Demons blues

Un amigo mío dibuja mapas de lugares a los que quizá vaya o los que quizá nunca irá.
Dibujar traza mapas incluso cuando retratas a alguien, la fisonomía toma forma de cartografía en los relieves de un lenguaje corporal.
Bosquejo un mapa con destino a las carreteras de un blues por el delta negro del Mississippi.
Blues exclama la expresión de sentirse triste y solo que remontándose en el tiempo se retrotrae a la Gran Bretaña del siglo XVII al argot con el que los demonios azules denominaban a la melancolía, la primera referencia a los blue devils nos remite a la farsa de George Colman.
La carretera 61 un ábaco contando 325 kilómetros por el tórrido verano desde Memphis al estado con nombre de río.

Pueblos con locales tugurios para el grito de campo azul, el blues memoria cadencia de algodón y esclavitud y aparcería y libertos y libres con una última gran parada de autopista en Chicago.
La influencia de su melancolía dejándose escuchar en el ragtime, bluegras, jazz, rock and roll, country, funk, pop, Heavy metal, hip hop y el rap.
Doce compases mueven un blues para tocar, cantar y bailar.
Bluesman Womanblues con guitarra y armónica recorrían carreteras del blues para percibir la vida mientras ocurriendo pasa con sus pequeñas maletas de cartón hacia el norte, hacia el este, hacia oeste desde el sur.
El blues era la música del demonio para versos como los del Sonny Boy Williamson:

Cada vez que ella se pone hacer el amor, le devuelve la vista al ciego.

Blues plegarias de los viejos en las iglesia baptistas, leyendas del blues como Robert Johnson:

Sí, los blues son la enfermedad del viejo corazón dolorido, Sí los blues son la atroz enfermedad dolorido, Como la tuberculosis, me matan poco a poco.

Well, the blues am a achin' old heart disease,
Well, the blues am a low down achin´
heart disease
Like consumtion, killin' me by degrees.

Para Willie Dixon el compositor poeta y filósofo la música del blues era inmensa por la sabiduría que aportaba luchó durante más de cinco décadas por su reconocimiento de raíz núcleo de la música americana.

Los blues montándose en un tren hacía el norte para obtener una oportunidad lejos de la opresión.
El Chicago Defender el periódico más influyente en la América negra en 1917 publicaba anunciando: “ El Defender os invita a todos a venir al norte. Hay muchos sitios para hombres buenos y serios, activos. Trabajo de sobra. Y para los que no queráis trabajar las cárceles se ocuparán de vosotros. Cuando hayáis cumplido treinta días de trabajos forzados, habréis aprendido a trabajar. Cualquier sitio en la tierra del señor es mejor que el sur. No dejéis que los blancos sureños os tomen el pelo. Venid y uníos a los hombres libres”.

Blues Work songs o Hollers, las primeras asociadas a los cantos de trabajo en las cuadrillas de trabajadores en las plantaciones que se iniciaron en los barcos venidos desde África donde encadenados su voz era el único instrumento para susurrar el dolor, el temor y la nostalgia en la bodegas por la separación del continente la familia y por todas crueles penurias sufridas a bordo como el hacinamiento, las cadenas, las torturas, las enfermedades e incluso la muerte.
En las Work song un solista improvisaba ritmos uniformes con estribillos a los que respondían los otros esclavos.
El Holler blues para un solista a capela exteriorizando con mayor libertad de ritmo cantado para si mismos con un tono de voz más elevado.
Los espirituales gozaban del favor de los blancos no representaban peligro ya que hablaban de otra vida después de la muerte, el blues por el contrario revelando los temas de la vida cotidiana eran un áspero y apasionado canto de melancolía pero en rebeldía, pero no todo era la expresión de la tristeza las JugBands en Menphis utilizando instrumentos rudimentarios como peines, tablas de lavar, jarras así como violines, guitarras, banjos, mandolinas o armónicas manifestaban canciones corales de alegría.

