genocida y criminal por antonomasia, diría que es un tanto ramplona, fue rechazado en la Academia de bellas artes de Viena al menos en dos ocasiones y llegó a dedicarse, (antes de ser el aladid de la raza aria) a pintar por las calles y vender sus obras en ellas.

Albert Speer, (arquitecto), Leni Riefensthal (actriz, directora y exploradora) mientras Fritz Lange o Robert Wiene se exilaban fuera de Alemania, Leni que ya había ganado un premio con La luz Azul en la mostra de Venecia; obteniendo proyección internacional, colaboró con la industria propagandística del tercer reich y su régimen totalitario con obras como: La victoria Larga (1933) y El triunfo de la voluntad (1936), tanto Coppola, Georges Lucas como Mick Jagger la consideran como una documentalista controvertida y genial.
El busto de Adolf fue esculpido por Arnol Brecker, otro artista que se cobijó tras el ala del nacional solicialismo, su obra fue alabado por Cocteau y Salvador Dalí, a los que también esculpió. Se dice de Becker que utilizó su influencia para salvar a Pablo Picasso de los campos de concentración, circulan numerosas leyendas; al malagueño cubista ya le habían ofrecido asilo en América incluso antes de la invasión a Polonia, él siempre se negó a abandonar París, lo que le dió fama internacional, cierta o falsa la intervención de Brecker, los nazis no espolearon a Picasso, a pesar de considerar las vanguardias como un arte degenerado, (no así con otros artistas que huyeron) la belleza física era un atributo de etnia o raza superior, de ahí que consideraran las obras de los anteriormente citados como óptimas para propalar una estética de dioses con la banda sonora de fondo de Wagner.
Los griegos estimaban que cuanto más perfecto era un cuerpo humano más se parecían a Dios. El canciller del ridículo bigote montó en cólera y abandonó la olimpiada, cuando el atleta negro Jesse Owens (la saeta negra) obtuvo cuatro medallas de oro en 1936. Aunque al principio se negó ni siquiera a saludarle, más tarde Owens declaró que lo había hecho.
No son los primeros ni los únicos casos de colaboración a la sombra del poder establecido.

Zoran Music, nacido en Gorizia (Eslovenia) fue arrestado y llevado al campo de exterminio de Dachau, sobrevivió al horror de los barracones y la duchas de Cyclon-B, aunque no halla pruebas fidedignas de que se utilizaran cámaras de gas allí, existen así como los hornos crematorios, en este campo recluían a intelectuales, religiosos, disidentes, gitanos, etc. Influenciado por Egon Shiele, Gustav Klimt, Otto Dix, Georg Grotsz y los españoles: Goya o el Greco tras su paso por Madrid.
Zoran expuso varias veces su vida dentro Dachau para obtener pigmentos y papel para plasmar su fascinación por el montón de cadáveres hacinados como troncos, la literas agonizadas, las piernas y los brazos hacinados sobresaliendo, tenían una trágica belleza. Salvó algunos de sus dibujos ejecutados en Dachau y más tarde empredió una serie:" Nosotros no somos los últimos" retratos de fantasmas de una aparente belleza clásica.
Él decía: "No trato de hacer una declaración pomposa cuando pinto cadáveres. No se trata de una protesta es algo que sucedió".
Mi sensación al mirar las obras de Zoran es la de una tristeza, una melancolía subyacente en cada trazo, en cada color, nadie puede permanecer indiferente cuando sus dibujos te penetran, no son obras de gran formato ni de compleja composición, no tiene artificios grandilocuentes y tampoco son una exhibición cadavérica y huera.
¿Es imposible olvidarse incluso en las condiciones más abyectas, no sólo porque estés privado de libertad, no sólo porque seas testigo de los actos más pérfidos, de que quebranten tu cuerpo y alma en un holocausto de cenizas, es imposible olvidarse de qué sé es artista?
¿Es posible dibujar, pintar el horror con poesía?
Sí, cuando Music lo hace.

