El rapto

Cuando una pierna se adelanta con una ligera flexión de rodilla y el peso del cuerpo descansa en la otra el diccionario del arte le da un nombre latino: Contrapposto.
Esta sensación de movimiento que además avanza los brazos elevando uno de sus hombros y gira la cabeza de las estatuas quebrantó una ley la de la frontalidad.
Las leyes rígidas parecen hechas para romperlas a golpe de cincel u otros golpes... porque esta ley de frontalidad comenzó en el neolítico con la famosa Venus de Willendorf y continuó como principio fundamental de la escultura arcaica.
Los cuerpos esculpidos representados por esta ley con un eje vertical totalmente simétrico y aislándolas durante tres mil años mantuvo constante la función del valor seguro, infalible, inmutable y eterno de los dioses del antiguo Egipto con el faraón como hijo de estos y gobernante inmarcesible.
Grecia decidió darle movimiento a los dioses pero antes humanizó el movimiento con un joven atlético con todo el poder de su fuerza muscular.
El escultor rompedor fue Policleto a la escultura la llamó Dorífero a la que dio también una ligera sonrisa y una mirada sin pupilas perdida y distante.
Praxíteles decidido acentúar la sensualidad de los dioses y de las diosas creó un contraposto tan elegante con una curva que lleva su nombre.
Y esta curva de la belleza en movimiento influyó al renacimiento escultórico y pictórico con estatuas y lienzos como el David de Miguel Ángel, el Donatello o la Leda y el cisne de Leonardo.

¿Los dioses son humanos o los humanos son dioses cuando aman? Desear violentar el cuerpo o conquistar el espíritu es una prerrogativa de ambos por eso los dedos se hunden cruelmente en el mármol del rapto de Proserpina porque el anhelo no correspondido es un infierno de un dios soberano de los avernos con un contraposto retorcido en el que el viento, las lágrimas y el can Cervero ladra de la barroca mano Gian Lorenzo Bernini trepanando la roca.
La poesía rapta o es raptada por un idilio inspirado en las estatuas, un affarie truculento, tierno, enamorado, sombrío lo secuestra de su mano al papel en contrapostos exquisitos o retorcidos en islas habitadas por estatuas en Irlanda en Pascua o ínsulas fantásticas.
Ignoro si los dioses se mueven los hombres sí o al menos sienten la necesidad de romper la frontalidad de una ley o quizá todo sea una ilusión de quietud eternamente inquieta.

La postal

Querido amigo:

Al fin en New York. llegué ayer y aún no me he repuesto del jet lag ni del valium ni los whikyses que me metí entre pecho y espalda en el avión; pero sobretodo del terror del viajecito, no veas que travesía rechinado el maldito fuselaje toto el tiempo aún así fascinado por esta ciudad, dopado y gagá no he podido evitar en taxo driver amarrillo recordar a de Niro, je je.

Te envío la postal prometida y esta carta en otro sobre cerrado como querías en papel y no vía mail pero aquí la sorpresa adivina dónde he estado hoy... 

Ya ya sé que querías una postal de la estatua de la libertad ( giri ) pero no me digas que ésta ni te la esperabas y además con estas letras, te caligrafío desde el vestíbulo del hotel en la 222 Oeste de la Calle 23rd, entre la séptima y octava avenida.

¡Coño tío me he emocionado! y eso que sólo he visto la planta de abajo, uno de los recepcionistas ha sido muy amable, me ha dejado curiosear e incluso hemos hablado del futuro del hotel que tras una serie de cambios de director y dueño seguirá abierto. Esta mole de ladrillo rojo con habitaciones y apartamentos cobija todos los fantasmas y leyendas literarias y artísticas de América, para serte sincero es un parnaso tétrico pero tan estimulante que me han gorgojeado insectos en una tripa ya de por si maltrecha.

Me he salido un momento a fumar antes de escribirte para serenarme un poco y digerir lo que he visto, olfateado, tocado y escuchado como un detective trasnochado a lo Philip Marlowe. Me dado una vuelta en el ascensor vacío sin Brigitte Bardot ni Leonard Cohen ni Janis Joplin. 

¿Conoces la famosa anécdota ? Cohen se alojó aquí en los sesenta tomó el ascensor con la esperanza de encontrarse con la Bardot pero a la que encontró fue a Janis Joplin, lo demás fue historia hecha canción ahora escrita en la última estrofa de la postal...

Al bajar en el vestíbulo admiraré todas las ilustraciones, obras de artistas famosos que lo decoran, la mayoría en pago del alquiler a Stanley Bard, el antiguo director del hotel, él las aceptaba aunque no las de todos, ni las Patti Smith ni las Mapplethorpe así que abonaron su estancia como correspondía.

Hace unos meses o el año pasado creo, Patti confesó porque debe ocurrir que en tus memorias sientas la necesidad de confesión y dejas salir la verdad o quizá te inventes una o varias... “que la luz del hotel no era una luz natural si no vertida por la lámpara y al bombilla del techo, intensa e implacable, pero que parecía impregnada de una energía única”.