Mujeres tristes madre de los azules gemidos quejidos alaridos el drama tonal en la geografía de la voces de Ma Rainey, Bessie Smith, Ethel Waterslda Cox, Martin Sara, Clara Smith, Victoria Spivey, Mahalia Jackson y la voz negra de la topografía blanca de Janis Joplin sobre los folk blues.

Al blues le resuena la distancia de la endiablada soledad permanente.

Viñeta de Bluesman, de Rob Vollmar y Pablo García Callejo, trilogía editada por Ediciones de Ponent.

El Cisma de la renuncia

Escudo de pontificio de Aviñón.

Tríptico de los papas de Aviñon.

El papa ha presentado la renuncia aduce motivos de salud ha escogido el final de febrero para devolver las llaves de San Pedro a partir de ese momento existirá un vacío legal de poder hasta que el cónclave elija el nuevo sucesor de la piedra angular de la iglesia católica.

Piedras inmuebles sustentan lo que denominan un reino espiritual un reino fuera del mundo pero con cabida en este con sucursales en todos los continentes.

Sería imposible evaluar los bienes que posee este estado con un dominio impasible y el capital tangible de la iglesia quedándose en su seno in saecula.

Es su fuerza, la herencia indivisible con lengua oficial en latín jamás divide dividendos sustentados en la parafernalia de sus ritos inmutables.

Uno de ellos unge el ceremonial para la elección de un nuevo pontífice que es el título reservado a los líderes religiosos y que actualmente es utilizado al referirse al papa apelándolo Sumo Pontífice.

Pontifex Maximus eran los hombres en la antigua Roma pertenecientes al consejo y la máxima representación religiosa. La iglesia católica apostólica y romana se considera la sucesora del imperio romano.

Celebrándose bajo clave en una sala decorada con un Juicio final y un techo con pasajes de su libro de cabecera, la biblia, pintada por el genio del cuatrocento Miguel Ángel. 

Allí los cardenales elegirán su nuevo presidente santo, la santidad acompaña al cargo indefectiblemente (¿La renuncia anulará la santidad benedictina...?).

La iglesia institución con tratado de política desde intramuros a extramuros con injerencia en toda la política mundial paradójicamente este estado tan minúsculo domina esos entresijos desde la teocracia de sus piedras.

Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» Mateo 16: 18-19.

Arco con la piedra clave sin ésta el arco se desmoronaría en uno de sus frentes los escudos de armas de los papas de Aviñón.

Estos argumentos en las palabras de Jesús fueron tomados de forma tan literal que la iglesia es un reino de piedras que ha construido edificios sacralizados por todos lo mapas del mundo, algunos sencillos y otros monumentales con una capital romana pero no siempre ha sido así.

A la ciudad de Aviñón en sur de Francia se trasladó la corte papal 1309 debido al agresivo caos que vivía Roma desde la elección del gascón y papa Clemente V el cual optó por esa ciudad para nueva sede de la cristiandad situándola en un monasterio al que fue invitado pero fue su sucesor Juan XXII y aún más el sucesor de Juan, Benedicto XII  quien se encargó de reconstruir el viejo palacio episcopal debido a su situación natural en la  impresionante altura rocosa que domina todo el paisaje sobre el río Ródano que permitía su visión desde lo lejano incluso desde los montes Alpilles.

El Palacio de los Papas se convirtió en uno de los conjuntos monumentales más valioso del gótico medieval y más tarde patrimonio de la humanidad.

Pierre Poisson de Mirepoix fue el arquitecto elegido por Benedicto XII para acometer las obras del Palacio viejo y Clemente VI encargó a Jean de Louvres la obra que amplío la sede para añadir un Palacio Nuevo. Urbano V finalizó las obras del patio central decorándolo con tapices, pinturas, techumbre de madera, esculturas y frescos.