La Guardiana del bosque

2010-03-02T17:23:00.000-08:00

La primera vez que vi este vídeo de Anamaría Aguilar Posada,(artista plástica y digital). Tuve un estremecimiento, fue comtemplar el mundo como si estuviera siendo creado por primera vez. Aire, tierra, fuego, aire conmocionandose en estallidos cromáticos.
Un planeta abstracto, células, texturas, geometría tranformandose vertiginosamente, lo más deconocido, una ignota expansión, un pasaje al arcano.

26 de diciembre del año solar, fondos submarinos, simas abisales, lechos de hojas y filamentos. Afloró la música del viento, la flauta primigenia percutiendo con todas la gamas de temperatura, todos los tonos inciertos, bifurcaciones, lindes del cosmos.
Es el vislumbrar del prístino amanecer por primera vez.

Ya conocía la sonrisa de Anamaría su talante sereno, diáfano, su alegría.
Anamaría da nunca reclama.
Una noche le pregunté:
Anamaría querida -¿La inspiración te viene dictada por la premonición, por la intuición?- Mi querida Paloma, te puedo decir lo siguiente: nunca parto de una idea preconcebida, cuando del quehacer creativo se trata. Colores y formas empiezan a mezclarse, y un sentimiento estético interno va dirigiendo, eligiendo, hasta dar por concluida cada obra.

Dicen que los árboles mueren de pie, que nos enseñan a vivir morir y renacer con su follaje cada cuatro estaciones, Anamaría es la guardiana del bosque.

¿Las flores del mal?

2010-02-26T15:10:00.001-08:00

Santiago Rusiñol tenía una pincelada luminista, un trazo impresionista, una gama quebrada en los jardines de Aranjuez, no era únicamente pintor, también poeta y escritor invariablemente en catalán, (poemas: Oracions, dramas como L´alegria passa, Cigals et formigues, etc). Debido a una afección reumática ingería un analgésico opiáceo, lo que comenzó como un alivio para su enfermedad, se convirtió en una adicción severa, de la que consiguió liberarse con un esfuerzo ímprobo.
Irrumpe en sus escenas costumbristas, un cuadro impactante una obra de factura precisa e íntima; cuya composición es horizontal y armonizada, la expresión del rostro, la mano aferrando
crispada las sábanas nos describe el éxtasis, la tensión del efecto de la ingesta, la sustancia que da el título al cuadro: La morfina.

Si leemos algunas de las biografías de poetas y literatos nos encontraremos con que multitud de ellos han sucumbido a las drogas de diversa índole: Charles Dickens, Doyle, Stevenson, Artaud, Baudelaire, Allan Poe, de Quincey, Aldous Huxley, Michaux, Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Kerouac etc. Incluso filósofos como Nietzche.

Sexo drogas y Rock and Roll, los biopic (que me perdone la real academia), las biografías narradas no en celuloide, pateadas en escenarios; alumbradas con cañones de luz, octavas de guitarras eléctricas, voces desgarradas, roncas -me pongo hasta el culo de caballo o de anfetas- en grupo o en solitario. A horcajadas cabalgaron en un jaco con nombre de sobredosis, Janis Joplin o Jimmy Hendrix.
Stanley Kubrick afirmaba que nunca había consumido drogas, él declaró: Creo que en realidad las drogas son más útiles para la audiencia que para el artista.
Frank Zappa tenía una oposición total al consumo de estupefacientes.
Bill Hicks, humorista, famoso por sus monólogos de tinte negro sobre religión, la guerra o las drogas apostillaba: Si tú no crees que las drogas han hecho nada bueno, hazme un favor, ve a casa y coge tus vinilos, cd´s, cassettes y quémalos.