A este inmueble tapizado de ladrillo le apagaron las bombillas algunos sucesos macabros como la muerte en los setenta de la groupie Nancy Spungen apuñalada presuntamente por Sid Viciosus, el de los Sex Pistols, por cierto desde entonces el número de la habitación el 21 fue eliminado y del 20 pasa a la 22 o como la borrachera monumental que llevó a la muerte al dipsómano glorioso Dylan Thomas incluí unas estrofas de sus versos te los he puesto en el segundo párrafo de la postal...

Milos Forman se dejó en recepción uno de sus oscars y Henry Miller se instaló aquí después de la separación de Norma Jean Marilyn Monroe. 

La visita improvisada ha sido como recorrer un parque temático de arte por sus recuerdos e inspiración por cierto creo que le han escrito varias memorias uno de ellos Dee Dee el de los Ramones, otras ya más recientes han relatando el paso beat por aquí de Jack Kerouac (escribió The road en una de sus habitaciones), Allen Ginbersg y Gregory Corso, Jane fonda, Nico de la Velvet, etc, etc, e incluso Madonna encontró aquí la localización para sus fotos de su polémico libro Sex en los noventa, además de Andy Warhol que ha sido otro de los que han filmado sus cimientos reconvirtiéndolos al pop.  

Sí... que tiene una aureola popular, accesible, cercana, para contar sus otras historias de anónimos que también jadean en la nostalgia de sus muros. 

Sólo dos alientos más Arthur C. Clarke manuscribió aquí “2001: Una odisea en el espacio” y esto sé que te va encandilar el otro Dylan escribió y tocó: “Sad Eyed Lady of the Lowlands” y la mayor parte de los temas del mítico “Blood on the Tracks” cuyo título, el de la canción, encabeza la postal... 

Por lo demás me despido por ahora no podrás librarte de mí ni en la distancia, Sara te manda un beso y yo un abrazo bizarro.

La maleta perdida

¿Es habitual que una maleta puede perderse?

Sí, de hecho algunas suelen cobijarse para siempre en la sección de objetos perdidos.

¿Ocurre que una maleta continúe viajando después de setenta y nueve años ininterrumpidamente?

La respuesta afirmativa y la maleta ahora ha recalado en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Extraño ¿no? Y además si esa maleta contiene objetos de tres personas.

La valija tiene nombre propio: La maleta mejicana.

En su interior rollos de películas fotográficas, 165 carretes que incluyen 4.500 instantáneas invaluables, documentan de forma gráfica un testimonio histórico, una crónica bélica a pie de tierra con carros de combate, trincheras y calles, de un punto cardinal a otro de su geografía en la contienda.

Los propietarios de la maleta mejicana son tres pioneros, tres míticos reporteros de guerra: Gerda Taro, Robert Capa, David Seymour (Chim), los tres amigos y dos de ellos Gerda y Robert pareja sentimental además de profesional.

El escenario: La guerra civil española.

Robert Capa dejó en custodia la maleta a un técnico de laboratorio y fotógrafo Imre “Csiki” Weiss en 1939 cuando huyó de Francia para evitar ser capturado por los alemanes; cuando los nazis cercaban París Weiss la llevó hasta Burdeos y allí encontró a un chileno al que pidió que la entregase en su consulado.

En 1979 Cornell el hermano de Capa hizo un llamamiento a la comunidad fotográfica con motivo de la exposición de la obra de su hermano en la Bienale de Venecia para encontrar la susodicha maleta ya que al parecer los rumores  afirmaban que Robert la había entregado a un republicano español en 1940.

Nada. La maleta aparentaba desaparecida para siempre hasta que en 1995 el cineasta mejicano Benjamín Tarver recibió una herencia insospechada de su tía que a su vez había heredado de un amigo suyo, el general Francisco Aguilar González, embajador mejicano ante el gobierno de Vichy en 1941–1942.

Se ignora como llegó a manos del general embajador pero todo apunta a la probabilidad que la maleta trocara en valija diplomática y de ahí incluso el nombre: La maleta mejicana.

Sucesivamente Cornell Capa a lo largo de los años consiguió recopilar distintos materiales del trabajo de su hermano que han ido apareciendo en una colección la International Center of Photography.

Cuando apareció la maleta mejicana Conerll estableció contacto con Tarver para reunir el material. Encontrándose con la renuencia de Tarver que eludiéndole le daba largas.

2003 otoño el ICP prepara un exposición sobre Capa y Taro para el 2007, Richard Whelan biógrafo de Capa y el conservador jefe ICP Brian Vallis de nuevo intentan devolver los negativos a Cornell Capa para ello contaron con la ayuda de la directora de cine Thisha Ziff que residía en Ciudad de México para ejecer de mediadora y convencer a Tarver sobre la entrega de los negativos al ICP y así reunirlos con los archivos del material de Capa, Taro y Chim.

El 19 de diciembre Thisha Ziff llevó al ICP la maleta mejicana tras varios meses de negociación con Traver que los cedió sin ninguna remuneración económica.

La exposición del Museo de Bilbao presenta unas reproduciones a gran escala de los negativos originales así como algunas fotos enmarcadas y varios documentales grabados in situ por Robert Capa.

El testimonio gráfico fue repartido y cubierto geográficamente ciudad por ciudad y batalla por batalla.