1377 ocurrió el gran cisma por el que el papado se dividió entre Roma y Aviñón declarados los de Aviñón antipapas el último de ellos el español Pedro de Luna tuvo que huir. El papa Luna sólo fue reconocido por los reinos de Castilla, Aragón, Sicilia y Escocia aunque lo cierto es que fue elegido cardenal antes de que se produjese el cisma y por tanto su papado válido según su opinión que sustentó junto con su cismático papado hasta que murió en el castillo de Peñíscola donde estableció su corte papal llevando el nombre de Benedicto XIII el mismo nombre que ostenta el antiguo cardenal Joseph Ratzinger antiguo militante de las juventudes hitlerianas ahora el papa Benedicto XVI hasta el 28 de febrero de 2012.

Roma ganó la partida en contra de la ciudad de Aviñón conocida además por su famoso puente medieval, el Pont d´Avignon o Pont St-Bénézet sobre el Ródano que se une al conjunto monumental del Palacio de los Papas, la catedral y el Petit Pale y renombrado además por su la canción infantil.

Sur le pont d'Avignon,

L'on y danse, l'on y danse,

Sur le pont d'Avignon

L'on y danse tous en rond.

Puente de Aviñon

Recuerdo entonar esta canción en el colegio en las clases de francés y volví a cantarla cuando pisé el puente después de salida de la fortaleza Palacio de los Papas cuando entré llovía, en su interior hacía frío en las salas desoladas austeras de un elegante minimalismo tan diferentes al barroquismo del otro Palacio de Roma. Hacía sol sobre el puente de Aviñón donde otrora todo el mundo bailaban y yo también.

Pensé sobre la parafernalia papal dos milenios sobre la piedras les han convertido en una pétrea institución que pervive por el miedo del hombre a la muerte pervive traficando algo invendible como es la inmortalidad pervive y pervivirá porque sus intereses son y han sido  la omnímoda causa de Estado.

Gran capilla donde solían rezar los papas.

Entrada al Palacio de los Papas.
Las obras para su reconstrucción son constantes.

El claustro.

Sepulcro de uno de los papas.

Esculturas en relieve que adornan el Palacio.

 Frescos realizados
 por los artistas Simone Martini y Matteo Giovanetti
en los aposentos privados del papa.

El uniforme de la guardia suiza de Aviñón.

Galería de retratos de todos los papas de Aviñón

El salón del palacio.

Artesonados de los techos decorados

Detalle de uno de los baldosines de cerámica

Los muros del Palacio tienen un grosor de 5 metros. Vista desde uno de sus laterales.

Suelos de cerámica.

Los profetas del color

El mejor profeta del futuro es el pasado.

Lord Byron

Profeta, los artistas asimilan este rol a menudo consciente e inconscientemente y la profecía vertida en su arte vislumbra el presente e incluso el futuro, pero...

¿Esas visiones unilaterales desmarcan un mundo más allá de si mismos? Sería mejor precisar que practican la clarividencia de revelar su propio espíritu su propia carne percibida en su mundo interior u otro mundos externos que vislumbra mediante sus sentidos, sensibilidad e inteligencia.

Para quién habla un artista, para si mismo fundamentalmente porque nada le asegura el qué ahí halla alguien que le entienda o mejor se involucre en esa visión en esa premonición producto de su futura obsolescencia.

Sí el artista habita el pasado de sus sombras sus recuerdos su ahora su después que indefectiblemente le ha estabilizado o le estabilizará en la memoria del tiempo.

La profecía ese don de ver encontró en Francia a finales del siglo XIX un grupo que formaron varios pintores inspirándose en otro arúspice que fue Paul Gauguin ya que le tomaron como punto de partida para una nueva visión.

El grupo lo formó Paul Sérusier ( único díscipulo directo de Gauguin), Maurice Denis, Pierre Bonard y Édouard Vuillard. Odile Redon, Puvis de Chavannes, Félix Vallotton, Ker-Xavier Roussel y los escultores Aristide Maillol y George Lacombe.