Drogas duras o blandas, drogas que alteran las facultades tanto del comportamiento, la percepción, el jucio o las emociones. Drogas para crear o para disfutar hedonísticamente de lo creado, drogas para trabajar, para ponernos a salvo del dolor físico o psíquico.
¿Qué entendemos por drogas? Nicotina, alcohol, café - si se consumen 5 tazas de café seguidas, ya estás enganchado a la cafeína- teína, cannabis, la Cola Cola e incluso el chocolate, el uso compulsivo del sexo, las compras o la comida, el juego, barbitúricos, sedantes etc.
¿Proporcionan las drogas inspiración y/o la estimulan? ¿Son coercitivas?
No cabe duda que sin talento sin sensiblidad sin inteligencia es imposible crear o disfutar de lo creado.
Incluso desde nuestro pasado más lejano los chamanes, pitonisas, sacerdotes de un culto u otro han usado los narcóticos, alucinógenos para provocarse visiones. Los enteógenos son sustancias cuyo potencial ha sido comprobado y consensuado para ver dentro de nosotros.
Existe y persiste un debate en la sociedad: ¿Deben ser legalizadas las drogas?.
Antonio Escohotado, filósofo, profesor universitario, ensayista, con trabajos sobre el derecho y la sociología; es considerado una eminencia sobre el tema debido a su obra: Historia General de las Drogas; propone un consumo responsable e informado -el mercado negro impide, el arte de tomar drogas, que es el arte de dosificarlas-.

La legalización actuaría contra la marginalidad a la que muchos adictos se ven abocados.
La polémica está servida, la historia también.

Los cuatro Pablos

2010-02-08T17:44:00.000-08:00

Érase cuatro Pablos, Pablo Gargallo escultor, Pablo Picasso pintor, Pablo Neruda poeta, Pablo Casals músico.
Habitaron un siglo o dos y una convulsión. Cuatro lenguajes, el primero de hierro, el segundo de lienzo, el tercero de papel y el cuarto de viento.

Pablo (hierro) entre el clasicismo, el modernismo, el noucentismo, frecuentaba el café y la tertulia de Els cuatre gats, allí conoció al segundo Pablo; encontró la vanguardia, desintegró el espacio y la forma con nuevos materiales. La luz se coló por el hueco, se convirtió en el escultor del aire, el cubismo alcanzó la lírica, el hierro se torno bailarina, fauno herrumbroso, profeta, divina magnética Garbo, Kiki parisina.

“La plástica está en el espacio, la poesía en el tiempo; aquella es dinámica, la plástica es estática”.

Pablo Gargallo.

Pablo (lienzo) no le fue fiel al estilo, transitó en todos, cuando halló el cubismo mano a mano con Braque, ( antes lo vislumbró en Cezanne y las esculturas negras que un coleccionista fauve, mago del color, Matisse y Henri, le descubrió); añadió una cuarta dimensión, un mapa que se despliega, si hablamos de cubismo analítico, la cuarta dimensión es contemplar un objeto de perfil, de frente, por arriba o por abajo,todo aún mismo tiempo, la cuarta dimensión es el tiempo que tardaríamos en recorrerlo, de esta forma lo vemos todo en un mismo intervalo.
El escritor Max Aub, encargó a Pablo Picasso el Guernica, por orden del gobierno republicano, que representa el bombardeo alemán sobre la población civil en Guernica; iba dirigido a una exposición que se celebraría en París, cuyo fin sería atraer al público sobre la causa republicana en plena guerra civil española. Cuando los alemanes invadieron Francia, visitaron al pintor en su taller, uno de ellos le preguntó: lo ha hecho usted y Picasso le respondió: No, lo ha hecho usted.

“No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo”.

Pablo Picasso.

Pablo (papel) el poeta impuro que escribe veinte poemas de amor y una canción desesperada, tenía una España en el corazón y un exilio forzado. Temuco, el impresionante entorno se grabó en las fibras internas del coleccionista de caracolas. Me llamo pájaro Pablo ave de una sola pluma.

El viento de la angustia aún las suele arrastrar.
Huracanes de sueños aún a veces las tumban.
Escuchas otras voces en mi voz dolorida.
Llanto de viejas bocas, sangre de viejas súplicas.
Ámame compañera. No me abandones. Sígueme.
Sígueme, compañera, en esa ola de angustia.

Pablo Neruda.

Pablo (música) violonchelo gutural, profundo, compone un himno que tiene ráfagas de concordia, pulsas las cuerdas, el arco de una sola entrega , de un único deseo activo que tiene tu nombre Pau. El expresionismo de la paz, un canto de pájaros que sonaba a éxodo.

“ La música, este maravilloso lenguaje universal, tiene que ser una fuente de comunicación entre todos los hombres.

Pablo Casals.

Érase cuatro Pablos, 4 seres humanos, IV artistas en claroscuro.