Las fotos de Chim que se dirigió  en concreto al país Vasco y Asturias destacan los frentes y las gentes republicanas del norte. 
En Asturias  el ejercito republicano sufría la falta de munición y fueron los dinamiteros de las minas incorporados a la causa republicana los que lograron ante esta escasez evitar el avance del ejercito nacional.

Republicano Asturiano fotografía de Chim

Capa cubría otras batallas, la desolación de las ciudades y pueblos pero en realidad los tres mostraron el drama de la guerra, la visión cotidiana en medio de las catastróficas y dramáticas circunstancias, los mitines de la Pasionaria Dolores Ibarruri, los frentes de batalla, los heridos en los hospitales, las misas de campaña e incluso el material recoge los intentos del ejercito republicano por salvar las piezas de arte incluso de temática religiosa para librarlas de los desastres de la guerra.

Los retratos inéditos hasta ahora de artistas adeptos a la causa republicana tanto españoles como foráneos que estuvieron en España en los años de la guerra como los de: Rafael Alberti, Federico García Lorca, Ernest Hemingway, André Malroux así como los de José Antonio Aguirre, el primer lehendakari vasco fotografiado por Chim en su despacho del Hotel Carlton de Bilbao entre enero y febrero de 1937.

Ejemplares de las revistas Life y Regards ocupan el espacio dentro de las vitrinas de la exposición, sus páginas de color sepia y amarillas por el tiempo, un último reportaje de Gerda Taro para Regards narra en imágenes en julio de 1937, la batalla de Brunete.

" Cuando piensas en toda esa gente que conocimos y ha muerto en esa ofensiva, - Guerra Civil española - tienes el sentimiento de que estar vivo es algo desleal".


Así expresaba Gerda Taro sus emociones ante los hechos que vivía y que plasmaba con su cámara.

¡Qué premonitorias fueron! porque Gerda Taro falleció en un accidente en julio de 1937 debido a la desbandada producida por ataque aéreo nacional. 
Se encontraba en el estribo del coche del general Walter cuando cayó del coche que arrastrado por un tanque republicano la destripó pasándole por encima. Conducida de inmediato al hospital de El Escorial murió al día siguiente, el 26 de Julio, a los 27 años, no pudo hacer el equipaje y las maletas de su idealismo y compromiso  para siempre quedaron deshechas en España.

Reseña en un periódico norteamericano en 1938 donde refleja el accidente de Gerda Taro.

Robert Capa ha acaparado el máximo protagonismo como corresponsal de la guerra civil española pero fueron Taro, Chim y el mismo Capa a partes iguales los que plasmaron la crónica de una guerra, equipaje en una maleta mejicana y esta crónica pide a gritos un museo permanente que testimonie con veracidad documentada esa parte la historia de España que como en el negativo revelado  parece esperar a la cola del racionamiento tras las rejas de la calle.

La catedral sumergida

Marea llena, atención escuchar.... en la lejana Ys sus puertas cerradas sucede el arrebato de sus campanas bajo el agua en la atmósfera submarina.

La imaginación impresionada por la pintura sonora de Claude Debussy.
Del fondo marino empieza a emerger la catedral sumergida.
Como la imaginación es una viajera impenitente y el viento la lleva cuando llegue la bajamar vislumbramos emergiendo los acantilados y la catedral con sus arbotantes de rocas.
No os detengáis sorprendidos en el hechizo de la Praia as Catedrais (Lugo), la playa de las catedrales en la costa Cantábrica en el límite invisible entre Galicia y Asturias; sobre el lienzo que es cielo el hueco de los arbotantes sugiere otro perfil mujer que parece decirnos: “ esto no es cuadro” la naturaleza juega llenándolo de nubes igual que los cuadros de Magritte.

Y sobre la arena una caracola para seguir escuchando el delirio hecho mar de otro cántabro:

Alga quisiera ser, alga enredada...
Alga quisiera ser, alga enredada, en lo más suave de tu pantorrilla.
Soplo de brisa contra tu mejilla. Arena leve bajo tu pisada.
Agua quisiera ser, agua salada cuando corres desnuda hacia la orilla.
Sol recortando en sombra tu sencilla silueta virgen de recién bañada.
Todo quisiera ser, indefinido, en torno a ti: paisaje, luz, ambiente, gaviota, cielo, nave, vela, viento…
Caracola que acercas a tu oído, para poder reunir, tímidamente, con el rumor del mar, mi sentimiento.
Ángel González.

No, no os detengáis porque la marea viva os atrapará con el frémito de un suspiro desvaneciendo el sortilegio hasta que repliegue la última marea.

El retrato de vanguardia

Si le hiciéramos la pregunta a la historia del arte sobre la liberación del género del retrato para justificar su existencia sin la perpetuación de la tradición monárquica o religiosa la contestación será que fue en el Renacimiento italiano cuando el hombre renacentista alejado de Dios y de la edad media enfrenta su libertad ante la naturaleza por medio de su razón y experiencia con un nueva visión de su valor personal.

Con esta libertad que no olvida la tradición que lo engendró encuentra en el mecenazgo de la burguesía, la nueva potencia económica, los nuevos clientes adinerados capacitados para  pagar lo mismo que el más noble de los aristócratas o el patrocinio de la iglesia.

Cualquier corriente pictórica a lo largo del tiempo a partir de ese momento ha tomado con el retrato una fuente inagotable de inspiración y de recursos monetarios para el artista.