Al grupo se le denominó Nabi, palabra hebrea cuyo significado es profeta.

Los nabis cuya visión y toda visión es un movimiento fue un grupo ecléctico distanciado de lo natural basándose en sus propias metáforas particulares incidiendo en su propio mundo interior convirtiendo sus sentimientos en la base compositiva expresada en el color.

Así es como hay que entender la obras de los nabis en sus estados de ánimo deformando la realidad tanto objetiva (lo que ven) como subjetiva (la emoción) por ello su movimiento se dividió en dos ramas una más decorativista y otra más espiritual expresado exponencialmente en el color que más tarde serían precursores del fauvismo y la abstracción.

Experimentaban con todo tipo de materiales incluso editaron una revista: La revue Blache, tanto plástica como literaria en la que participaron los artistas y literatos más significativos de la Francia del momento lo que produjo un conocimiento rápido por parte del público, una de las pretensiones de los nabis era democratizar el arte.

Los nabis eran excéntricos reuniéndose en distintos lugares hasta que el pintor nabi y escritor Paul Rason puso a disposición su propia casa a la que llamaron el templo con una vestimenta especial y efectúan un ritual lo que le confería un carácter religioso, místico, en que de lo contemplativo proseguían a lo espiritual.

Los nabis más que ningún otro movimientos les atraía el hermetismo, el budismo, lo exótico y orientalista e incluso el cristianismo ortodoxo.

La mayoría de ellos fueron teóricos con algunas obras excepto Bonnard y Vuillard.

Maurice Denis creó un taller sacro reinventado una pintura pura en una mímesis que rompa la anécdota tornándola más simplificada que la emparenta con la pintura medieval y con el renacimiento.

Relacionados con el simbolismo literario, con Charles Baudelaire y sus emblemáticas Las flores del mal a los que también les atraía el mundo como un misterio sin descodificar en una sinestesia percibida entre colores y letras como el verso de Rimbaud, Vocales, que les apartaba de la realidad objetiva y de la representación de la misma reivindicando la exaltación de la imaginación, los sueños y la espiritualidad y como no lo que percibe todo ello, la intuición.

Cada artista emplea el color traduciendo éste en un simbolismo propio único para expresar ese mundo intimista en la profecía profanando su oculta emotividad.

IV- Correspondencias



La creación es un templo donde vivos pilares 


hacen brotar a veces vagas voces oscuras;


por allí pasa el hombre a través de espesuras 
de símbolos que observan con ojos familiares.



Como ecos prolongados que a lo lejos se ahogan 
en una tenebrosa y profunda unidad,
inmensa cual la noche y cual la claridad,
 perfumes y colores y sonidos dialogan.



Laten frescas fragancias como carnes de infantes, 
verdes como praderas, dulces como el oboe,
 y hay otras corrompidas, gloriosas y triunfantes,

 de expansión infinita sus olores henchidos,
 como el almizcle, el ámbar, el incienso, el aloe,
 que los éxtasis cantan del alma y los sentidos.

Charles Baudelaire.

Soneto de las vocales, de Iluminaciones

" A negra, E blanca, Y roja, U verde, O azul: vocales,

algún día diré vuestro origen secreto;

A, negro corsé velludo de moscas relucientes

que se agitan en torno de fetideces crueles,

golfos de sombra; E, candor de nieblas y de tiendas,

lanzas de glaciar fiero, reyes blancos, escalofríos de umbelas;

I, púrpura, sangre, esputo, reír de labios bellos

en cóleras terribles o embriagueces sensuales;

U, ciclos, vibraciones divinas de los mares verduscos,

paz de campo sembrado de animales, paz de arrugas

que la alquimia imprimió en las frentes profundas;

O supremo clarín de estridencias extrañas,

silencio atravesado de Angeles y de Mundos;

O, la Omega, el reflejo violeta de sus Ojos! "

Arthur Rimbaud.

Obras: El talismán, de Paul Sérusier.

Autorretrato de Pierre Bonnard.

Las musas de Maurice Denis.

Temprano, en el infierno

La travesía de sus ojos dejaron en el papel una temporada en el infierno como la alquimia del verbo del verso de Rimbaud y el verbo se hizo papel en los ojos del alma de Zoran Music.
¿Cuántas temporadas de estadía moró en el infierno?
¿Por cuántos paisajes dantescos y barracones del dentro y fuera anduvo este poeta con los huesos de memoria y holocausto... Y si no hubo una puerta de salida del infierno de la tierra...?
Eslovenia fue la cuna de Zoran en 1909 resistente anti nazi fue detenido en 1944 torturado y enviado al campo de exterminio de Dachau.
Como un clandestino no olvidó incluso allí su vocación por la pintura en una lucha por el arte y la memoria. Robando como podía tintas y papeles sucios realizó 300 dibujos del día a día a sus compañeros transformándose en esqueletos deambulantes por el hambre y los martirios para acabar en los hornos crematorios o ahorcados. Miraba como eran apilados en montañas de carne y troceados como bueyes.
Su suerte y al quizá su desgracia fue sobrevivir, los dibujos fueron los bocetos para la obsesiva serie titulada: “Nosotros no somos los últimos”, enfrentando el horror la debacle de algo que sucedió sin ni siquiera enfrentar una protesta, Zoran no deseaba ejecutar una declaración pomposa de algo que le avergonzaba y le hacía sufrir indeciblemente el haber sobrevivido.
Dormir era entrar de nuevo en el campo similar a lo que le ocurría a Ira Levin en Auswitchz el cronista en imágenes para su libro Si esto es un hombre y la tregua. Ira decidió acabar con su vida suicidándose en 1987 lanzándose por la espiral de una escalera de un edificio porque no podía escapar de la pesadilla de Auswichz.
Zoran Music retrata la inmovilidad evanescente cadaverina resultando no el retrato de un lugar ni una época determinada sino la de cualquier desierto del terror producido por el hombre contra el hombre.
La niebla en sus paisajes asemejan la memoria porque envuelve en sus jirones los recuerdos quebradizos agolpándose en un vaivén continuo y ofuscador al igual que en sus últimas obras revelan autorretratos meditabundos hacia el deterioro del simbolismo y la extinción del expresionismo final barrenando el bárbaro silencio.


TEMPRANO AL MEDIODÍA


Silenciosamente reverdece el tilo en el incipiente verano,
apartada lejos de las ciudades, centellea
la luna pálida y diurna. Ya es mediodía,
ya renace el chorro en la fuente,
ya se alza entre los añicos
el ala torturada del ave de los cuentos,
y la mano mutilada por el golpe de la piedra
duerme en el trigo que despierta.
Dondequiera que el cielo de Alemania ennegrece la tierra,
busca su ángel decapitado una tumba para el odio
y te ofrece el cáliz del corazón.
Un puñado de dolor se pierde sobre la colina.
Siete años más tarde
lo recuerdas nuevamente,
en el pozo ante las puertas de la ciudad,
no fijes demasiado la mirada,
se te fatigan los ojos.
Siete años más tarde,
en una casa de muertos,
apuran los verdugos de ayer
la copa dorada.
Tendrías que esquivar la mirada.
Ya es mediodía, en el rescoldo
se dobla el hierro, en la espina
se izó la bandera, y sobre la roca
del sueño vetusto queda, de hoy en adelante,
forjada el águila.
Únicamente la esperanza, encogida y ciega, en la luz.
¡Desata su cadena, llévala
ladera abajo, protege
sus ojos con tu mano, para que
la sombra no la queme!
Dondequiera que la tierra de Alemania ennegrece el cielo,
busca palabras la nube y llena el cráter con silencio,
antes de que el verano la oiga, en la llovizna.
Lo indecible recorre el campo con un murmullo:
ya es mediodía.