La evolución del retrato moderno ha desarrollado en internet y en otras tecnologías de comunicación una representación gráfica que bien mediante fotografías, dibujos artísticos u otras técnicas tridimensionales recibe el nombre de Avatar siendo utilizado uno o varios avatares por los usuarios de internet.

Algunos sitios web permiten crear avatares mediante programas personalizando a distintos muñecos pudiendo elegir desde la expresión de la cara, el color del pelo, ojos, hasta complementos como sombreros, zapatos etc.

Al artista británico Julien Opie le consideran el representante contemporáneo del retrato moderno porque aúna aplicándolas a sus pinturas, esculturas e instalaciones, las últimas tecnologías como el ordenador, el vinilo con luz interior, pantallas de cristal líquido o paneles led.

Después de su preparación artística en la ciudad de Oxford entre 1972-1982 en distintas escuelas conoció finalmente en Golsminths College donde se graduó al polémico artista, al más cotizado actualmente, el creador de la calavera de diamantes y animales muertos en formol, Damien Hirts.

Opie desarrolló en los 90 un estilo minimalista de formas muy simples y colores planos inspiradas en logos y en los cómics de Tintin del belga Hergé.

Como en los juegos para fabricar un avatar, Opie con un posminimalismo establece representaciones figurativas en las que mediante pequeñas diferencias en las posiciones de la fisonomía, cambios de color en pelo y complementos reproducen retratos con los cuales identificarse.

Dentro de  este género, la escultura, Julien Opie utiliza diversos materiales como madera pintándolas de blanco otras con metal e utensilios cotidianos rompiendo los límites entre la pintura y la escultura estableciendo la misma  ruptura de los collage tal y como hicieron con el cubismo sintético Braque, Juan Gris o Picasso consiguiendo que la obra tenga pedazos de realidad en lugar de sustituirla.

Con las instalaciones de video o los paneles led consigue hallar una conexión en la que una obra bidimensional adquiera tridemensionalidad dado el movimiento insertado en dicha imagen.

Figuras iconográficas semejantes a los monigotes  por la similitud a los que en los semáforos nos indican que nos detengamos o podemos cruzar la calle. 
Los suyos caminan, se entrecruzan o balancean, retratos animados cuyos ojos parpadean, pendientes  sobre las orejas  balanceándose después del gesto del movimiento cuando permanecen quietos.

En el siguiente enlace podemos ver uno de los paneles de led instalado en la calle.

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El interés primordial de Opie reside en  la figura humana, el retrato, aunque ha realizado retratos de personajes famosos como el de Kate Moss ha confesado que su mayor inspiración son personas anónimas a los que le fascina observar en sus coreográfias espontáneas y callejeras.

El arte toma la calle, el anonimato como los grafitis del artista anónimo y callejero Banksy. 
Este vándalo profesional como él mismo se define provisto de una plantilla o estarcidos a la que aplica sobre la pared distintos aerosoles para grafitear con toda celeridad en y con una nocturnidad alevosa satírica ya que en más de una ocasión dado que los grafitis que ejecutaba le exigían más tiempo en la finalización, la policía estuvo a punto de pillarle con las manos en la pintura. El suyo es un arte urbano que también combina con mensajes escritos en contra de la política, etnias, moralidad y cultura pop como el mural que sobre el muro de Cisjordania que en los territorios ocupado realizó en agosto del 2005 con diversas técnicas.

El enigmático grafitero ha conseguido colar obras suyas en cuatro museos americanos entre ellos el Metropolitan sin que durante días las obras colgadas por él fueran advertidas por el personal del museo a pesar de su mensaje anti bélico y sobre el efecto que el terrorismo causa.

Contrario a la costumbre el misterio de su anonimato le ha dado fama internacional junto a la calidad de su trabajo crítico, sarcástico, irónico, punzante, cáustico, incisivo, picante, mordaz, burlón, sardónico e incluso tierno por qué no.
Banksy ha afirmado que su mayor referente es otro gratifero francés Blek le Rat. Su imaginario se puebla de la rata frecuentemente y ahora reflexionándolo quizá además de una metáfora recurrente sea un velado homenaje a le Rat...

Desde luego las autoridades inglesas no saben que hacer con Banksy por un lado quieren borrar sus grafitis pero debido a su fama internacional y cotización algo indisoluble en el mundo de la plástica los grafitis se quedan donde están no ocurriendo igual con otros a los que Banksy no firma con su anonimato.

La cotizacion de sus obras es un punto negro con el que sus detractores tachan criticando, descalificando la intencionalidad de este subversivo anticapitalista por llevar a cabo cobrando grafitis u otras obras para organizaciones benéficas como Greenpeace o empresas como Puma, MTV y por vender cuadros en circuitos comerciales o en la galería de su agente por 25.000 libras o en casa de subastas Sotheby´s. por 50.400 libras.

Goya ejecutaba obras negras, caprichos, los desastres de la guerra, grabados tan subversivamente demoledores como los de Banksy o más, Goya olvidado durante siglos ocupa el puesto que le corresponde.
Goya ha sido y es la vanguardia.
A la par realizaba obras para perpetuar la gloria y la vanidad de los aristócratas, la realeza o la burguesía por las que sí cobraba ya que fue el pintor de cámara de varios reyes españoles, tenía que esconder estas obras y por supuesto no las hacía por ningún afán monetario ahora Banksy pinta lo que denuncia y cobra por ello.