Ingeborg Bachmann


Allí donde la toques, la memoria duele.
Yeoryos Seferis.

El universo de la Provenza

Acabo de volver a mis playeros grises les he echado cuatro mil kilómetros del norte al sur por el país de la Liberté Egalité y Fraternité en mi segunda ida y vuelta.

Esta vez soy las tapas de las botas de alguien que como yo viajó hasta una pequeña ciudad en la Provenza una de las ciudades más antiguas de Francia. Voy en su busca allí, esta vez no hay cuadros sino el escenario real de sus obras para colocar tus botas hallando el Mistral, la atmósfera nítida, las montañas Alpilles, los áureos olivos, los cipreses corta vientos, el claustro, el huerto y en su habitación celda las estrellas como puntos suspensivos brillando tras las rejas.

Reprimo amagos de pesadumbre por él en Saint Rémy de Provence donde por las noches alevosamente cantan las cigarras.

En este octubre luminoso los campos de lavanda duermen hasta la primavera y duerme el recuerdo de mis pasos ya en busca de Vincent Van Gogh.

El monasterio de San Paul de Mausole a las afueras de Saint Rémy ciudad natal de Michael de Nostradamus fue el refugio donde hostigado por multitud de causas su hermano Theo le buscó asilo en el eufemismo de casa de salud que aún hoy comparte esa función además de pequeño museo con su habitación donde el viajero o quizá peregrino porque la peregrinación comienza con un acertijo de verbo en credo cerrando el sendero.

Creo en Vincent descatalogando su etiqueta de genio por lo que de él creo sintiendo fue su inmarcesible soledad de acantilado creador acosado por la absenta, la melancolía, las crisis nerviosas, la locura, la pasión, la manía persecutoria y el pacto de silencio de lo ocurrido entre en él y Paul Gauguin unos meses antes.

Durante un año en el sur encontró el expresionismo lejano del frenesí a la luz de un fulgor diáfano sereno con ritmo sesgado de simbolismo espiritual por Saint Rémy ondulando ciento cincuenta obras.

Desandando sus pasos prosigo para ir Arles ubicada y destartalada su casa amarilla esa que compartió un verano con Paul, su habitación azul, otra reclusión en la casa de salud de Arles y su vibrante café le soir.

A las afueras de Arles en su puente de lavanderas solitario bajo el sol de la mañana sólo un hombre tan semejante en su fisonomía con el pintor holandés y a sus pies el estuche de una guitarra...

esbozando el dibujo del puente de madera con un bolígrafo azul a quien dedico esta nota por su devoto silencio concentrado.

La casualidad traza lo que jamás se me hubiera ocurrido pedir...

Dejo de escribir ya para que la elocuencia de las imágenes narren lo que Vincent perdida su fe en la religión razón por la cual comenzó a pintar volvió a encontrar en el ángelus de la tierra provenzal hasta que transcurrido ese año de 1889 volvió al norte de donde ya no regresó o quizá sí porque ignoramos a dónde vamos ni de dónde venimos y para esos dónde aguardan kilómetros cero.

La habitación de Van Gogh en el Asilo de Saint Paul

Autorretrato que realizó en Saint Rémy

Estatua de Vincent Van Gogh con girasoles en la entrada
del asilo.

El asilo de Saint Paul de Mausole a las afueras de Saint Remy

El ciprés

Los olivos en Saint Rémy

Café le soir

El jardín de la casa de salud de Arles

El puente de Langloise y lavanderas

La pregunta

¿Puedo hacerte una pregunta por curiosidad?

Tiembla ante esta inquisitiva interrogación la probabilidad marca que la curiosidad casada con el deseo en un maridaje malsano porque esa información ese dato de origen personal, íntimo, no le co

ncierne a nadie más que a ti por su irrelevancia y por lo general aspira a confirmar ciertas sospechas rumores o libelos con el fin de que el inquisidor satisfaga o confirme el objeto de tales afanes y que con ello el inquirido sufra hasta ese instante ignorante percatándose de la duda sobrevolando su persona por el devaneo de una lengua viperina y malvada trasladada siempre a otra propaladora con el interludio es que me han dicho... porque rara vez el atrevido cierra filas confesando que es él o ella quien lo ha divulgado o imaginado o ambas.
La fabulación malsana (la curiosidad miomi ) destructiva después de todo creativa sí que es de rigor reconocérselo de alguna manera posibilita que cualquiera caiga en ella aunque sólo ocurra en el umbral de su cabeza ahora sí los más justos precavidos y certeros no abren dejándola salir de la puerta de boca con la sola consistencia de la sospecha.
La curiosidad la bien intencionada unida va al instinto unida a la natural observación para el aprendizaje unida a la mimesis aristoteliana esa que sobre todo en los animales no tanto en el hombre marca la diferencia de la sobrevivencia la que mata una de las vidas del gato pero le da otras seis de sabiduría empírica y curiosa.
El bebé humano esencialmente es un curioso neonato un ser deslumbrado por lo que ve escucha huele toca degusta para descubrir y esa capacidad psicológica ese genoma implícito suyo de observar el mundo por primera vez ese milagro de extasiarse ante cualquier estímulo esa será en parte una pérdida del humano adulto acostumbrado a que el sol salga, caiga un aguacero o una burbuja de jabón vuele, el adulto entonces trata de entender los por qué de estos sucesos empleando una curiosidad abstracta.

Prefiero que mi mente se abra movida por la curiosidad a que se cierre movida por la convicción.
Gerry Spence

La curiosidad ha llegado a la luna e innumerables descubrimientos pero la curiosidad, el deseo de conocer lo que no se sabe, el reconocimiento humilde e inteligentísimo, la duda del sólo sé que no sé nada fue la causa por la que a Sócrates le acusaran tratando con curiosidad impía de penetrar los secretos del cielo y de la tierra por ella fue obligado a suicidarse con cicuta por sus asesinos presenciales dotados de una curiosidad mórbida.
Cuando miramos un cuadro o vemos una película o leemos un libro o vemos cualquier imagen o escuchamos cualquier música etc, dejamos de existir en una despersonalización de lo que somos; salimos de nuestra mirada que nos hace reales para entrar inconscientemente en esa otra realidad que contemplamos al igual que la empatía penetra en la piel del otro (entendiendo el otro como cualquier forma de vida) sintiendo su dolor o su alborozo, su panorama emocional.

Para aprender necesariamente tenemos que mirar pero por último o como principio pues estos dos conceptos cierran un círculo como el que forma los ojos vamos a mirar con el pensamiento o lo que es mismo con la mirada pérdida esa arcana primitiva e infantil la mirada intimista intuitivamente deseosa desprovista de la razón y que mira a la nada sin en si ver nada sólo ese deseo secreto atrapado en un laberinto sin salida incluso sin que lo anhelado necesariamente sostenga existencia.

George Frederick Watts, Minotauro. (1885) Tate Gallery.

El bosque imaginado

La vanguardia artística dejó de observar la realidad con un cambio plástico un cambio mental plasmando la materia plana sin relieve ni profundidad creó un hábito. El hábito es el maestro más eficaz según Cayo Plinio cada forma vida desarrolla sus hábitos en inercia pero también en