¿Algo ha cambiado no? Pues pinta sobre los pobres y los ricos pagan.

La web de Banksy

/http://www.banksy.co.uk/

La pitanza del olvido

La ingesta de alimentos resulta primordial para la existencia, necesitamos alimentarnos varías veces al día y así lo hacemos en condiciones normales divididos en: Desayuno, almuerzo, merienda y cena.
Según el génesis después de crear el universo, este planeta y la primera pareja, los infortunios para alimentarse comenzaron con la condena bíblica que Dios Yavhé o Jehova impuso a la pareja edénica por ingerir una manzana de un árbol prohibido expulsándoles del paraíso para ganar el pan con el sudor de su frente.
Esto del pan en el paraíso me intriga....
¿Ya existía este alimento básico que acompaña invariablemente todas las comidas desde tiempos inmemoriales? O ¿fue posterior a la expulsión?
Entonces si apareció tras el desahucio de Adán y Eva, ambos desarrollaron el oficio de panaderos y a la vez el de agricultores e inventores del molino y el horno...
Aunque claro me olvidó que el maná llovía del cielo en el desierto durante el éxodo después de la huida de Egipto así que Adán y Eva probablemente disfrutaban del pan en el edén.
La Antropología investigó sobre cuales fueron los primeros alimentos del homo erectus descubrieron que su alimento inicial fueron las semillas, las frutas y raíces.
Incorporaron después restos de animales que encontraban debido a los escasos nutrientes de su dieta con lo cual así pasaron a convertirse en omnívoros pero este periodo carroñero fue breve debido a la insuficiencia de los cadáveres encontrados y ya devorados por otros animales; entonces desarrollaron técnicas de caza y para propiciar la buena ventura para cobrar piezas comenzaron rituales mágico religioso como el de pintar las paredes de las cuevas o moldeando objetos.
En ese transcurso el alimento toma características de símbolo y otros significados más complejos del de un simple alimento y así continuó propagándose la alegoría con el contacto de nuevos territorios.
Desarrollado el pensamiento primitivo une de una forma filosófica dos medios el cósmico y el terreno creado dioses que unas veces ligados con los alimentos adquieren apariencia totémica.
Creando la idea de dioses que muchas veces están representados por el animal que con más frecuencia el grupo caza, un ejemplo sería un uro (toro salvaje).
De esta forma el uro toma aspecto totémico e identificación de clan, personificado con un dios sobrehumano dando respuesta así a la muerte dotándolo de un poder sobrenatural tratando de rebasar los límites de la vida a esto se le denomina “animismo” o adquisición del alma.
La gastronomía comenzó cuando el hombre descubrió el fuego y asó su comida en el.
O sea cuando inventó o descubrió la parrilla prehistórica y así continuó desarrollando el arte de guisar diferenciándose del resto del orden animal que ingiere los alimentos crudos.
Estas disquisiciones anteriores sobre el pan en el paraíso que me perturban resultarían insustanciales a los teólogos pero la religión judeocristiana retoma otra vez el tema en el nuevo testamento recogidos por el cuarteto de evangelistas y éstos relatan la última cena del mesías con sus apóstoles y el milagro de las bodas de Canaan donde Jesús multiplicó el pan y el vino.
Me situó en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.
Y allí en el comedor del convento admiro el mural que no fresco ya que fue un experimento técnico de temple y óleo del genial Leonardo da Vinci.
El mural recrea la última cena, allí Cristo comparte el pan y el vino con sus discípulos trasmuta su cuerpo y su sangre a los símbolos en una antropofagia mística exhortándoles a repetir el rito en memoria suya hallando por ello la gracia divina.
El pan convertido en sacro tal es la importancia de este alimento básico.
Robertson Smith reflexiona: “La fuerza moral de la comida pública de sacrificio reposaba en representaciones muy antiguas relativas a la significación del acto de comer y beber en común.
Panem nostrum quotidiamun da nobis hodie o danos el pan de cada día así rezan miles de fieles cristianos a diario de modo comunitario o a solas.
Las pautas alimentarias son marcadas por las creencias religiosas en cada cultura.
La religión cristiana es casi la única que permite comer de todo incluso la sangre ( ejemplo la morcilla) con la excepción de la cuaresma donde es restringido el consumo de carne siendo además la gula uno de los siete pecados capitales. Hay manjares específicos que conmemoran festividades religiosas como el roscón de reyes, la mona de pascua o las torrijas en semana santa etc.

La religión islamista en su libro sagrado el Corán establece unas leyes gastronómicas como no ingerir carne de cerdo ni de animales de compañía, ni animales depredadores.
Importante además es como son sacrificados los animales para el consumo.
La muerte no puede ocurrir con violencia.
En el Ramadán la fiesta religiosa capital del mundo islámico taxativamente resulta prohibido comer y debe ayunarse mientras haya luz.
Al anochecer efectúan rituales como el lavado de manos justo antes de ingerir alimentos para purificarse.

También el judaísmo diferencia los alimentos en puros e impuros como un camino hacia la espiritualidad.
Impura es la carne de caballo, el cerdo, la de animales carroñeros.
Puros serían la vaca, las gallinas, el cordero, la cabra y todos los pescado a excepción de los que no tiene escamas y cola como el lenguado, el rape o los mariscos.
El sacrificio de los animales ha de realizarse al igual que en el islámico con un proceso exacto mediante un cuchillo ritual y dejando desangrarse al animal totalmente lavando la carne con agua en abundancia antes de cocinarla.
Su creencia es que el alma del animal se encuentra en la sangre y por tanto es sagrada.
La mezcla de algunos alimentos tanto en su elaboración como al servilas en la mesa debe hacerse por separado en vajillas diferentes como en el caso de la carne y la leche.

El hinduismo también señala hábitos alimentarios clasificándolos en puros e impuros pero no únicamente en las viandas, dependiendo además de la casta el sexo o la edad de la persona que las come o las toca.
A los brahames les está prohibido comer cebollas, ajos, puerros y setas.
Para los hindúes la vaca es sagrada porque se considera un animal favorecido por el Señor Supremo de Los Vedas, el Señor Krishna.
El hinduismo es uno de los primeros partidarios del vegetarianismo y la más antigua de las religiones orientales. La no violencia llevada a tal extremo hasta el punto que aquellos que matan vendan, cocinen o sirven carne son condenados.

Las creencias budistas más importante son el amor y la compasión ya que Buda trataba de disuadir para que no comieran carne puesto que apoyaba el sacrificio y éste está en contra del principio de la no violencia.
Para los budismo la agresión que los humanos causan a los animales muestra la relación agresiva que los humanos mantienen entre si.
La falta de respeto por la vida animal infiere la otra falta de respeto por la vida humana.
La dieta vegetariana implica pacifismo, felicidad y bondad hacia otras personas.
Las historias del Jataka cuentan que Buda se reencarnó en diferente animales por eso matar animales equivale a matar humanos y al igual que los vedas sostienen que aquellos que causen dolor algún animal experimentarán el mismo dolor en el futuro.


Disquisiciones religiosas al margen la comida, la gastronomía nació como una ciencia que estudia multitud de ejes culturales y religiosos de la comida no únicamente como arte culinario sino en su diversidad didáctica en la tierra y en sus tipologías.

El ser humano por lo general detesta alimentarse en soledad como así reflexiona Epicureo: “Debemos buscar alguien con quien comer y beber antes que buscar algo que comer y beber, pues comer solo es llevar la vida de un león o de un lobo."

Compartir el rito de la alimentación además ha desarrollado unos modales gastronómicos que varían de una cultura a otra e incluso un género literario que recoge todo tipo de recetas desde las guisanderas hasta las de los cocineros o chefs, artistas culinarios.
El uso de cubiertos o palillos es parte de un refinamiento y unos modales a la hora de comer pero furtivamente a veces necesitamos comer con nuestros dedos recordando atavismos ancestrales aún cuando en nuestra cultura occidental las normas “prohiben” que así lo hagamos.
La comida como protagonista o punto de enlace o excusa argumental en el arte aparece en poemas, libros, películas, con su propia idiosincrasia o como símbolo, como metáfora e incluso un escenario filosófico como el banquete de Platón.

En la plástica desde las pinturas murales en las cavernas continuó evolucionando hasta tal punto que Arcimboldo realizó obras manieristas en las que las frutas y hortalizas se juntan de tal forma que representan un sujeto, un hombre en una silueta reconocible.
Con los vanitas barrocos torna a una senescencia de frutas pasadas recordando un memento mori: recuerda que vas a morir.
La comida instituyo además otro género pictórico: el bodegón.
Representando naturalezas muertas que incluyen preferentemente para algunos creadores la comida y los utensilios de cocina proporcionando una libertad compositiva frente otro géneros pictóricos como el retrato o el paisaje e incluyendo el bodegón en el paisaje.
Edoaurd Manet fue más allá reuniendo los tres géneros en su lienzo: Desayuno sobre la hierba.
Obra que escandalizó la moral decimonónica no por el desnudo de la fémina; el porque aconteció debido a los personajes masculinos vestidos con ropas de su tiempo si el vestuario hubiera sido historiscista, es decir mitológico, el lienzo hubiera pasado desapercibido.
Manet encontró inspiración en una obra del Giorgione para componer el célebre desayuno.
Uno de los pintores contemporáneos que más importancia dio a la comida fue Salvador Dalí de hecho sostenía que el órgano más filosófico del hombre son sus mandíbulas por eso retomó la tradición reconvirtiéndolos en símbolos místicos, arcanos y eróticos e incorporó los huevos fritos, el pan, las judías, en cuadros como: Canibalismo de otoño, Premonición de la guerra civil, Construcción blanda con judías hervidas, etc.
El tiempo tomó de su pincel la apariencia de reloj blando después de inspirarse en el queso fundido.
Dalí sirviéndose del pan como fetiche para utilizarlo incluso donde no tiene sentido de permanencia como por ejemplo en la fachada de la Torre Galatea o en los sombreros.
Uno de sus cuadros favoritos fue el Angelus de Millet en la que una pareja de campesinos da las gracias a Dios por la cosecha obtenida ya que a sus pies tiene en un cesto de patatas, el fruto que con tanto esfuerzo les ha costado obtener.