dinamismo.
La pretensión del artista se mueve entre el campo imantando dos polos de creación positivo y destrucción negativo, dos polos que la naturaleza ha empleado constantemente en una involución evolutiva.
Para adquirir el hábito construir la profundidad entra en juego esa que fue máxima de vanguardia pero que es un hábito de cuasi todas las épocas que trata de reducir a dos dimensiones lo que estamos viendo tridimensionalmente.
Al hacerlo el hábito impone al aprendizaje primero en blanco y negro para atravesar esa barrera de dos dimensiones conseguir la perspectiva lo cual no es sencillo el artista utiliza la ilusión del volumen mediante la valoración tonal; una ilusión de luces y sombras a la que da un término una denominación con vocablo y vocación de artista: el escorzo.
El escorzo ubica un cuerpo o cualquier objeto en posición oblicua y perpendicular a nuestro eje visual y un ejemplo es esta foto de la obra del Cristo muerto de Andrea Mantegna pintada entre el 1480 y 1490.
El escorzo de Mantegna prolongó una nueva visión audaz e innovadora que en su tiempo despertó críticas mordaces por su naturalismo y su humanista perspectiva.
El estudio de los pliegues del sudario que cubre parcialmente el cuerpo de Cristo asombra por su preciosismo.
Según los evangelios después de la crucifixión a Jesús le ungieron en una unción de aceites perfumados en la llamada piedra de la unción de color rojizo debajo del monte Calvario antes de su inhumación. A su derecha se encuentran dolosos y dramáticos San Juan, la virgen María y una probable María Magdalena. Una vasija de aceite a la izquierda indica que el cuerpo va a enterrarse inmediatamente.
Mategna produce impacto en el espectador causado además por los estigmas sin derrames de Cristo (sólo una gota en el antebrazo izquierdo) ejecutados con una gran perfección anatómica.
Las manos volteadas hacia arriba visualizándolas de frente los pies con respecto a la cabeza advertimos su tamaño demasiado pequeño para ese escorzo pero no es una inexactitud de dibujo en el renacimiento aún era impensable que los pies tomaran un tamaño mayor y ocultaran el protagonismo del rostro.

Observación la premisa prolongándose filosóficamente a lo inmaterial sobre el ser fue planteada por Heidegger a la alemana aunque anteriormente la abordó Ortega a la española en sus Meditaciones sobre el Quijote.
El efecto perspectivo de la visión y la mirada entre el mundo patente y el mundo latente, el escorzo de lo trascendente.
Según el filósofo la visión tiene diversos grados de realidad y para ello echemos una mirada sobre un bosque.
En la entrada de un bosque vemos lo más próximo a nuestra vista la apariencia superficial de sus hojas, sus árboles, sus formas, sosteniendo una mirada a la superficie pero la intuición entrevee el bosque latente oculto tras mi primera mirada, la vista me pide ese esfuerzo intuitivo de la visión del bosque secreto, interno, de los arroyuelos, el sonidos de las cascadas, el color de los matorrales; el más allá de mi mirada en lo intuido e incluido por la superficie del escorzo de lo que Ortega llama el trasmundo.
El trasmundo oculta la verdad útil la dimensión temporal espacial del pensamiento y la emoción en toda la percepción de sus posibilidades que con nuestros sentidos e intelecto para no sólo mirar si no escuchar tocar oler y saborear la métafora del bosque.
La búsqueda el descubrimiento de lo ilimitado esa es la pretensión circundada por el artista y de cualquiera que desee el ir más allá al hallazgo del escorzo de la superficie a la profundidad.
Ortega reduce su filosofía al: Soy yo y mis circunstancias.
El yo es el ser que lucha con lo inmediato de sus circunstancias y las circunstancias que le rodean las metas que proyectadas en la lejanía nos impiden ver la cercanía.
Qué es el escorzo de una meditación quijotesca para mí tras ver el bosque de cerca intuir el lejano el intimista en ello miro veo visiono y soy yo en mis circunstancias estática a la entrada de la arboleda pero dinamizo además con el ecualizador de mi pensamiento de mi emoción que fantasea las circunstancias de otro bosque irreal con un escorzo de un hábito imaginado.