Mientras que Dalí invoca el subconsciente emocional René Magritte apela a la inteligencia del espectador.
Calificado al igual que Salvador Dalí de surrealista otros estudiosos de su obra le enmarcan dentro del Realismo mágico.
En su autorretrato del bombín con una manzana titulado: El hijo del hombre (utilizaba esta fruta habitualmente) su intención no es la de darle el sentido bíblico de tentación más bien trata de revelar lo visible escondido.
Para Magritte un objeto oculta a otro detrás de el por eso hace visible lo que está escondido, los pies dentro de los zapatos, los senos sobre la ropa y oculta lo que normalmente es visible como el rostro detrás de la manzana quitando el velo habitual la piel de la cara descubriendo lo que esconde como un doble secreto y de ahí la sorpresa puesto que lo desvelado no corresponde con lo esperado.
Su amigo el poeta Paul Noguet escribió la siguiente reflexión sobre ese cuadro : “El interior de vuestra cabeza no es esta masa”. El interior de vuestra cabeza no es lo que os han dicho, no es “una masa gris y blanca”.
El secreto no es desvelado, al contrario se desdobla, bajo el primer velo encontramos otro velo sometiendo al espectador a un doble proceso mental en un doble vaivén, en una sucesión que cambia de piel a la de la manzana pero sin desvelar lo escondido.
Magritte negó siempre el simbolismo en sus obras aunque para otros teóricos dado el título del lienzo el hijo del hombre es el hijo de Adán y la manzana representa la tentación de la vida moderna.
El propio artista declaró la intencionalidad del cuadro como una denuncia ante lo fácil que es para nosotros rellenar con lo que no conocemos.
El hombre tiene muchas cosas que no da a conocer, que tapa, al igual que en un cuadro.

La miga de pan puede transformarse en la materia prima para crear obras y tanto el arte conceptual como el contemporáneo utilizan la comida como pretexto compositivo como mazorcas de maíz u las latas de sopa Campbell de Andy Warhol.

En 1895 los hermanos Lumière proyectaron por primera vez en la historia imágenes en movimiento con: 'El desayuno del bebé.
Más tarde Charles Chaplin en la Quimera del oro protagoniza por primera vez una escena paladeando como si fuera una refinada vianda una bota hervida.
En la trilogía del Padrino tanto en la novela como en las tres sagas de la película hay un elemento repitiéndose: las naranjas.
Esta misteriosa fruta para algunos muestra un código constante escondido que precede la acción o bien de violencia, de traición o de muerte. Para otros no es más que la pasión por el detalle de Francis Ford Coppola.
En el cine la comida toma y tomó frecuentemente la excusa gastronómica como argumento recurrente.



Aforismos y frases en latín propagan una sabiduría culinaria empírica o con una ironía chusca como: Brevis oratio et longa manducatio o lo que es lo mismo discurso breve y comida larga.
Cualquier conmemoración, cualquier acontecimiento o logro, feliz o desgraciado culmina con un brindis, un banquete o un convite familiar para confortarnos en la pitanza de continuar viviendo desligándonos de la muerte porque al comer la exorcizamos con olvido.
Los trastornos alimentarios van unidos a enfermedades psicológicas severas como la obesidad mórbida, la anorexia, la bulimia y aún los leves como pérdida de apetito o su aumento en cualquier momento crucial de la existencia los sufrimos todos.
Nuestra sensibilidad necesita del alimento de poesía, música, artes plásticas etc. por ello no podíamos menos que sublimar el instinto alimentario.
Lamentablemente ambas o alguna no son disfrutadas por el total de la humanidad.
Comemos para vivir y vivimos para comer pese a que el aforismo insista en la primera frase como norma saludable.
Las piezas gráficas realizadas por la agencia Y&R recrea mediante alimentos reales y frescos una de las obras de Magritte con un mensaje hedonista traducido que comer por todos sus costados es arte, el arte además del placer con todo sentido del gusto.

El final de juicio

Para elegir un sucesor tras el fallecimiento de un Papa su camarlengo ha de efectuar el procedimiento ritual que comienza al situarse en la cabecera derecha de su lecho llamándole tres veces por su nombre y apellidos de pila con un intervalo de tres minutos en cada llamada.
Realizado este acto debe golpear con un martillo de plata otras tres veces suavemente en la cabeza.
Al no haber reacción alguna declara el óbito del sucesor de Pedro y quitándole su anillo en presencia de los cardenales lo destruye con otro martillo así como el sello oficial también de plata del Pontícife.
Cerrando las puertas que dan acceso a los aposentos del sucesor del pescador da finalidad a la autoridad del Papa extinto ante la presencia de los principales dignatarios de la curia eclesiástica y procede comunicar el deceso al decano del colegio de cardenales y al vicario general de Roma quien lo anuncia a la opinión pública.
Otra de sus responsabilidades son las exequias del difunto y la de ejercer como máxima autoridad de jefe del Estado de la ciudad del Vaticano exento de la competencia espiritual de la iglesia Católica.
Por último llama al cónclave para la elección de un nuevo sucesor.
Cónclave significa con llave y con llave son encerrados los cardenales hasta que elijan al nuevo Papa dentro una famosísima sala.
La capilla Sixtina fue decorada por un artista legendario por encargo de un Papa, Julio II sobrino a su vez de otro Papa Sixto IV el cual bajo su mandato y por orden suya se construyó la sala.
El divino es el sobrenombre de Miguel Ángel Buonarroti, dotado de un genio múltiple del que hacía la siguiente presentación primándola por consideración social: Arquitecto, escultor, pintor.
Aunque también fue músico y poeta.
Trabajó durante cuatro años en la bóveda de la capilla sustituyendo la base azul y con estrellas doradas existente, lo hizo sólo incluso a la luz de la velas sobre un andamio elevado llevando a cabo una intricada arquitectura simulada donde incluyó las figuras que protagonizaron el Génesis.
Mantuvo una relación de enfrentamiento con Julio II rechazando sus propuestas cuando no le parecían adecuadas ni justas prohibiendo incluso el que nadie pudiera verlas hasta que las pinturas en bóveda de cañón no estuvieran acabadas.
Julio II solía preguntarle: ¿Cuándo estarán finalizadas? A lo que él respondía: Cuando acabe.
Como estudioso de la anatomía humana y apasionado del natural poseía una retentiva fabulosa para plasmar figuras en las más enrevesadas posiciones. Con una fidelidad absoluta podía trabajar de memoria sin ningún modelo dándole primordial importancia al torso.
Cuando finalizó la decoración de la bóveda otro Papa ferviente admirador suyo le encargó la decoración de otra de las paredes de la capilla donde se celebra el cónclave.
El tema elegido para el gigantesco mural fue el del Juicio Final.
De sus manos salieron un total de trescientas catorce figuras presididas por Dios, la Virgen, los apóstoles, ángeles, santos, condenados y figuras fantásticas salidas de su imaginación.
Todas ellas estaban completamente desnudas para lo cual el Papa le dio consentimiento.
Y él las despojó del miserable teatro del vestido con una mezcla compositiva de paganismo y sacralidad.
Miguel Ángel era consciente de que el mundo estaba cargado de prejuicios y gazmoñería pero nunca pudo imaginar el juicio devastador al que iba a ser sometida su obra al año de su muerte en 1564.
Andrea Gilio publicó el Diálogo degli errore dei pittore atacando sin piedad o pietá a Miguel Ángel por el contenido “inmoral, indecente y puerco” por la falta de respeto ante la representación de Dios sin barba... como un hombre vulgar. A los santos dispuestos en posturas plebeyas y por colocar contradiciendo las escrituras la disposición de los ángeles del Apocalipsis unos junto a otros en vez de situarlos a los cuatro ángulos del mural.
Esta opinión fue refrendada por las autoridades de la época. Pero la intolerancia no acabo aquí y prosiguió bajo el mandato de otro Papa Paulo IV que encargó al artista Daniele da Volterra revestir con paños y telas todas aquellas figuras cuyo aspecto resultará impúdico.
El sobrenombre que la historia dio al da Volterra y con el que sí cumple juicios justos fue el de: “Il Braguetonne” qué patética amputadora ejecución y apodo el suyo para la posteridad!
El sucesor de Paulo IV, Pío V insistió en cubrir más impudicias ordenando una nueva revisión al “Braguetonne”.
El juicio y los prejuicios parecía interminable ya que Clemente VIII sucesor del Pío V ordena la aberrante destrucción de todo el mural siendo evitada por la Academia di San Luca.
Entre paños, telas y partes pudendas la curia , los Papas, ni se percataron del enjuiciamiento y la rearfirmación que el artista mediante mensajes visuales ocultos dejó en su rebeldía plástica a la censura y la hipocresía.
En el grupo de las almas bendecidas hay una pareja de hombres abrazados en un beso pasional, otros dos con los cabellos rubios se besan con afecto y al lado derecho de la piel que sostiene San Bartolomeo hay otra pareja de hombres fundidos en otro beso. Una de estas figuras es la de Tommaso dei Cavalieri del cual Miguel Ángel estaba perdidamente enamorado al cual dedicó innumerables poemas de amor.
Detrás de San Lorenzo hay una imagen de mujer que representa a Vittoria Colonna el amor platónico e intelectual de Miguel Ángel a la que él admiraba sobremanera; pero era eso, platonismo puesto la condición del artista era homosexual. Posicionándolos en ese lugar les hacía dignos de su cercanía a Cristo.
San Bartolomeo en realidad toma la apariencia de Pietro Aretino, un amigo de Miguel Ángel al que la iglesia censura por sus escritos y diseños considerados pornográficos. Con tal representación daba a entender que su cercanía a Cristo era más real que la de muchos santos de la iglesia.
En el grupo de de almas empujadas al infierno hay otra enfervorizada crítica a la iglesia del renacimiento con un figura que aparece boca abajo representado la simonía. Cuelga de su cuerpo un bolsa de oro junto con dos llaves ya que vendían los sacramentos y las posiciones jerárquicas dentro de la iglesia coronando un abierto revulsivo al poder del Vaticano en la tierra ya que estas llaves así lo representan.
Cuando la fumata blanca anuncia: Habemus Papam recordemos a Miguel Ángel el artista divino y violento, creyente y escéptico presidiendo la sala del cónclave...